Fiche technique :

Résumé :

Gabryel, Ched et Enrique sont amis. Bien qu’ayant vécu chacun des histoires d’amour douloureuses, ils continuent de croire, parfois naïvement, qu’il existe encore, quelque part, un homme parfait ! C’est au moment où ils s’y attendront le moins qu’ils feront « la rencontre de leur vie », et sortiront de leur black out sentimental... Mais à quel prix ?

Des situations dramatiques, hardies et cocasses sont le lot quotidien de ces trois cœurs en quête de l’amour avec un grand "A" ! À bien y regarder, cette histoire pourrait être la vôtre... Qui sait ?

L’avis de Daniel C. Hall :

Surtout, n’achetez pas Black Out ! Si vous êtes de ces pédés (ou pas) pisse-vinaigre qui pensent que nous devrions comme avant 1969 manifester, défiler ou jouer dans des films en costard cravate passe-partout ou pour nos sœurs gouines en tailleur long et discret ; si vous êtes de ces pédés (ou pas) coincés du bulbe qui exècrent le délire, le cocktail champagne, paillettes et plumes, la démesure, la follitude et crachent sur tout ce qui transgresse les règles de la « normalité » ; si vous êtes de ces pédés (ou pas) bouche en cul de poule pour qui les petits films indépendants (ou amateurs) ou les grosses productions populaires ne devraient pas exister et sont une honte, et qui jurent avec mépris qu’il n’y a pas eu un seul grand et vrai film depuis Le Cuirassé Potemkine, alors oui passez votre chemin ! Vous risquez de mourir d’une attaque en moins de sept minutes en visionnant Black Out.

Pour les autres, comme moi, c’est avant tout un devoir sacré et une preuve de curiosité et d’ouverture d’esprit que de soutenir le seul éditeur DVD gay français à avoir des couilles comme des pastèques pour nous proposer, mois après mois, des productions essentielles à l’espace cinématographique gay, ces « petits films fauchés » (expression méprisante dans la bouche des coincés du cul) sur lesquels s’enrichit notre pauvre petite production nationale, grandissent des talents et émergent des projets déjantés ou atypiques, j’ai nommé Rémi Lange. Ensuite, c’est un plaisir que de voir un réalisateur et ses acteurs non professionnels s’éclater dans un « film fait à la maison » où ils s’investissent totalement. Quand tant de réalisateurs arrivés et d’acteurs reconnus ont l’air de se faire chier grave et d’aller au turbin comme un manœuvre sur un chantier ! Rudee, Claude, Grégoire et les autres garçons de la bande font preuve d’une grande générosité et de beaucoup de courage et de dévotion tout au long de ce long métrage qui hésite entre comédie sentimentale bitchy et soap-opera sous acide. Tout y est : bons sentiments, trahisons, coups de théâtre, dialogues acides ou sucrés, situations clichées assumées et même cliffhanger final et brutal à la Dynasty. Alors certes, on pourrait s’amuser avec facilité sur les petits défauts d’un réalisateur néophyte, sur les quelques failles techniques d’un film sans moyens, les hésitations attendrissantes d’acteurs au débotté et sur les grosses ficelles d’un scénario qui s’assume comme tel. Et alors ? Tout le plaisir de visionner un « petit film » se résume-t-il à de simples considérations froides et techniques ? Non. Black Out, une fois les premières minutes passées à entrer dans cet univers déjanté, procure une jouissance coupable. Oui, c’est trop, trop ceci, trop cela, mais c’est tellement bon quand c’est trop. Il y a de la démesure, de la folie, du kitsch et camp, de la grosse ficelle référentielle (on pense aux Feux de l’amour, à Sex and the City, à Noah’s Arc, à Dynasty, à Hélène et les garçons…), du ridicule assumé, du sentiment à la pelle, bref on sent un film vivant ! Et c’est jouissif ! Et les imperfections ne sont pas étrangères à ce charme étrange que dégagent la passion du réalisateur-scénariste-acteur Rudee LaRue, la dynamique du montage et l’engagement sincère des acteurs débutants.

Dans la lignée des Beurs Appart sortis chez le même éditeur, Black Out est une nouvelle pièce du puzzle de notre paysage cinématographique arc-en-ciel, une pièce rose et pailletée, un peu mal découpée, mais singulière et attachante. Rudee LaRue a beaucoup de choses à prouver encore et nul doute que ses prochains projets le fortifieront et le grandiront. Alors, oui, achetez Black Out !

La question à Rémi Lange, éditeur de Black Out :

Rémi, pourquoi sors-tu Black Out en DVD en juin ?

