Fiche technique :

Avec Maïk Darah, Jann Halexander et Sandro Bassonnato. Réalisation : Jann Halexander et Jeff Bonnenfant. Scénario : Jann Halexander. Compositeur : Jann Halexander.

Durée : 50 minutes. Disponible en VF. 

Résumé :

Le résumé de notre film « Une dernière nuit au Mans [les gens de couleur n'ont rien d'extraordinaire] » se veut simple : Marianne, veuve aisée, artiste à ses heures, vit au Mans, avec son neveu, Antoine. Elle tombe amoureuse de François, professeur de mathématiques… qui tombe amoureux d’Antoine…

Jeff et moi voulions montrer aussi un visage de la petite bourgeoisie française d'origine antillaise (ou africaine, ça dépend) que l'on peut retrouver un peu partout en France, notamment dans le grand Ouest et dans la région bordelaise. Un fait sociologique malheureusement peu étudié. Marianne et son neveu vivent dans un petit appartement mais ont une résidence secondaire (qu'on pourrait imaginer dans les Alpes Mancelles). Marianne, campée par mon amie complice Maïk Darah est la bourgeoise française par excellence : boit du vin, mange des rillettes et aime son pays en rappelant qu'il est la terre d'Alexandre Dumas. Elle a aussi cette façon bien française de collectionner les amours. Avec le personnage de François, interprété par Sandro Bassonnato, nous avons intégré la non-hétérosexualité, aussi normale que l'hétérosexualité. En parler, le montrer, le filmer, tout en sensualité mais le montrer. J'avoue que la musique de Chopin sur la scène d'amour entre Antoine et François fut bienvenue.

Si notre film devait avoir un message, puisque paraît-il, il en faut, ce serait celui-ci : ne pas avoir peur d'aimer, quelque soient les circonstances et les conséquences.

L’avis de Pascal Françaix (BBJane Hudson) :

Créateur polymorphe et compulsif (auteur, compositeur de chansons qu’il interprète, scénariste, réalisateur, acteur de films distribués directement en DVD), Jann Halexander est un homme de dichotomies. Celles qu’induisent le métissage et la bisexualité sont les plus évidentes et récurrentes dans son œuvre musicale et filmique. Mais il en est une autre qui, pour être moins explicite, infuse son univers de façon tout aussi prégnante : la tension entre le réalisme et l’irrationnel ‒ la fidélité au premier, correspondant à un souci d’objectivité morale et d’ancrage dans son époque ; la tentation du second, témoignant à la fois d’un élan transcendant et d’une attirance du gouffre. Dans le domaine musical, sa fascination pour le mythe du vampire lui a inspiré un spectacle (Confessions d’un vampire sud-africain), et une chanson (Déclaration d’amour à un vampire) ; son premier scénario pour Rémi Lange (Statross le Magnifique [2006]), et ses deux réalisations précédentes (J’aimerais, j’aimerais [2007] et surtout Occident [2008]) témoignent de son goût pour l’insolite (le caractère fantomatique de ses personnages), jusque dans ses déclinaisons horrifiques (le finale d’Occident). Jann Halexander s’avère de plus être un fin connaisseur de cinéma fantastique, et un grand amateur de « séries Z » psychotroniques (pour l’anecdote, il voue un véritable culte à Troll 2 [Claudio Fragasso, 1990]). Dans le même temps, il est un observateur sagace de son temps, en pleine phase avec le réel ‒ malgré les aversions qu’il lui inspire.

Son troisième et dernier film, Une dernière nuit au Mans (coréalisé par Jeff Bonnenfant), semble vouloir résoudre cette dichotomie en optant pour un sujet résolument réaliste (la liaison d’un jeune homme avec l’amant de sa tante) et un traitement en adéquation. Aucune échappée vers l’incongru, aucune déviation sur les sentiers de l’étrange : dialogues, cadrages, mise en scène, tout relève d’un « cinéma-vérité » presque ascétique à force de quotidienneté. Les échanges d’Antoine et de sa tante Marianne, dans la cuisine au petit déjeuner, ou autour d’un pot de rillettes et d’un verre de vin ; leur promenade insouciante et bucolique dans la campagne mancelle, sont des exemples étonnants (pour qui connaît les précédents films de Jann Halexander) d’une recherche de naturel confinant au prosaïsme (nous sommes loin de la scène éberluante des retrouvailles de la mère et du fils d’Occident, donnant lieu à un plan fixe et muet d’une minute.) J’avoue que cette approche m’est d’abord apparue frustrante et restrictive : elle donne au film une tonalité très Strip-Tease (l’émission de télévision belge diffusée par France 3), le regard corrosif en moins, puisque le vidéaste s’interdit toute distanciation et filme ses personnages au ras de leur quotidien, dans leur indolence bourgeoise un brin désabusée (il déclare avoir voulu rendre compte d’un état de la bourgeoisie française d’origine africaine ou antillaise).

Le sous-titre d’Une dernière nuit au Mans fait office d’avertissement : le propos est ici axé sur la démonstration d’une banalité ‒ en l’occurrence, ceux des « gens de couleur » qui n’ont « rien d’extraordinaire ». On sait ce que ces revendications d’homologie ‒ qu’elles émanent de minorité ou d’ethnies ‒ recèlent d’ambiguïté : le déni répété d’une singularité résulte bien souvent d’une conscience trop aiguë de sa différence, et produit généralement l’effet inverse de celui escompté. Artiste marginal et anticonformiste, qui se définit lui-même comme « underground », Jann Halexander s’applique, contre toute attente, à jouer la carte du naturalisme, et n’y réussit guère : à bien y regarder, c’est cet échec, ou plus exactement les failles que son film recèle, qui en font à la fois le charme et l’intérêt. Chassez l’artifice par la porte d’entrée, et il s’immiscera par celle de service…

Ainsi, c’est la première fois que l’on rencontre le Camp dans le cinéma d’Halexander, avec le personnage de la tante Marianne, qui soliloque en s’alcoolisant à une table de bar, les épaules couvertes par un boa de plumes ; une autre scène nous la montre effondrée devant son miroir alors qu’elle se maquille ‒ « moment Camp » classique et iconique. L’un de ses discours adressés à la caméra, où elle évoque son statut de femme de couleur dans un pays où la tolérance et l’acceptation tardent à s’affirmer, accuse son irrémédiable singularité bien plus que son espoir d’intégration ‒ ce n’est plus Marianne que nous voyons, mais une artiste parlant à son public, avec un certain maniérisme…

Fort peu naturaliste est également le jeu de Jann Halexander, dont la nonchalance très élaborée et la résignation sarcastique nous rappellent à nouveau son personnage de Statross. On peut citer encore la scène d’amour entre Antoine et François sur les accords lyriques de Chopin, qui vient soudainement rompre le traitement en creux de leur relation, présentée jusqu’ici avec une grande économie d’effets et de sentiments.

Qu’un jeune homme ait une liaison avec l’amant de sa tante n’a donc rien d’extraordinaire, selon Jann Halexander ; tout comme d’être noir, d’être gay, voire de nourrir des sentiments incestueux (plusieurs scènes du film suggèrent que la seule harmonie amoureuse possible ne peut s’épanouir qu’entre Marianne et Antoine). Étrange et difficile démarche que de donner à voir la banalité avec tant d’insistance ; singulier défi, qui ne va pas sans paradoxe ‒ sans cette intime contradiction qui est peut-être au cœur de l’univers d’Halexander.