Rémi Lange : J'édite Black Out car c'est avant tout un film comique, et nous avons besoin de rire en ces temps difficiles ! Par ailleurs, au-delà de l'aspect humoristique, on est touché par les situations des personnages, par la quête d'amour souvent impossible dans le milieu gay. Enfin, je défends depuis la création de la société LES FILMS DE L'ANGE les films tournés à la maison, auto-produits, et de la même manière que ces films gay auto-produits ne reçoivent aucune aide ni de l'État français ni d'un mécène privé, les dvd HOMOVIES, qui permettent à ces films gay d'exister, ne reçoivent aucune subvention du CNC. La société LES FILMS DE L'ANGE, sur 41 dvd édités depuis 2004, n'a reçu que 3 aides à l'édition DVD... Comment survivre dans ce cas, dans un contexte où le marché du DVD s'effondre (une dégringolade d’un tiers des ventes en quatre ans) ?

Interview de Rudee LaRue

Acteur, scénariste et réalisateur de BLACK OUT

Par  Daniel C. Hall

Daniel C. Hall : Rudee, tu es le scénariste, le réalisateur et l’un des acteurs du film Black Out, qui vient de sortir chez l’éditeur Les Films de l’Ange. Pourrais-tu te présenter à nos lecteurs (qui tu es dans la vie de tous les jours et dans l’univers de la fiction filmée) ?

Rudee : Dans la vie de tous les jours, je suis Rudee, un gars normal j’espère, qui est gentil, drôle, droit et qui ne se prend pas au sérieux. Je suis à la base chorégraphe ; je suis venu à la chanson grâce ou à cause de Radiah Frye & D’Geyrald pour qui j’ai fait de nombreux chœurs. Aujourd’hui, j’ai monté un groupe de Pop Rock et nous répétons afin de pouvoir faire quelques scènes bientôt. Je me suis lancé dans l’audio-visuel pour réaliser un projet que j’avais en commun avec mes amis, Claude Thérésine qui est un des acteurs du film, et Serge Biwole qui est malheureusement décédé avant le tournage du film.

Dans la fiction Black Out, je suis Gabryel, un jeune homo qui a souffert de sa séparation avec son ex et qui va encore en prendre plein la gueule, mais ça peut arriver à tout le monde (rires) ; cependant mon personnage y croit toujours, il est aussi naïf que moi (rires).

Comment est né le projet Black Out, depuis l’écriture du scénario jusqu’au tournage ? Qu’as-tu voulu en faire dès le départ ?

J’ai écris Black Out dans les grandes lignes avec mes amis Claude Thérésine et Serge Biwole en 2000. On se disait que l’année 2000 était l’année où tout serait possible et où tout nous sourirait. En 2002, après une rupture amoureuse difficile, je suis parti m’installer à Los Angeles pour faire un break. Les années sont passées, et en 2007 Claude m’a relancé suite à la mort de Serge, me disant que ce serait un superbe hommage de réaliser cette série. Nous avons rencontré énormément d’obstacles mais nous n’avons pas baissé les bras, car je suis du genre obstiné et fonceur. Alors j’ai décidé de tout faire moi-même, j’ai acheté une caméra HD, un logiciel de montage et on s’est lancé dans la réalisation. Cette expérience fût vraiment très bénéfique mais aussi très pénible, car on ne savait pas dans quoi on se lançait. En plus, nous voulions vraiment faire quelque chose de bien, avec beaucoup de scènes en extérieur. On voulait aussi que le milieu homo parisien y soit représenté, mais beaucoup de portes se sont fermées, sans doute parce que nous n’étions pas connus. On a dû batailler sans relâche pour arriver à nos fins. On a visité plein de forums pour comprendre comment avoir des autorisations de tournage et comment réaliser des scènes sans que cela nous coûte. Le tournage de Black Out a été très dur pour Claude et moi-même qui passions des journées à tourner et des nuits à monter les séquences. Mais dans l’ensemble, aujourd’hui, nous sommes assez satisfaits de ce que nous avons accompli. Nous nous sentons prêts à faire mieux encore pour la suite de nos projets.

Que représente pour toi le thème de l’homosexualité et qu’as-tu voulu faire passer comme message sur ce thème ?

L’homosexualité représente pour moi une façon de vivre et je ne suis personne pour donner des leçons à qui que ce soit.

Le message de Black Out est peut-être utopique mais il prône une valeur qui m’est chère, la vie de couple saine, où l’amour et la fidélité règnent. J’avais envie de montrer un côté de l’homosexualité qu’on ne voit pas assez, quand on parle d’une personne homosexuelle on voit tout de suite les saunas, les bordels, les plans cul sans lendemain, le sida et autres maladies. Certes, cela existe, mais il existe aussi des couples fidèles, qui ne sortent pas énormément et qui vivent leur petite vie sainement entre amis. De toutes façons, il faut savoir que tous les maux des homos sont aussi les maux des hétéros, car l’infidélité, les maladies et les bordels ou clubs échangistes ne sont pas seulement les fiefs de la communauté homosexuelle. J’aimerais juste que si un parent voit Black Out, il puisse se dire que finalement si son enfant venait à être homosexuel, il ne serait pas un pervers, que c’est juste une autre façon de vivre sa sexualité et comme le démontre Black Out, les personnages s’aiment mais partagent des choses de la vie comme des couples « hétéros ». Ils s’aiment, ils rient, ils pleurent, ils se font mal, ils se réconfortent, ils agissent comme n’importe quel être humain.

J’ai cru comprendre que le tournage a demandé plus de cinq mois. Dans quelles conditions cela se passait-il et as-tu quelques anecdotes drôles et moins drôles sur le tournage ou le montage ?

Oui, cinq mois de rigolades parfois sur le tournage, mais cinq mois aussi de galères à devoir doubler les voix faites en extérieur car même avec un micro-perche le vent nous a bien emmerdé, des soirées entières à monter le film de manière dynamique, à chercher les bonnes coupures, les contrastes et lumières en post-prod. Parfois nous avons même du retourner des scènes car le soleil était en contre-champ ou des ombres apparaissaient et on ne les voyait pas sur l’écran LCD de la caméra, et enfin plein de petites choses et d’erreurs qui nous ont permis de grandir et d’apprendre sur le tas.

Peux-tu nous présenter tes comparses, acteurs de cette comédie sentimentale totalement déjantée ?

Claude Thérésine, alias Chèd, est un ami d’enfance ; il était mannequin en Guadeloupe lorsque moi je dansais avec les chanteurs antillais pour RFO. On a toujours partagé l’univers artistique ensemble, on se retrouvait sur des plateaux télé ou dans des soirées. Nous avons sympathisé et on ne s’est plus quitté, ça me vieillit de le dire mais ça fait bien 25 ans qu’on se connait.

Grégoire Queulvée, alias Enriqué, est un garçon très gentil que j’ai rencontré il y a 5 ans et il m’a tout de suite plu, il est ouvert, gentil, charmant, marrant et je suis tombé sous le charme. Comment ne pas l’être, c’est tellement rare des gens ouverts et humains…

Matthieu Moulin, alias Lorenzo, je l’ai rencontré sur un chat lorsque l’on recherchait des acteurs pour compléter l’équipe. Je trouvais qu’il avait un p’tit truc à la De Niro et Farrell. Je n’ai jamais vu une personne aussi investie, sérieuse, charmante et en même temps un vrai déconneur.

Samuel Fewtrel Abbou, alias Sam, est une connaissance de Grégoire Queulvée. Il a été emballé par l’idée de Black Out et a donné beaucoup de lui-même dans ce personnage qui est à l’opposé de sa personnalité.

Gleen Coste, alias Ryan, est un mec intègre et bosseur. Il est drôle, imaginatif. De plus, c’est un super chanteur, il a une voix incroyable. Il chantait lors des tournages et je pense qu’on se servira de ce don pour le futur Black Out II.

Il faut le reconnaître, il y a un manque criant de moyens techniques pour Black Out qui, évidemment, se voit. Cela a-t-il représenté un frein pour toi ou au contraire t’as totalement désinhibé ?

J’ai été vraiment embêté par le manque de moyens mais après avoir frappé à toutes les portes de la planète et être resté sans réponses, car nous n’étions pas des pros, on a décidé de se débrouiller avec nos propres moyens, mais je pense que ta question aurait plutôt dû être : « Comment as-tu réussi à réaliser ce film sans moyens ? ». (rires)

Cependant, malgré certaines choses qui ne sont pas très abouties, je pense que nous n’avons pas à avoir honte du résultat, car certaines autres productions sont à notre niveau. De plus, en tant que novice et n’ayant jamais touché une caméra, ni un logiciel de montage, de ma vie, je pense que je peux me jeter des fleurs si tu ne le fait pas (rires), mais on apprend et Black Out II sera à un autre niveau et ainsi de suite…

Ton film a engendré quelques débats chez nous. Certains pensent que c’est un Noah’s Arc du pauvre, d’autres une série ado bitch et kitsch façon AB Production des années Club Dorothée et enfin certains sont totalement allergiques. Qu’en penses-tu sans langue de bois ?

Le plus important c’est que ça vous ait questionné et que vous en ayez parlé entre vous, donc le pari est gagné. Le simple fait que des débats se lèvent à propos du film, positifs ou négatifs, nous confortent dans notre démarche. On ne peut pas plaire à tout le monde. Maintenant un Noah’s Arc du pauvre, merci, pourquoi pas, vu le peu de moyens qu’on avait, mais j’ai adoré cette série qui sort en film bientôt. D’ailleurs Patrik-Ian Polk, le réalisateur, est un de mes contacts. Et, en ce qui concerne Dorothée, j’ai été un grand fan quand j’étais enfant, et d’ailleurs merci pour l’idée, je vais contacter AB Production, ils seraient probablement capables de réadapter Black Out avec de gros moyens, merci… (rires)

Moi, j’ai aimé ce délire sentimental. Plus nous aurons de petites productions comme la tienne, plus notre paysage arc-en-ciel sera riche et varié. Sur le scénario, c’est pour moi Dynastie version bitch et folle et c’est un compliment sous ma plume, d’ailleurs une suite est envisagée. Que penses-tu de cette comparaison ?