Signalons, pour conclure, qu’Une Dernière nuit au Mans est le premier de ses films où un personnage féminin trouve une place aussi conséquente ; comme il le précise dans l’interview-bonus du DVD, c’est de propos délibéré qu’il voulut rompre avec le contexte essentiellement masculin de ses précédents films, et se confronter à la psychologie féminine. La vision qu’il en offre au travers de Marianne est typiquement homosexuelle : elle est une figure maternante et sécurisante, dont la sexualité est à la fois sublimée par un halo Camp, et inhibée par la crainte du vieillissement et par l’infidélité de son amant. Cette image de femme-femme séduisante mais blessée, sexuellement désincarnée sauf d’être ramenée dans le giron rassurant des amours familiales/œdipiennes, n’échappe pas totalement au profil de l’icône-diva gay, mais en offre une déclinaison très attachante, en grande partie grâce à l’interprétation de Maïk Darah, comédienne subtile qui sait ne pas abuser de ses atouts (un visage expressif où l’espièglerie le dispute à la candeur, une voix profonde et mobile, une authentique présence physique), et les nuancer au service d’un rôle qui pouvait appeler les excès. Pour sa découverte, et pour l’intégrité et la ténacité de son auteur, l’un des rares réalisateurs authentiquement indépendants du paysage français, ces cinquante minutes au Mans méritent amplement le voyage.

Pour plus d’informations :

Chekib Tijani, 700 millions de gays geis, L’Harmattan 2010. Retiré de la vente pour l’instant.

L’avis de Audrey Banegas de Yagg.com :

Dans la série des livres nauséabonds de l’été, après Les homosexuels font-ils encore peur ? écrit avec la collaboration de Christine Boutin, voici 700 millions de gays geis par Chekib Tijani, sorti le 3 juin dernier aux Éditions L’Harmattan.

Le titre est moins provocateur que le précédent mais le contenu n’en est pas moins édifiant. Cet ouvrage nous propose d’étudier ce que l’auteur appelle les GEI, les « personnes de Genre Endogène Inversé ». Et voici comment la maison d’édition nous le présentait sur son site et sur sa quatrième de couverture, il y a encore quelques [semaines] :

« L’auteur démontre qu’un corps masculin peut être investi d’une identité féminine et un corps féminin d’une identité masculine. Les sujets de cette nature sont désignés ici par le mot « geis » signifiant personnes de Genre Endogène Inversé. Les homosexuels ou gays sont en fait dans leur grande majorité ces personnes de genre inversé, les geis. Cet état d’inversion identitaire doit être considéré comme un dysfonctionnement qu’il est possible et nécessaire de prévenir pour l’épargner aux enfants à naître ».

Cette présentation n’est qu’un avant-goût des théories stupéfiantes que l’auteur présente dans l’ouvrage lui-même, mais elle a déjà suffi à faire suspendre sa vente.

Quelques jours avant sa suspension, Yagg s’était procuré une version électronique de ce livre, et peut confirmer: il s’agit d’un savant mélange de clichés totalement rétrogrades, de considération sexistes, de contradictions, de postulats pseudo-scientifiques totalement absurdes qui ne reposent sur aucune étude et d’amalgames nauséabonds. Voici quelques extraits choisis de ce que l’on pouvait y lire :

« Alors que le jeune hétérosexuel est tout excité quand il découvre sa barbe naissante, son congénère gei est effrayé par ces poils qui viennent entacher la pureté féminine de son visage; il demeurera le reste de sa vie hostile à cette barbe, ainsi qu’à toute la pilosité de son corps (…). De même pour la chevelure. Dernier des soucis pour un homme hétérosexuel, elle devient une affaire de première importance pour le gei. La perspective de devoir un jour perdre ses cheveux est pour le gei une pensée effroyable. Même cas de figure en ce qui concerne les filles ». Que dire…

« LA TERRIBLE SENSATION DE SENTIR VOS SEINS BALLANTS »

L’auteur fait, tout au long du bouquin, l’amalgame systématique entre homosexualité et transsexualité : « nous savons qu’une personne au genre inversé ou gei est un homme ou une femme possédant un genre anatomique différent de son genre psychologique. Nous sommes ici en présence d’un décalage identitaire fondamental », affirme-t-il.

Et de proposer des travaux pratiques, pour imaginer ce que peut ressentir une lesbienne : « Pour bien comprendre cette situation, je vais vous demander de tenter l’expérience suivante. Vous êtes un homme au genre concordant, c’est-à-dire un homme de corps et d’esprit. Vous vous réveillez un beau matin avec un corps de femme bien que psychologiquement vous restiez un homme viril. Vous goûtez alors la terrible sensation de sentir vos seins ballants accrochés à votre poitrine. Vous vous regardez dans la glace. Votre visage est devenu petit et lisse. Quand vous marchez, vos hanches beaucoup plus larges se balancent bizarrement de gauche à droite. Vos mains sont d’une blancheur délicate et vos jambes fuselées vont, à coup sûr, attirer le regard des hommes. Vous mourez de honte de sentir cette femme en vous, alors que vous êtes un homme, un vrai ».

Un peu plus loin : « L’identité de genre de l’individu s’exprime également à travers les activités qu’il entreprend. Un homme s’épanouit dans des activités d’hommes et une femme dans des activités de femmes. (…) Par voie de conséquence, un homme gei s’épanouira dans des activités que sa psyché de femme ressent comme féminines, et une femme gei dans des activités que sa psyché d’homme considère siennes. Alors que la jeune fille gei meurt d’envie d’aller jouer au football dans son quartier, elle se heurte à la réprobation générale. Elle devra, sous la pression des siens, s’ennuyer à mourir à faire le ménage, qui demeure dans beaucoup de sociétés un devoir féminin. Alors que le petit garçon gei rêve de jouer à la poupée dans sa chambre, il est contraint à la brutalité des jeux de garçons, ce que refuse profondément son âme de petite fille ».

Chekib Tijani (cliquez sur la photo)

« L’INVERSION IDENTITAIRE N’EST PAS UNE FATALITÉ »

Quant aux causes de l’homosexualité, contrairement à ce que la quatrième de couverture suggérait, l’auteur affirme, avec des arguments simplistes et sans avoir mené la moindre étude : « L’inversion identitaire n’est pas une fatalité, on ne naît pas gei, on le devient. Une telle inversion, qui est seulement perçue et qualifiée comme homosexualité par l’ensemble des sociétés, est causée par l’environnement humain dans lequel évolue l’enfant (…). L’explication semble être ceci, si l’enfant trouve un modèle de son sexe dans son entourage, tout ira pour le mieux. En revanche, si l’enfant ne trouve pas de modèle de son sexe il s’identifiera au modèle disponible, même s’il est de sexe opposé, et développera ainsi une inversion identitaire. Ceci pour dire que si un petit garçon est entouré d’une manière prédominante par des filles et des femmes et que l’on note autour de lui une présence masculine défaillante, il a de fortes chances de s’identifier au groupe féminin. Il en ira de même pour une petite fille qui, au milieu d’une forte présence masculine et sans modèle féminin, développera un genre identitaire masculin ».

« LA CARENCE DE PARTENAIRE… LE DRAME QU’IL VIT CHAQUE SECONDE DE SA VIE »

Autre considération surprenante de l’auteur, les homosexuels ne sont pas en couple : « Nous allons voir maintenant le deuxième aspect caractérisant la condition des sujets de genre inversé, celui de la carence de partenaires. Il est un fait que les geis ne trouvent pas de réels partenaires sexuels désireux de les rencontrer. (…) Les geis, dans les capitales occidentales, disposent maintenant d’une pléiade de discothèques et de bars réservés où ils peuvent se rencontrer comme bon leur semble. Ils ont formé des quartiers, des villages, des villes entières où ils peuvent vivre leur vie dans la liberté la plus totale. La vérité est que, même dans ce contexte, un gei type est un gei seul. (…) On remarque que le gei est la plupart du temps sans partenaire réel ».