Je suis flatté si on peut dire car Dynastie et Dallas ont bercé mon enfance et sont des incontournables dans le domaine de la trahison et de l’hypocrisie. Maintenant folle, peut-être. On aurait pu faire plus genre Priscilla folle du désert ou La Cage aux folles, mais on est, j’espère, resté entre deux, pour ne pas être trop caricaturaux.

Comment situes-tu Black Out par rapport à une autre folie sortie chez Rémi Lange Beurs Appart 1 et 2 ? Cette comparaison t’agace-t-elle ?

Non, ça ne m’agace pas, au contraire. De plus, certains des acteurs de Beurs Appart sont des potes et ça serait marrant de les avoir dans Black Out et vice-versa, mais déjà dans Beurs Appart 3 vous serez surpris, je pense. Maintenant je n’appellerais pas ça une folie. Étant de l’autre côté de la caméra, je pense qu’il faut essayer d’entrer dans l’univers du réalisateur, essayer d’y adhérer, mais si on n’aime pas alors faut mettre ça de côté, mais je ne suis pas là pour défendre, ni porter un quelconque jugement sur Beurs Appart mais pour promouvoir mon bébé Black Out.

Loin de moi l’idée de critiquer Beurs Appart que j’aime et que je défends aussi (par folie, j’entendais « démesure »). D’ailleurs si le réalisateur veut prendre contact avec moi, je suis prêt à l’interviewer aussi (rires). Question plus terre-à-terre. C’est étrange mais je trouve que Black Out est très prude et ne dévoile que peu le physique, pourtant charmant, de tes acteurs. Tu ne joues pas sur le côté érotique et plastique (ni sur les relations physiques des protagonistes). C’est une volonté personnelle que d’être si sage ? En dénudant plus les acteurs, tu te serais trahi ?

J’ai justement voulu montrer un autre côté des homos, la communauté gay est trop souvent représentée comme peuplée d’êtres avides et guidés par le sexe. Il s’agit d’un film basé sur l’amitié et la recherche de l’homme parfait, pas d’un porno. Je ne comprends pas pourquoi la plupart des gens pensent qu’un « gay themed movie » doit montrer de la chair et du cul. C’est à nous aussi de montrer aux autres que la communauté est capable de faire des films drôles, tristes ou autre, sans pour autant jouer sur le créneau cul. On ne reproche pas à Matrix ou James Bond de ne pas montrer du cul, alors pourquoi toujours vouloir faire cet amalgame ? Gay n’est pas toujours égal à Cul.

Quels sont les échos qui te sont déjà revenus de la part de ton public (pas de la presse) et qu’en penses-tu ?

Et bien, les gens qui laissent des commentaires ou nous envoient des mails sur les sites de Black Out, aiment bien le concept et ils ont bien compris qu’il s’agissait d’un film amateur. Ils sont aussi très touchés par les situations, car certains sont passés par là comme ils disent. On a aussi des gens qui nous disent qu’il ne faut pas dire amateur car pour eux c’est au niveau. Mais on ne s’arrête pas juste aux compliments, car il y a aussi des retours plus durs, ceux qui trouvent ça limite, trop efféminé. On nous a même demandé si on est comme ça dans la vie. Ce que je réponds, c’est qu’il s’agit d’un film, une fiction, et nous jouons la comédie à notre niveau. Le fait d’être proche du public renvoie des questionnements bizarres. Est-ce que vous pensez que l’acteur qui incarne Wolverine des « X Men » est comme ça dans la vie ? Je pense que ça ne mérite pas de réponse…

Qu’aimerais-tu écrire à nos lecteurs, en-dehors de la sempiternelle publi-promo, pour leur donner envie de regarder ton film ?

Je ne suis pas doué pour la promo, sinon j’aurais sûrement répondu autrement aux 10 premières questions (rires). Je dirais simplement que Black Out est le film de tout le monde, chacun peut s’y retrouver car il prône des valeurs et dénonce certaines choses. On a tous été plaqué, on a tous recherché l’amour et au fond de nous, on y croit toujours. De plus, nos sites sont ouverts pour toutes suggestions et idées. La suite de Black Out est entre les mains de ceux qui l’auront vu, et peu importe que l’on aime ou pas, on attend des retours pour apporter à la suite de Black Out plus de piment. Nous aimerions que notre public participe. Ce serait, en fait, comme si le public participait au développement de la trame. Ce serait nouveau dans le milieu du cinéma. Comme la communauté gay a toujours été en avance, restons en avance et créons le cinéma interactif (rires).

Peux-tu nous donner quelques pistes sur les intrigues du deuxième volet ? Le tournage a-t-il déjà commencé ?

On a commencé le tournage de Black Out II depuis le mois de mars 2009. Je ne dévoilerai rien, si ce n’est qu’on va vous faire un peu voyager. On va aussi mettre en avant des problèmes qui existent, mais qui restent souvent cachés. Ce sera assez triste mais, bien entendu, on va encore en faire des tonnes pour essayer de vous faire rire avec nos loadings et nos situations pas possibles.

Merci Rudee et permets-moi de t’embrasser et de te souhaiter un grand succès et beaucoup d’autres aventures filmiques…

Gros bisous à toi aussi, merci pour ton aide précieuse. Et bises à toute l’équipe des Toiles Roses.

Fiche technique :

Avec Paul McGann, James Corden, Mathew Horne, MyAnna Buring, Silvia Colloca, Vera Filatova, Ashley Mulheron, Louise Dylan, Lucy Gaskell, John Pierce Jones, Emer Keny, Emma Clifford, Susie Amy, Travis Oliver et Margarita Hall. Réalisation : Phil Claydon. Scénario : Paul Hupfield et Stewart Williams.

Durée : 88 mn. Sortie en salles : 22 juillet 2009.

Résumé :

Jimmy Maclaren et son ami Fletch profitent de leurs vacances dans la campagne anglaise, quand ils se retrouvent coincés dans un petit village reculé, où règne une terrible malédiction qui touche les femmes. Celles-ci se transforment toutes en vampires et rejoignent une secte de Vampires Lesbiennes. Jimmy et Fletch sont appelés à la rescousse par les hommes du village...

L’avis de Frédéric Mignard :

SHAUN OF THE BITCHES

Une série B britannique au titre accrocheur qui ne tient pas toutes ses promesses. Sympathique, certes, mais pas suffisamment déglingué pour s’élever instantanément au rang de film culte.

La bonne santé du cinéma de genre britannique permet aux jeunes cinéastes de faire tout et n’importe quoi, surtout n’importe quoi d’ailleurs, à en croire le titre aguicheur Lesbian Vampire Killers qui nous promet des tueurs, des vampires et des lesbiennes. Ça tombe bien car finalement on a bel et bien un film sur des tueurs de vampires lesbiennes.

Tous ceux qui suivent l’actualité vampirique depuis maintenant quelques décennies savent que les louves de Dracula aiment à se caresser entre elles, voire à se dévorer l’entrejambes. Même en France, que dis-je, surtout en France, on a pu voir ces suceuses de nectar précieux s’adonner aux plaisirs saphiques : Brigitte Lahaie chez Jean Rollin pourra vous en raconter un bout, et même Catherine Deneuve saura se répandre sur le phénomène après s’être exportée aux USA comme mère goudou dans le sensuel Les Prédateurs de Tony Scott en 1983. Pauvre Susan Sarandon, elle ne s’en est jamais remise.

Pastiche évident de ce culte régressif, Lesbian Vampire Killers s’inscrit par conséquent dans ce genre chargé de références. Le cinéaste Phil Claydon n’a d’ailleurs qu’une idée en tête, reconstituer avec trois bouts de ficelle l’univers préfabriqué des productions gothiques des années 60-70 avec des demeures tarabiscotées, des cimetières perdus dans la brume et une forêt profonde, voire caverneuse où la caméra s’enfonce avec délectation !

Joyeux luron de la pellicule, Phil Claydon a gavé son métrage d’un humour « bitch » très contemporain pour les filles (la petite amie du héros et toutes les servantes de Camilla, la reine des vampires, sont, il faut le dire, de vraies sal...), tandis que les garçons se retrouveront sans grand mal dans le ton geek servi par le meilleur pote du héros (et malheureusement personnage central), un gras du bide, buveur de pintes et obsédé de la moule qui ne rêve que de « hot dykes » (traduire par « gouines bandantes »). À fond dans son trip, Claydon en fait des tonnes, au détriment du sérieux, de la peur et de l’horreur, ces trois éléments étant totalement absents de ses intentions.

On mentirait en disant qu’on n’adhère pas à cette balade loufoque dans le terroir ancestral britannique – elle est plutôt exaltante et même revigorante –, au final, on ne peut s’empêcher de regretter le manque d’audace de ce délire de goujaterie et de grossièreté, beaucoup plus proche de Shaun of the Dead que des classiques du genre comme Vampyros Lesbos ou Le Frisson des vampires.