« En revanche, si nous observons la communauté hétérosexuelle, nous constatons cette équation toute simple: la moitié masculine de la population se met en couple avec la moitié féminine. (…) Il est erroné de croire que pour les geis, les attirances homosexuelles se produisent entre geis eux-mêmes. Il n’y a pas d’attraction amoureuse et sexuelle entre geis du même sexe et, cela va de soi, encore moins entre geis de sexes opposés. Rappelons-le: un homme gei est une âme de femme dans un corps d’homme, et lorsque deux hommes geis se rencontrent, ils se savent mutuellement femmes de l’intérieur et ne peuvent donc pas s’aimer. Un homme gei est lui-même efféminé et il n’aime pas les hommes efféminés, il aime les hommes virils. De même, une femme gei étant elle-même masculine, n’aime pas les femmes masculines comme elle, elle les veut féminines. Le corps d’un gei est un déguisement. Il affiche l’inverse de sa véritable appartenance identitaire ».

« Deux hommes geis sont deux femmes qui se regardent et qui ne s’attirent pas mutuellement. Le même schéma est vrai pour deux femmes geis. Elles se savent mutuellement hommes de l’intérieur et ne se désirent pas. Ainsi, si les geis sont attirés par le même sexe, il reste à définir ce qu’est le même sexe.(…) Il ne suffit pas à un homme gei d’avoir un rapport avec un autre corps d’homme pour être satisfait, encore faut-il que ce dernier porte une âme d’homme. (…) Alors que l’équilibre et l’épanouissement de tout individu reposent fondamentalement sur sa relation de couple, il se trouve que le gei est, sauf exception, voué par nature à passer une existence privé de cette ressource. C’est là tout le drame qu’il vit chaque seconde de sa vie. Vivre sans amour, c’est porter un poids sur les épaules tout au long de son existence. Tout dans la vie devient pénible quand on est seul, même les choses les plus banales comme se lever le matin, travailler, regarder un arbre, se mettre au lit, se réveiller au milieu de la nuit, ou tout simplement penser à quoi sera fait demain. (…) Mais encore une fois, l’exception existe. Quelques rares geis ont la chance d’échapper à ce sort en trouvant un partenaire de genre concordant ».

« Une autre possibilité de vivre en couple pour le gei serait avec le sexe opposé. C’est la plus cruelle de toutes. Cette liaison contre nature, nous l’avons définie précédemment comme un autre faux accouplement qui s’impose au gei par la force des conventions sociales ».

« L’HOSTILITÉ DE LA SOCIÉTÉ »

L’auteur assure tout au long du texte ses louables intentions de lutter contre les discriminations et renouvelle très régulièrement ses incitations au respect de la personne homosexuelle. Il condamne, par exemple, à de nombreuses reprises « les sociétés répressives vis-à-vis des geis » et dit rejeter « le conformisme social ». Il écrit notamment « avec une telle condition sur les épaules, inhérente à sa nature, le gei n’est malheureusement pas au bout de ses peines. Il doit de surcroît faire face à l’hostilité de la société ». Il ajoute un peu plus loin : « L’exclusion et la haine dont fait preuve la société à l’égard des geis peuvent changer ou tout du moins évoluer. Il en fut ainsi pour l’esclavage, le racisme, et bien d’autres aberrations humaines. Ainsi, un jour viendra où la société, consciente de ses erreurs, innocentera la communauté gei ».

Il termine malheureusement ce paragraphe par : « Quand ce progrès se réalisera nous aurons fait une partie du chemin, mais pas la totalité, loin s’en faut, car le problème de fond restera l’inversion identitaire elle-même. (…) Il semble légitime de considérer l’inversion identitaire comme un dysfonctionnement. Le corps humain possède différentes fonctions, et à chacune d’entre elles correspond, hélas, un dysfonctionnement. Ainsi le dysfonctionnement de la vue est la cécité, celui de l’activité musculaire, la dyskinésie ou encore celui de l’ouïe, la surdité. De la même manière, notre organisme possède une fonction qui consiste à acheminer le sexe psychologique de chaque enfant vers son sexe génital d’appartenance. S’il s’agit d’un bébé garçon, cette fonction lui attribuera un sexe psychologique masculin et si c’est une fille, cette fonction lui donnera un sexe psychologique féminin (…). Quand cette fonction est perturbée, elle engendre l’inversion identitaire. C’est parce que cette fonction essentielle dans notre organisme n’a jamais été identifiée comme telle (c.à.d. comme une fonction) que son dysfonctionnement, soit l’inversion identitaire, n’a jamais été reconnu comme tel (c.à.d. comme un dysfonctionnement) ».

Mais le pire se trouve certainement dans les conclusions de ce livre : « Le Genre Endogène Inversé n’est ni une faute, ni une variante de la nature, c’est un dysfonctionnement. Le Genre Endogène Inversé est sans nul doute, par son ampleur, la plus grande tragédie humaine de l’histoire car elle touche une personne sur dix. (…) Il est pourtant permis d’espérer que la dignité humaine qui a toujours triomphé par le passé, se lèvera un jour pour mettre à terre ce triste vestige de l’erreur humaine ».

Site de Chebik Tijani protégé (demandant une identification)

« UN LIVRE QUI EST À LA FRANGE », SELON L’HARMATTAN

Après cette douloureuse lecture, Yagg a souhaité interroger la maison d’édition. Denis Pryen, directeur des éditions L’Harmattan, nous l’affirme : « La vente du livre a été suspendue parce que dans la puce, c’est-à-dire le petit résumé du livre que l’on pouvait trouver sur le site, il manquait une phrase qui faisait que le propos portait à confusion. On a eu de nombreuses réactions de sociologues très remontés par ce qu’il ont pu lire dans la puce ».

« Je comprend que cela puisse choquer. C’est un livre qui est à la frange, ajoute-t-il. Les propos de l’auteur reposent sur sa propre croyance et sa propre perception des choses. Mais ses arguments, si on les lit bien, sont plutôt des appels à la tolérance. Notre position est que l’on a une liberté totale. Tant que l’auteur appelle à la tolérance et ne prononce pas de discours haineux ».

Site des éditions L'Harmattan (plus aucune indication sinon le nom de l'auteur)

« C’est un bouquin écrit de Tunisie et il faut bien avoir ça en tête. Il tente de lutter contre les discriminations qui existent à l’égard des homosexuels dans son pays. Il s’intéresse juste à ce sujet. Notre position est de travailler avec de nombreux écrits de pays arabes et la façon dont ces sujets sont traité peuvent sembler ici rétrogrades mais pas là-bas. Il attire l’attention sur les questions de genre inversé, il provoque une étude de ces questions et ce livre émane d’une zone où il y a une forte répression contre les homosexuels. Lui appelle à la tolérance. Le contexte dans lequel il est écrit est important et ce n’est pas un livre destiné au grand public, il est dans une collection particulièrement destinée aux sociologues, et les sociologues comprennent parfaitement bien le contexte qui entoure ce livre. Pour nous, il est important qu’il y ait de plus en plus de livres dans ces pays-là sur ses sujets. »

« Il y a en effet des passages qui peuvent faire débat, et c’est tant mieux. Je pense que ce livre permettra des débats en Tunisie et j’invite d’autres sociologues à venir faire ces débats, qui peuvent faire réfléchir, là-bas, dans le monde arabe. »

« Pour moi c’est un bouquin parmi une dizaine d’autres que publie notre maison d’éditions. Ce mois-ci sort par exemple chez L’Harmattan un autre livre intitulé Santé Gaie. Ce qui montre la diversité des ouvrages que nous publions sur ce sujet. Nous publions également une revue sur les questions de genre. Pour nous cette diversité et la liberté totale des opinions est importante. C’est tout cela qui est intéressant. Et notre position est très claire, nous sommes pour le respect et la tolérance de tous et de toutes les sexualités », conclut-il.