La rigolade inhérente au titre déconneur séduira sûrement plus les ados sans référence que les vrais fans de g(h)oul(u)es des seventies, tant ces derniers auront l’impression d’assister à une version légèrement plus osée de Scooby-doo.

Car entre nous ces vampires lesbiennes sont plutôt asexuées et niveau « killers », la grande tuerie attendue n’a pas vraiment lieu non plus. Bref, pour la déconne et le carnage, il vaut peut-être mieux revoir le britannique Boy Eats Girl, sorte de film de zombies adolescent qui finit pas un bain de gore corsé autrement plus efficace.

Pour plus d’informations :

Fiche technique :

Avec Nathalie Richard, Pascal Cervo, Olaf Lubaszenko, Xavier Beauvois, Loïc Maquin, Jean-Paul Dermont, Clovis Cornillac, Stéphane Jobert, Isabelle Nanty, Vincent Grass, Farida Rahouadj, Olivier Jahan et Olivier Rabourdin. Réalisation : Catherine Corsini. Scénario : Catherine Corsini, Arlette Langmann et Pascale Breton. Directeur de la photographie : Ivan Kozelka. Compositeur : John Cale.

Durée : 88 m. Disponible en VF.

Résumé :

Après des années d'absence passées à faire les quatre cent coups et à brûler la vie par les deux bouts, Viviane est de retour à Monthermé, la petite ville des Ardennes où vivent ses parents et son demi-frère cadet, Marc. Au contact de cette aînée que cette longue absence a sublimée, ce lycéen de quinze ans va faire le rude apprentissage de l'indépendance. Viviane décide de prendre Marc sous sa protection et ne lui cache rien de son existence tumultueuse. Entretenue par des notables locaux qu'elle traite avec insolence, la jeune femme séduit son frère par son charme et sa drôlerie. Ensemble, ils font des virées en Belgique et se font des confidences intimes. Des gestes s'ébauchent, des corps se frôlent, des étreintes et des complicités se nouent.

Marc a de plus en plus de mal à partager les plaisirs de ses copains de lycée et son amitié pour son camarade Ronan se teinte d'une trouble fascination dont il ne saisit pas immédiatement la nature profonde. Quand Viviane rencontre l'amour en la personne de Tomek, un ouvrier polonais rencontré dans une virée nocturne, et décide de mettre fin à sa vie de femme entretenue, Marc décide d'aller lui aussi au bout de ses sentiments. Alors que Viviane succombe au vertige du grand amour, l'adolescent cède à ses pulsions et tourne résolument le dos au monde de l'enfance en se jetant tête la première dans l'inconnu...

L’avis de Frédéric Mignard :

Un portrait désaxé de deux écorchés, en quête de liberté dans un monde étriqué, qui se caractérise par une mise en scène naturaliste rudimentaire, mais touchante.

Après des années d’absence, une chanteuse de bas-étage revient dans sa petite ville natale. Honnie par ses parents, elle retrouve son jeune frère, un adolescent perturbé par sa sexualité. Ensemble ils vont développer une complicité trouble.

1994. Le cinéma français va au plus mal, boudé par le public qui ne se retrouve pas dans le manque de diversité que lui offre la production nationale. En face des productions comiques, seules atouts de l’industrie cinématographique, les producteurs proposent un grand nombre de films d’auteur, économiques, qui connaissent l’indifférence générale du public. Des productions à tout petit budget dont l’existence est niée par une distribution microscopique dans les circuits art et essai.

Parmi ces œuvres, l’on trouve Les amoureux, le second film de Catherine Corsini, après le polar Poker. Un bide. Et une belle injustice ! Il faudra, finalement, un peu plus de dix ans pour que ce portrait provincial au vitriol puisse renaître de ses cendres, grâce à l’éditeur DVD gay Antiprod. Le film retrouve alors, confidentiellement, une nouvelle carrière mais dans un cadre communautaire, qu’il est pourtant essentiel de dépasser. Limiter Les amoureux aux errances existentielles d’un adolescent, qui se recherche sexuellement pour finalement se retrouver dans l’homosexualité, n’est-ce pas là restreindre un peu les intentions de Corsini ?

La réalisatrice explore plus généralement l’aspect sordide d’une province, asphyxiée par son étroitesse d’esprit, une campagne moribonde, où les mentalités étriquées détruisent les marginaux en quête inconsciente de reconnaissance. Le pouvoir d’attraction de cette région, l’atavisme qui en découle, est une fatalité à laquelle il est mal aisé de se soustraire. La réalisatrice le souligne à travers le personnage de la formidable Nathalie Richard, qui interprète, ici, une chanteuse arriviste, revenue de Paris fragilisée, alors que seul son jeune frère attendait encore son retour au bercail populaire. Elle se retrouve, dans ses dérives névrotiques, à inspecter ses cassures, manipulée et abîmée par les hommes, alors que son frère, fasciné par sa liberté extraordinaire, vit dans la honte, son homosexualité naissante, sali par les sorties nocturnes et les plans drague, que l’environnement hostile lui impose.

Dans le rôle du jeune homo, Pascal Cervo, alors quasi débutant, affiche une justesse de jeu qui contribue beaucoup au succès de cette œuvre, certes rudimentaire, mais d’une grande honnêteté dans sa dénonciation naturaliste d’un milieu. Entre le Border line de Danièle Dubroux et L’Homme blessé de Patrick Chéreau, cette peinture détraquée de deux écorchés, au bord de l’implosion, et toujours à la lisière du tabou ultime de l’inceste, captive et laisse des traces, longtemps après sa projection.

Pour plus d’informations :

Fiche technique :

Avec Lambert Wilson, Pilar Lopez de Avala, Pascal Elbé, Anne Brochet, Andrée Damant, Florence Darel, Marc Duret, Liliane Cebrian, Luis Jaime Cortez et Catherine Erhardy. Réalisation : Vincent Garenq. Scénario : Vincent Garenq. Directeur de la photographie : Jean-Claude Larrieu. Compositeur : Laurent Levesque et Loïk Dury.

Durée : 93 mn. Disponible en VF.

Résumé :

Ils filent le parfait amour... Enfin, presque : Emmanuel veut un enfant et pas Philippe...

Pourtant, Emmanuel décide un jour de franchir le pas, au prix de perdre Philippe... Mais comment avoir un enfant quand on est homo ?

L’avis de Frédéric Mignard :

Une comédie de mœurs sur l’homoparentalité, un brin didactique et télévisuelle, qui n’en demeure pas moins charmante et bien écrite.

Dans Comme les autres, Vincent Garenq aborde frontalement le thème très télévisuel – qui sent bon le talk-show et le téléfilm populaire – de l’homoparentalité et s’inspire ainsi de sa vie. Non, pas de sa  vie d’homo – le cinéaste est hétéro, marié, père de famille –, mais de celle de l’un de ses meilleurs potes, gay, et de ses tribulations pour parvenir à adopter un enfant.

Alors que la France se montre d’une frilosité surprenante envers le droit des homosexuels au mariage et à l’adoption, le réalisateur se pose des questions légitimes sur le besoin de paternité des gays (il est surtout question d’hommes dans le film) tout en veillant soigneusement à ne pas tomber dans le stéréotype rance qui avait fait de Pédale dure, sur une thématique similaire, l’un des pamphlets les plus homophobes jamais issu de sa propre communauté !

Plutôt favorable à l’adoption d’enfants par des couples du même sexe, le réalisateur tombe cependant dans le piège du film prétexte, 100 % revendicateur et didactique, dans lequel tout semble bon pour plaider sa cause. Celle-ci devient forcément acceptable au vu du caractère sympathique de la comédie (dialogues finement écrits, souvent enlevés, répliques mordantes) et des protagonistes principaux ou secondaires. La palme du charisme revient évidemment au pédiatre (!) quadragénaire incarné par Lambert Wilson, la figure centrale du récit qui se désespère de ne pas être père. Un poil égoïste, au début, le personnage, évolutif, devient le parangon du bon père potentiel, tour à tour charmant, drôle, gnangnan... Un mec sain d’esprit qui regorge d’amour (et d’euros), paré, mieux que quiconque, à élever un enfant. Le spectateur, pris en otage, ne peut dès lors que difficilement refuser de le suivre dans sa quête. C’est un brin agaçant.

Seul ou avec son concubin, plus réticent, joué par le formidable Pascal Elbé ; envisageant des lesbiennes comme mamans ou le recours à une mère porteuse (la délicieuse Pilar Lopez de Ayala)... Toutes les possibilités sont passées au crible, puisqu’on lui a refusé officiellement l’adoption d’un enfant en raison de son inclinaison sexuelle. Et, alors que les tracas conjugaux se greffent aux difficultés pour devenir papa et que le cœur des femmes satellites vacille, la drôlerie des situations alterne avec l’émotion, de manière très appuyée parfois. La corde sensible vibre, accentuant un peu plus l’impression de rapt des sentiments.

Comme les autres repose donc sur des procédés un peu faciles, légèrement déplaisants quand ils empêchent le spectateur de se poser les vraies questions au cœur de l’homoparentalité, réduite ici au seul bonheur du papa. Mais ne soyons pas trop ingrat, derrière ses airs de téléfilm pédago, cette comédie de mœurs légère n’en demeure pas moins un petit plaisir d’écriture et d’interprétation et puis, même avec ses maladresses, elle a tout de même le mérite de vouloir faire bouger les choses en relançant les débats. N’est-ce pas là l’essentiel ?