Article publié avec l’aimable autorisation de Yagg.com (Bisous Judith).

Alain Quemin

L’avis d’Alain Quemin :

Il est lamentable que L'Harmattan prête son concours à la diffusion d'idées qui sentent le ranci. Si l'on en croit le résumé ‒ qui ne semble avoir posé aucun problème ni à l'auteur, ni à l'éditeur de la collection, ni aux responsables des éditions l'Harmattan ‒, l'homosexualité constitue un « dysfonctionnement qu'il est possible et nécessaire de prévenir pour l'épargner aux enfants à naître » !!! Ce type d'idées réactionnaires ne relève pas de la liberté d'expression, car formuler des âneries est une chose, mais propager des idées dangereuses en est une autre. On se souvient comment, pendant la seconde guerre mondiale, d'aucuns ont cherché à remédier au "dysfonctionnement" (sic) qui touchait les homosexuels, pour leur plus grand bien, évidemment...

Alors que les dernières décennies ont vu remarquablement progresser l'acceptation sociale de l'homosexualité en France, les éditions L'Harmattan offrent la tribune d'une maison d'édition scientifique pour défendre des positions stupides, insoutenables, passéistes et dangereuses. Et L'Harmattan de se ridiculiser tout autant que l'auteur lorsque celui-ci prétend "démontrer" (sic) la thèse défendue.

Je trouve ces dérives très graves car elles témoignent d'une inadmissible carence du processus éditorial et scientifique aux éditions L'Harmattan. Cette maison aurait-elle laissé passer avec la même légèreté, la même inconscience même, un ouvrage tenant des propos révisionnistes ? Vu la gravité des propos tenus par l'auteur, on est en droit de se poser la question.

Je pense que tous les auteurs ayant déjà publié chez L'Harmattan voient remettre en cause le sérieux de leur travail, car il est clair à partir d'un cas aussi énorme, que le processus éditorial de L'Harmattan présente des failles et même des abîmes. Et en tant qu'auteurs, effectifs ou potentiels, de Sociologie de l'art et des actes relatifs aux rencontres Opus, nous sommes tous atteints par la diffusion par l'Harmattan d'ouvrages comportant des thèses détestables et qui, sous le couvert de la science, ne font que propager des idées réactionnaires insoutenables.

Seule consolation, l'ouvrage litigieux n'a pas été publié dans une collection de sociologie, mais de psychologie.

Vu la gravité des faits, je vous invite à protester comme je l'ai éjà fait auprès du service de presse de L'Harmattan à l'adresse suivante : presse.harmattan5@ wanadoo.fr.

Il me semble indispensable que L'Harmattan assume ses responsabilité s vis-à-vis du directeur de collection qui a laissé passer ce texte aux thèses détestables et présente des excuses pour retrouver un minimum de crédibilité auprès de la communauté scientifique.

J'ai toujours défendu qu'il existait de bons ouvrages publiés chez l'Harmattan lorsque j'ai débattu des maisons d'édition avec mes collègues, que ce soit au comité national du CNRS, au CNU puis à l'AERES. Mais que l'Harmattan publie maintenant des ouvrages aux thèses passéistes voire réactionnaires sous le couvert de la science, je trouve cela inadmissible et s'il ne s'agit pas d'une faute que L'Harmattan décide d'assumer comme telle, je me rallierai aux positions de ceux qui ont toujours marqué leurs distances avec cet éditeur.

Cordialement.

Alain Quemin

Professeur de sociologie

Université Paris-Est / Institut Universitaire de France / LATTS

Fiche technique :

Avec Yannick Renier, Léa Seydoux, Nicole Garcia, Théo Frilet, Pierre Perrier, Micheline Presle, Gérard Watkins. Réalisation : Sébastien Lifshitz. Scénario : Vincent Poymiro,Stéphane Bouquet et Sébastien Lifshitz. Image : Claire Mathon. Montage : Stéphanie Mahet. Musique : Marie Modiano, John Parish, Jocelyn Pook.

Durée : 90 mn. Disponible en VF.

Résumé :

C’est l’été, Sam (27 ans) file tout droit vers le sud au volant de sa Ford. Avec lui, un frère et une sœur rencontrés au hasard de la route : Mathieu et Léa. Léa est belle, pulpeuse et archi féminine. Elle aime beaucoup les hommes, Mathieu aussi. Partis pour un long voyage, loin des autoroutes, en direction de l’Espagne, ils vont apprendre à se connaître, s’affronter, s’aimer. Mais Sam a un secret, une ancienne blessure qui l’isole chaque jour un peu plus. Séparé de sa mère depuis l’enfance, ce voyage n’a qu’un seul but : la retrouver.

L’avis de Frédéric Mignard :

Par le réalisateur de Presque rien et Wild side, un road-movie atteint de jeunisme qui dérape souvent pour ne retrouver sa route que dans sa dernière partie.

Cinq ans après Wild Side, Sébastien Lifshitz, également auteur de Presque rien (2000) et de La traversée (2001) revient au cinéma. Ces longues années d’absence ne confèrent pas plus de maturité au regard du cinéaste, qui se lance dans un road-movie épris de jeunesse, d’insouciance et de révolte à l’égard de la figure maternelle, mais sans la perspicacité de Téchiné ou des Miller, père & fils, dans le récent Je suis heureux que ma mère soit vivante auquel on pense ici beaucoup.

Deux beaux mecs et une jeune femme farouche secrètement enceinte longent les côtes en direction de l’Espagne, dans la voiture d’un inconnu. Lui, la trentaine entamée, silencieux et ténébreux, est forcément magnétique aux yeux du trio de jeunes auto-stoppeurs. La liberté de la route et de l’anonymat aidant, ils vont découvrir leurs corps. Se mettre à nu ou au contraire se murer davantage dans leurs névroses. Se chercher et se trouver. Provoquer l’autre pour réussir à percer ses secrets.

Le point de départ de l’aventure est un trauma de môme. Celui du conducteur du véhicule aux mystères indicibles, dont on perçoit la tragédie par flashbacks, insérés maladroitement. Drôle d’idée que de confronter sa blessure vive aux sempiternels codes homo-érotiques et sensuels. À trop dénuder les corps de ses personnages, sans réelle légitimité, si ce n’est celle de célébrer leur beauté juvénile avec tendresse et générosité, le cinéaste s’écarte souvent de son chemin. Parti pour infiltrer la complexité des douleurs mentales d’un homme brisé dès la petite enfance, Lifshitz ponctue son métrage d’étapes digressives, qui, dans un autre contexte, auraient peut-être pu charmer, mais ici elles desservent un propos qui ne gagne en valeur que dans la dernière partie du métrage, avec notamment l’intervention du personnage de Nicole Garcia, remarquable en femme dépressive sur la voie de la rédemption.

L’avis de Voisin blogueur :

C’est l’été et Sam (Yannick Renier) a décidé de partir sur la route. Direction l’Espagne pour retrouver sa mère, fraichement sortie de l’hôpital psychiatrique où elle séjournait depuis 20 ans. Avec lui dans la voiture : Léa (Léa Seydoux) et son frère Mathieu (Théo Frilet). La première vient d’apprendre qu’elle est enceinte et ne sait pas si elle va garder le bébé, elle s’ennuie constamment et passe sa vie à fuir. Le second suit Sam comme un petit chien, espérant qu’un jour il daignera répondre à ses avances. Se joint au voyage le joli Jérémie (Pierre Perrier), rencontre de hasard de Léa qui compte bien faire succomber la belle. Alors que les kilomètres défilent entre délires insouciants et prises de tête, les fantômes du passé reviennent hanter Sam. Sa confrontation à venir avec sa mère le rend inquiet. Une mère qui a fait de son enfance un cauchemar. Une enfance marquée par la mort tragique et l’absence de son père. Au milieu des vagues et des fêtes, nos jeunes trouveront-ils l’amour sur leur route ?

Début de film explosif avec un générique sexy et ravageur : Léa Seydoux danse comme une tigresse devant un Yannick Renier perplexe. « Toujours rien ? » lui demande-t-elle. Non. Le personnage de Sam n’est pas très démonstratif, c’est le moins que l’on puisse dire. Un garçon solitaire, même quand il est avec les autres, renfermé sur lui-même, incapable de témoigner le moindre signe d’affection. Le gentil Mathieu le cherche, l’attend, mais rien. Progressivement des flashbacks nous montrent Sam enfant, nous montrent ce qui l’a amené à devenir ce qu’il est, un être incapable de composer avec l’amour des autres, fuyant. Le problème vient de la mère, une relation difficile, complexe, comme c’est souvent le cas dans le cinéma de Sébastien Lifshitz (les mamans de Presque Rien et Wild Side étaient sur le point de mourir, ici maman est folle). Privé d’une enfance normale, Sam se cherche encore et espère peut-être se trouver sur la route. Il a un frère, ils ne sont plus très proches. Sans s’en rendre compte, Sam a finalement trouvé une famille de substitution avec ses amis de passage, Léa et Mathieu, tout aussi largués que lui.

Plein sud est une véritable invitation au voyage, 1h30 passée entre les routes et les arrêts. Un spectacle de toute beauté, des plans aérés, qui laissent la nature s’exprimer et refléter les états d’âmes vaporeux des protagonistes. Il y a tout le métrage durant une ambiance de vacances, le soleil qui tape sur les têtes, les vagues qui invitent à la baignade mais qui laissent aussi présager la fougue et la fugacité des sentiments, qui rappellent les difficiles souvenirs. Par un montage habile, le réalisateur dessine progressivement les contours d’un garçon abimé par le passé, qui avance sans bien regarder devant lui, peine à s’ouvrir au monde et aux autres. Au devant de sa voiture, Sam a le regard inflexible, il ne s’autorise rien. Si on avait déjà pu admirer la beauté plastique et les talents d’interprétation de Yannick Renier auparavant, Lifshitz lui offre ici indéniablement son plus beau rôle, d’une sensibilité assez inouïe.

Sam garde avec lui un flingue, le flingue avec lequel son père s’est un jour mis une balle dans la tête. Un objet qui représente à la fois les stigmates d’un passé insupportable et qui, en même temps, est la dernière chose qu’il lui reste de cet homme qu’il aura au final peu connu. On pourrait vite dire que le gaillard se tire lui-même une balle dans le pied, qu’il refuse de tourner la page même si son voyage est bien entendu porteur de l’espoir de faire la paix avec lui-même. Si Yannick Renier porte le film en grande partie, il est entouré de jeunes comédiens aux partitions diablement séduisantes. Théo Frilet joue parfaitement l’amoureux transi et l’ébauche de relation entre les deux garçons aura de quoi susciter de vives émotions. Quant à Léa Seydoux, elle est juste parfaite en bimbo malgré elle, refusant de croire à l’amour pour se donner une carrure mais flanchant peu à peu au contact d’une romance de vacances qui pourrait qui sait se muer en quelque chose de bien plus profond. À la fois drame familial pudique et tranche de vie sur une jeunesse en errance, Plein sud regorge de chaleur, de beauté, de moments futiles et de questions propres à un âge sensible. Comme le dit si bien la magnifique chanson de Lesley Duncan , “Love Song”, que l’on trouve au centre du film : « The words i have to say well may be simple but they’re true / Love is the opening door, love is what we came here for (…), love is the key we must turn ». On n’aurait pas dit mieux pour ce road-movie sensuel et habité qui caresse nos yeux et notre âme par sa belle et touchante simplicité.

L’avis de Bernard Alapetite :

Voilà un film pour lequel je suis parti avec les meilleurs a priori. Tout d'abord il est signé Sébastien Lifshitz, un cinéaste dont tous les films précédents, même s'ils n'étaient pas exempts de défauts, ont retenu mon attention tant par leur fond que par leur forme aux savantes déconstructions. Mais c'est surtout l'alléchant casting qui m'y a fait courir à la première séance. Lifshitz a eu l'excellente idée de confier le rôle pivot de Plein sud à Yannick Renier qui me semble être un des acteurs trentenaires français (en fait il est belge) les plus talentueux et malheureusement les plus sous-employés. Il était formidable dans Nés en 68 et très bien aussi dans Un Élève libre, deux films qui (à mon avis) n'ont pas eu les échos qu'ils méritaient. On retrouvera bientôt Yannick Renier, au printemps prochain, dans le nouvel opus de Ducastel et Martineau, L'Arbre et la forêt.

Lifshitz argumente avec beaucoup de pertinence pourquoi il a choisi cet acteur : « La première fois que j’ai vu Yannick Renier, il m’a tout de suite fait penser à un acteur américain. Par son charisme, son physique, son corps très sec, son regard affirmé et très perçant, il me faisait un peu penser à Clint Eastwood jeune, notamment dans les films de Sergio Leone. Pour moi, Yannick possède ce genre de physique-là. D’ailleurs durant le tournage, je lui ai demandé d’avoir très peu d’expressions : son visage se présente vraiment comme un masque. Les très rares expressions qu’il a dans le film sont là pour lui donner une présence physique directe, brutale, sans psychologie. Je voulais que, par sa froideur et sa mise à distance, le présent du personnage fasse contre-point avec son passé, où on le voit dans des situations chargées d’affects et d’émotions. D’où un effet de collage qui fonctionne dans la confrontation du passé avec le présent, et qui peut rappeler certaines attitudes de cow-boy. »

On poursuit par deux des acteurs les plus craquants de leur génération. D'abord Pierre Perrier qui réussit à être bon dans un film aussi mauvais que Chacun sa nuit et surtout Théo Frilet. J'avais admiré autant le jeu que la plastique de ce garçon, les deux sans défaut, lorsque je l'avais découvert dans Nés en 68. Lifshitz explique son choix des deux autres garçons : « Théo Frilet, avec son côté "petit prince", sa gueule d'ange, incarnait immédiatement la part romantique de son personnage. Pierre Perrier, c'est le garçon terrien, charpenté, le surfeur. Ils sont tous une sorte de cliché de la jeunesse d'aujourd'hui. Mais petit à petit, il se dégage de ces "figures" quelque chose de plus profond. »

On continue par Léa Seydoux qui était lumineuse dans La Belle personne et qui ici, en Lolita de Prisunic, est d'une sensualité ravageuse qui m'évoque celle de Brigitte Bardot dans ses premiers rôles.

Je passe sur Nicole Garcia toujours aussi tête à claques mais parfaite dans son rôle de mère borderline, pour en arriver à Micheline Presle qui enchanta jadis ma pré-adolescence dans Les Saintes chéries vers 1965…

Et bien malgré ce casting, pour moi de rêve, qui fait qu'également tous les petits rôles sont parfaitement interprétés, Plein sud est un film raté.

Le plus curieux est que je ne lui vois pas de défauts rédhibitoires et je peine à cerner ce ratage.

L'image est constamment belle et Claire Mathon se hisse au niveau d'Agnès Godard à qui l'on devait les superbe vues de Wild Side, le précédent film du réalisateur, c'est tout dire.

Dans Plein sud les couleurs sont souvent pimpantes, format scope, couleurs saturées. Plus encore qu'à son habitude, Lifshitz s'y montre grand paysagiste. Quelle science du repérage pour nous donner des décors à la fois beaux et inattendus !

J'avancerais que le relatif échec du film (j'ai pris tout de même beaucoup de plaisir à le voir et ses personnages lacunaires habiteront longtemps mon esprit, à tel point que j'aimerais demander au cinéaste de nous donner un Plein sud 2 pour en savoir un peu plus sur eux) tient à son hétérogénéité que le type du film, le road-movie, ne parvient pas à unifier. Lifshitz n'est pas parvenu à fondre son film solaire dans ses obsessions coutumières. Le collage entre une américanité revendiquée, par le type même du film, le road-movie, mais aussi par le choix des acteurs, qui paraissent assez peu français, et l'aspect social de l'histoire ne fonctionne pas. Ce dernier aspect n'est qu’ébauché. Plein sud est encore un film français dans lequel on ne travaille pas, dans lequel les personnages n'ont aucun ancrage professionnel. Ce souci social ainsi que la tragédie familiale vécue par Sam sont d'ailleurs en complet antagonisme avec les personnages stéréotypés du scénario.

Ses propos sont révélateurs des deux pôles qui écartèlent le film : « J'avais besoin probablement d'aller vers quelque chose de plus lumineux… J'avais envie de filmer une jeunesse brute, magnifiée, érotisée, insolente, presque agressive. Mes personnages n'ont peur de rien, ce ne sont pas des figures réfléchies qui dissertent sur leur situation. Ils sont tous dans la spontanéité. Ils n'ont de flamboyant et de positif que la beauté et le corps. Je voulais absolument montrer que Sam était dans l'obsession du passé, qu'il ne sortait pas de son roman familial. Le film tente de raconter le voyage intérieur d'un jeune homme prisonnier de son histoire, mais qui a la chance de rencontrer des gens susceptibles de l'extraire de cet espace temps très noir dans lequel il est enfermé. Ce sont des questions qui m'ont toujours intéressé : comment on compose l'origine avec l'adolescence, l'enfance, ce qui nous précède. Le passé est comme un fantôme. Sam se souvient, et il se souvient que des choses dures. C'est comme une note incessante qui assène une douleur, une souffrance, une colère. Et c'est effectivement toujours la même note. Je tenais à ce martèlement. » Ce qui est merveilleux avec un cinéaste aussi intelligent et cultivé que Sébastien Lifshitz, c'est qu'après ses déclarations il n'y a plus grand chose à ajouter puisqu'il a dit tout ce qui était important à dire sur son film et a même involontairement pointé ses faiblesses.

« Ils n'ont de flamboyant et de positif que la beauté et le corps » nous dit Lifshitz et c'est un des problèmes de son film qui est de nous proposer des personnages, mis à part celui de Sam, sans épaisseur du fait qu'il n'en dit rien au spectateur. Lifshitz est probablement victime d'avoir voulu prendre le contrepied des films où tout est expliqué et surligné. Mais à vouloir manier en virtuose l'ellipse et faire une totale confiance aux spectateurs, le cinéaste les laisse en déshérence. D'autant que son montage est parfois maladroit, un comble pour cet as de la déconstruction signifiante comme il l'a montré dans Presque rien. Ainsi si l'on arrive à reconstruire le parcours de Sam à son départ vers l'Espagne, en quête de sa mère à force de nombreux flashbacks, on ne sait rien des autres protagonistes qui sont autant de pages blanches tendues aux fantasmes du spectateur ‒ une maladresse, ou est-ce voulu ? ‒ trouble ce dernier. Dans un des flashbacks, on voit deux adolescents, un garçon et une fille, seuls dans une maison bourgeoise avec une femme, que l'on subodore être leur mère. À un moment, les deux jeunes s'isolent dans la chambre du garçon. La fille, pour faciliter l'endormissement du garçon, lui propose de le branler. Le garçon, après avoir hésité, décline l'offre (à ma grande déception). Dans leur échange, on comprend que la fille n'est pas tout à fait la sœur du garçon. À cet instant du film, j'ai pensé que les deux protagonistes que l'on venait de voir étaient Léa et Mathieu quelques années auparavant. J'ai alors élaboré un scénario dans lequel Mathieu avait couché avec sa sœur et l'avait mis enceinte. La première scène du film nous apprend que cette fille, que nous ne connaissons pas encore, est dans les premières semaines de sa grossesse. Et damned, dans le flashback suivant, on s'aperçoit que le garçon qui batifolait avec sa sœur était en réalité Sam. Je ne suis pas sûr qu'un tel risque de confusion soit bénéfique pour le film.

Jusqu'à Plein sud, Lifshitz s'était montré un maître dans le filmage des relations sexuelles, en particulier dans Wild Side et dans Presque rien, rien de semblable ici, où il ne montre pas la même audace dans le rendu des corps à corps que ce soit homosexuel entre Sam et Mathieu ou hétérosexuel entre Jérémie et Léa.

Né en 1968, Sébastien Lifshitz est un enfant attiré par le dessin, il s'oriente d'abord vers le monde de l'art contemporain : après un passage à l'École du Louvre et à la Sorbonne en Histoire de l'art, il travaille auprès du conservateur Bernard Blistène au Centre Pompidou. Il réalise en 1993 son premier court métrage, Il faut que je l'aime, et signe deux ans plus tard un documentaire sur Claire Denis dans le cadre de la collection « Cinéastes de notre temps ». Il sera l'assistant de celle-ci sur Nénette et Boni.

Comme la réalisatrice de Beau travail, Sébastien Lifshitz est moins intéressé par les dialogues que par la représentation des corps, comme en témoigne son moyen métrage très remarqué, Les Corps ouverts, Prix Jean Vigo 1996. Ce portrait d'un ado en plein questionnement révèle le regretté Yasmine Belmadi, acteur-fétiche du cinéaste, disparu en 2009. Belmadi joue le rôle principal des Terres froides, téléfilm qui mêle lutte des classes et sexualité, tourné pour la série d'Arte « Gauche-Droite ». Après cette fiction hivernale, Lifschitz réalise l'estival Presque rien (2000), son premier long métrage de cinéma, une histoire d'amour tendre et douloureuse entre deux garçons. Il change de registre, tout en restant dans le domaine de l'intime, avec le documentaire La Traversée (2001) : il y filme son ami scénariste Stéphane Bouquet, parti aux États-Unis à la recherche de son père. Lifshitz revient à la fiction en 2003 avec Wild Side, qui évoque les relations unissant une transsexuelle, un émigré russe et un prostitué arabe. Cette œuvre discrètement audacieuse est une nouvelle réflexion sur l'identité, tout comme Plein sud (2009).

Avec Plein sud, Lifshitz est fidèle aux thèmes forts de ses films précédents. Il nous en donne ici une version américanisée et relativement plus optimiste qu'à son habitude. Le réalisateur procède ici à une relecture, presque à une continuation des intrigues qu'il nous a déjà proposées. Plein sud, film sensuel contient des thématiques et motifs présents dans ses précédents films : l' homosexualité, dans tous ses films, la quête de ses origines, le road-movie comme dans La Traversée, amours de vacances comme dans Presque rien, l'envahissement du passé dans le présent, la destruction d'une famille, comme dans Les Corps ouverts ou Wild Side, le ménage à trois et la marginalité comme dans Wild Side, les relations difficiles et complexes d'un garçon avec sa mère, comme c’est souvent le cas dans le cinéma de Sébastien Lifshitz.

Pour plus d’informations :

Fiche technique :

Avec Fabien De Marchi, Johan Libéreau, Christian Giudicelli, Thomas Badek, Alexandre Palmieri, Nathalie Mann et Sabine Bail. Réalisation : Cyril Legann. Scénario : Cyril Legann. Images : Kosta Asmanis & Antoine Aybes-Gilles. Montage : Jean-Luc Simon. Musique : Franck Sforza.

Durée : 50 mn. Disponible en VF (dvd allemand).

Résumé :

Jonathan (Fabien De Marchi), un garçon de seize ans, vit en banlieue avec son père et sa belle-mère, mais la cohabitation est difficile, surtout depuis que cette dernière attend un bébé. Il trouve un peu de réconfort auprès du prêtre de la paroisse locale, avec lequel il entretien une relation forte depuis longtemps.

Sur un coup de tête, il vole de l’argent dans le sac de son père (Thomas Badek) et entraîne Steve, son meilleur ami, dans un périple à la capitale où ils espèrent profiter de plaisirs interdits.

Ils se rendent dans un squat pour acheter du cannabis, et Jonathan décide de s’y réfugier pour la nuit, n’osant plus rentrer chez lui. Alors que Steve (Alexandre Palmieri) est reparti, il s’endort, embué par la fumée du joint. C’est bâillonné et ligoté qu’il est réveillé par Shooter (Johan Libéreau), un dealer qui fuit lui aussi quelque chose. Actuellement recherché pour une affaire qui a mal tourné, il décide de garder Jonathan en otage.

Profitant d’une absence momentanée, Jonathan tente de s’enfuir. Lorsqu’il est rattrapé par Shooter, c’est l’escalade dans la violence. Devant l’état alarmant de l’adolescent, le junkie est pris de compassion et décide de le soigner.

Une relation ambiguë s’installe entre le bourreau et sa victime.

Au sortir de cette expérience, Jonathan est bouleversé et décide de rejoindre un pensionnat religieux afin de devenir prêtre.

L'avis de Bernard Alapetite :

Chemin de croix, c'est un peu Mauriac chez les lascars. Vous supputez déjà l'absolue obsolescence, pour ne pas dire l'ineptie, d'une telle prémisse. Cyril Legann a imaginé et a pris pour héros de son film une créature fort improbable, un adolescent, Jonathan, demi-sel de banlieue touché par la grâce, comme Claudel le fut planqué derrière un pilier de Notre-Dame de Paris.

Ce qui plombe encore plus l'opération est le choix du chérubin endossant le redoutable rôle de Jonathan dont on devine que ses ancêtres viennent plus du côté de Sidi Bel Abbes que de Lourdes. Par ce déplorable choix on devine que Legann doit être un maraisien de fraiche date, car ces autochtones sont friands de produits exotiques. Faire jouer un garçon mystique à un énergumène dont le regard est moins expressif que celui d'une vache normande est le signe d'une totale cécité de la part du réalisateur, ce qui est gênant pour un cinéaste.

De plus, Fabien De Marchi se montre un bien médiocre acteur, mais c'est presque tout le casting qui est calamiteux. La palme revenant à « l'actrice » qui joue la mère de Jonathan et qui ânonne péniblement son texte. Dans l'insane médiocrité, elle devance de peu Alexandre Palmieri (trop vieux pour le rôle) qui interprète Steve, le meilleur ami de Jonathan, qui est censé être issu sinon de la bourgeoisie au moins de la classe moyenne, alors que par son aspect et son accent tout chez ce garçon sue la cité...

Pour sans doute accentuer son erreur, Cyril Legann a affublé le personnage du prénom de Steve qui ne connote pas vraiment une provenance de la classe moyenne. Je ne voudrais pas trop insister, je l'ai fait ailleurs, sur la médiocrité en tant qu'acteur de Johan Libéreau, curieusement très surestimé mais qui a néanmoins la bonne idée de ne pas encombrer les écrans.

Il y a tout de même quelques éléments dans Chemin de croix qui sauvent la réputation du métier d'acteur, malheureusement ils ont tous des rôles très secondaires. À commencer par un amateur, l'écrivain Christian Giudicelli, savoureux en prêtre. Il faut encore citer Thomas Badek, un habitué des productions de Josée Dayan, très convaincant en père du héros. C'est avec plaisir que l'on retrouve Nathalie Mann que l'on avait perdu de vue depuis Une autre femme de Jérôme Foulon dans une excellente apparition en mère de Steve.

Si la direction d'acteur est affligeante et le scénario pas crédible, il est en revanche indéniable que le réalisateur a un véritable sens de l'image. Le cadre est toujours soigné avec un grand souci de la composition et certaines prises de vues, comme celles dans l'église, sont de toute beauté.

Comme cette séquence le démontre, Cyril Legann a un grand sens également des décors et de leur utilisation. La prise de vue en plongé de la nef de béton de l'église est une vraie trouvaille. Belle idée également de perdre ses personnages dans un plan large qui embrasse un bel exemple de Street Art dans la scène d'arrivée au squat. Ce souci des décors et leur choix judicieux parviennent à monopoliser l'attention du spectateur, tant le jeu des acteurs qui s'y agitent est indigent. C'est cette qualité de l'image qui parvient à faire que l'on regarde ce film sans ennui malgré des personnages dénués de vérité psychologique.

L'éclairage, s'il n'est pas toujours sans défaut, est parfois inventif et suggère une atmosphère, comme par exemple la séquence dans laquelle apparait Johan Libéreau. Le son, quant à lui, est souvent désynchronisé.

Le montage donne beaucoup de fluidité et de nerf au récit, il est seulement dommage que ce dernier nous importe peu...

Ce film raté, en dépit de ses réelles qualités techniques, démontre une fois de plus que le métier de cinéaste est un métier exigeant et qui fait appel à de nombreuses qualités rarement réunies dans une même main. Cyril Legann devrait éviter d'écrire ses scénarios et encore plus de diriger des acteurs.

Je lui conseillerais de se consacrer uniquement à la prise de vues, en particulier dans le porno soft, la scène de triolisme est bien filmée, beaucoup mieux que celle dans Douche froide.

Dans le même ordre d'idée, une autre séquence réunit Steve, Jonathan et le dealer joué par Johan Libereau, nus, dans un songe érotique cinématographiquement d'une totale complaisance...

Pour plus d’informations :

Blogué par nos amis de Yagg.com :

Samedi 22 mai, à la veille de la clôture du Festival de Cannes 2010 et de son palmarès officiel, sera remise la Queer Palm, une première dans l’histoire du plus grand festival de cinéma du monde.

La Berlinale a ses Teddy Awards (créés en 1987, et qui ont révélé des cinéastes comme Pedro Almodóvar, Derek Jarman ou Gus Van Sant). Depuis 2007, le Festival de Venise a son Queer Lion. Et Cannes? Rien.

Une initiative “off festival”, que l’on doit au journaliste Franck Finance-Madureira, que Yagg a rencontré.

Si vous n’arrivez pas à voir la vidéo, cliquez sur La Queer Palm au Festival de Cannes 2010.

La Queer Palm récompensera un film présenté à Cannes, toutes sélections confondues (Sélection officielle, Un Certain Regard, La Semaine de la Critique, La Quinzaine des réalisateurs), “pour sa contribution aux questions lesbiennes, gays, bi ou trans”.

UN JURY DE PROFESSIONNELS

 
Et qui dit prix dit jury. Il sera composé cette année de Benoît Arnulf (directeur artistique des Rencontres In & Out, Festival du Film Gay et Lesbien de Nice), Florence Ben Sadoun (directrice de la rédaction de Première), Romain Charbon (journaliste cinéma, Têtu, les Inrockuptibles), Mike Goodridge (directeur de la publication de Screen International), Xavier Leherpeur (journaliste cinéma, Studio Ciné Live), Ivan Mitifiot (coordinateur d’Écrans Mixtes, Rencontres de cinéma gay et lesbien de Lyon), Pascale Ourbih (présidente de Chéries-chéris, Festival de films gays, lesbiens, trans et +++ de Paris) et Brian Robinson (programmateur du Festival du film gay et lesbien de Londres).

Le film récompensé se verra offrir des campagnes promotionnelles et sera suivi de près par les médias partenaires de l’opération (Première, Studio Ciné Live et Yagg) lors de sa sortie en salles (ou en DVD). Plus d’infos sur le site de la Queer Palm.

DUCASTEL ET MARTINEAU PARRAINS DE LA PREMIÈRE ÉDITION

Enfin, la Queer Palm est parrainée par les cinéastes Olivier Ducastel et Jacques Martineau (Jeanne et le garçon formidable, Drôle de Félix, L’Arbre et la forêt…).

Fiche technique :

Avec Qin Hao, Chen Sicheng, Wei Wu, Tan Zhuo et Jiang Jiaqi. Réalisation : Lou Ye. Scénario : Mei Feng. Directeur de la photographie : Jian Zeng. Montage : Jian Zeng, Florence Bresson et Robin Weng. Compositeur : Peyman Yazdanian.

Durée : 115 mn. Actuellement en salles.

Résumé :

Nankin, de nos jours, au printemps. La femme de Wang Ping le soupçonne d’infidélité. Elle engage Luo Haitao pour l’espionner et découvre ainsi l’amour que son mari porte à un homme, Jiang Cheng. C’est avec lui que Luo Haitao et Li Jing, sa petite amie, se jettent alors à corps perdu dans une folle équipée amoureuse. C’est pour tous trois le début de nuits d’ivresse suffocantes, qui égarent l’esprit et exaltent les sens. Un sulfureux voyage aux confins de la jalousie et de l’obsession amoureuse.

L’avis de Voisin blogueur :

Deux hommes, Wang Ping et Jiang Cheng, ensemble dans une maison isolée. Des étreintes passionnées, des sentiments palpables. Ils se retrouvent souvent en cachette. Wang Ping est marié. Sa femme paie un jeune étudiant, Luo Haitao, pour espionner son compagnon. Elle ne tarde ainsi pas à découvrir qu’il la trompe et le choc que cela soit avec un homme ne fait que décupler le poids de la trahison. Alors que son mariage vole en éclats, Wang Ping attend du réconfort de la part de Jiang Cheng. Mais ce dernier ne supporte plus la complexité et la tournure dramatique que prend leur relation. Il traine dans les bars et finit par se lier avec Luo sans savoir qui il est. Luo, à force de le suivre, s’est épris de lui mais continue d’entretenir une relation avec une jeune femme travaillant à la chaine, Li Jing (qui elle-même a une relation ambiguë avec son patron). Nous sommes à Nankin, c’est le printemps, les fleurs éclosent et les désirs explosent…

Lou Ye avait déjà marqué les esprits avec ses précédents longs-métrages et en particulier Une Jeunesse chinoise qui avait subi les foudres de la censure dans son pays. C’est ainsi que Nuit d’ivresse printanière fut tourné clandestinement. Beaucoup de caméra épaule, une réalisation très instinctive qui colle parfaitement avec les égarements de ses protagonistes. Voici une œuvre très sensuelle où l’on passe d’un personnage, d’un corps à corps à l’autre avec une grande fluidité. Alors qu’on pouvait s’attendre à un drame classique sur l’adultère, le réalisateur tisse une intrigue aux allures de ballet mélancolique où chacun s’oublie ou tente d’oublier dans des bras trop souvent de passage.

Les relations ne seraient-elles que des nuits d’ivresse dont on ressort avec un violent mal de crâne et une sensation d’égarement ? Alors que les couples se font et se défont, nous plongeons dans l’intimité de chacun, nous assistons au portrait d’une société perdue entre désir et raison, qui se cherche sans jamais parvenir à vraiment se trouver. Chaque rencontre est l’occasion de s’explorer, l’espoir de se renouveler mais cela ne dure qu’un temps : une saison remplace une autre. Il y a des partenaires, des souvenirs qui ne sont pas interchangeables tant ils sont douloureux. Jiang Cheng va le réaliser peut être trop tard.

Avec peu de moyens, Lou Ye livre une œuvre intense, troublante et très sensible. Un film où tout peut basculer d’un moment à l’autre, où les couples peuvent se former ou se détruire d’une scène à l’autre. Nuit d’ivresse printanière diffuse délicatement et très brillamment son parfum de spleen. Avec en bonus des scènes d’intimité à faire tourner la tête.

L’avis de Frédéric Mignard :

Portraits d’errances amoureuses en Chine contemporaine par le réalisateur d’Une Jeunesse chinoise et Suzhou river. Le résultat est sensuel, remarquablement mis en scène, mais également abscons et ennuyeux.

De Lou Ye, on se souvient surtout en France de Suzhou river et d’Une Jeunesse chinoise. C’est d’ailleurs à cause de ce dernier, projeté à Cannes en 2006, que le cinéaste s’était vu interdire de tourner chez lui, en Chine, pendant 5 ans, pour avoir utilisé des images d’archives de la manifestation de Tian’anmen. Lou Ye était également passé par la croisette en 2003 avec Purple butterfly, toujours inédit sur notre territoire.

Avec Nuit d’ivresse printanière, présenté insolemment à Cannes en mai 2009, le cinéaste signe une œuvre trouble et érotique, qui aborde, fait remarquable pour un film chinois, le thème de l’homosexualité. Une nouvelle provocation à l’égard des autorités chinoises ? En tout cas, les corps déshabillés dans l’étreinte et le feu ardent de la passion dévorent l’écran. Avec un sens exquis de la mise en scène, qui empreinte au documentaire à l’image vacillante et à l’exercice de style esthétique, l’auteur n’est pas là pour s’embarrasser de ses choix de réalisation. Son intérêt se focalise sur l’éternel triangle amoureux, source de frustration, de jalousie et de colère. La femme, l’époux infidèle et l’amant se déchirent en beauté sous la caméra bienveillante de Lou Ye, qui ne se pose pas en donneur de leçon. Au contraire, il complique la donne avec quelques variations sur le thème de l’attraction physique.

De notre côté, l’attrait visuel et l’indéniable parfum de scandale passés, l’on se retrouve vite à s’ennuyer. Trop abscons dans son approche des personnages et étiré inutilement, le récit ne se laisse jamais dompter et déconcerte. Il aurait gagné à être davantage resserré, surtout après l’écho cannois un peu tiède qui était déjà le signe d’une déception mesurée. Au final, ces nuits d’ivresse printanière ne sont pas désagréables, mais qu’est-ce qu’elles sont longues à passer...

Pour plus d’informations :