L’avis de Voisin Blogueur :

Manu (Lambert Wilson) et Philippe (Pascal Elbé) forment un couple homo et bobo en pleine crise. Pédiatre de métier, Manu ne peut plus passer sur son désir d’enfant et face au refus catégorique de son compagnon, la séparation semble inévitable. À nouveau célibataire, Manu revoit Fina (Pilar Lopez de Ayala), une jeune sans papier rencontrée par hasard.

Il lui propose un mariage blanc et dans la foulée, si elle le veut bien, d’être la mère porteuse de cet enfant tant attendu. D’abord en colère, cette fille perdue va progressivement se lier d’amitié avec notre homo tristounet. Et quelques semaines plus tard, mariage et bébé sont au programme. Mais, comme on le sait, la vie n’est pas un long fleuve tranquille et Fina va progressivement se découvrir des sentiments pour son nouvel ami gay...

Surfant sur un thème de société (l’adoption chez les homos, toujours interdite en France), Comme les autres s’apparente à un téléfilm de luxe bourré de bonnes intentions. Difficile de ne pas s’y casser les dents. De ce point de vue, Vincent Garenq ne s’en sort pas trop mal en évitant les clichés et en proposant un ton tragi-comique bien vu et assurant un divertissement de qualité. En effet, son film se regarde avec beaucoup de plaisir, donne dans le drame sans tomber dans un surplus de pathos et s’avère aéré et bienveillant. En couple d’homos séparés, Lambert Wilson et Pascal Elbé nous gratifient de leur charme naturel et livrent une prestation honorable.

Mais ce qui gêne un peu dans cette fiction très calibrée, c’est qu’en fait le couple gay n’est pas vraiment traité « comme les autres ». Quand Manu s’égare le temps d’une nuit avec Fina, nous avons droit à une scène de jambes en l’air. Mais quand il s’agit de lui et Philippe, il ne faut pas s’attendre à plus qu’un chaste baiser. Manque de courage des acteurs ? Censure obligée pour une diffusion sans problèmes en prime time dans deux ans ? Ce travers est difficilement excusable et marque un flagrant manque de courage. Ce détail (qui a son importance) dépassé, Comme les autres se révèle être une comédie dramatique entre le cinéma français populaire de qualité et la comédie dramatique (voir les séries) made in USA. Des bons sentiments qui marchent, des décors bobos qui font rêver, un casting charmant… Prévisible mais efficace.

Pour plus d’informations :

Fiche technique :

Editeur : Arte vidéo, novembre 2008. 12 DVD + 1CD audio. Livret de textes inédits et de photos des films et des tournages. Coffret de l'intégrale des films de Jacques Demy. Le coffret comporte les trois films d'animation très rares réalisés entre 1944 et 1953 : Le Pont de Mauves, La Ballerine, Attaque nocturne et les quatre courts réalisés entre 1951 et 1961 : Les Horizons morts (film de fin d'études à l'école de Vaugirard), Le Sabotier du Val-de-Loire, Ars et La Luxure (sketch tiré des 7 pêchés capitaux).

Il semble toutefois manquer : Musée Grevin 1958 avec Jean-Louis Barrault, Louison Bobet, Jean Cocteau, Michel Serrault et Ludmilla Tchérina (0h21) et La Mère et l'enfant (1959, 0h22).

Tous les films ont été restaurés de façon échelonnée depuis 1992 ce qui garantit l'enchantement pour Le bel indifférent, Lola, Model Shop , La Baie des anges , Les parapluies de Cherbourg , Les demoiselles de Rochefort , Peau d'âne , La naissance du jour , Une chambre en ville et Trois places pour le 26 .

Seuls quelques films restent un peu moins réussis : The Pied Pipper , Lady Oscar L'événement le plus important depuis que l'homme a marché sur la lune et Parking.

Suppléments :

Reportages d'époque : DVD1 : Interview de Jacques Demy sur Les 7 pêchés capitaux (1962). Documentaire d'Agnès Varda : L'univers de Jacques Demy (90min - 1995). DVD2 : Documentaire : Cinéastes de notre temps : Jacques Demy à propos de Lola (1964). Reportage : Chronique cinéma : Jacques Demy à propos de Model Shop (1969). DVD4 : Extrait du documentaire : Il était une fois... Les Parapluies de Cherbourg. DVD5 : Documentaire d'Agnès Varda : Les Demoiselles ont eu 25 ans (64min). DVD 6 : Entretien : Peau d'âne raconté par des enfants. Jeu : La Princesse en chemise (il faut l'habiller). Documentaire : Une productrice passionnée : Mag Bodart. Dessins : Le petit Peau d'âne illustré. Documentaire : Peau d'âne et les penseurs. BD : Peau de bique de Claire Brétécher. Court-métrage : Peau d'âne d'Albert Capellani (1908). Karaoké : Les Chansons du film. DVD 7 : Reportage : Le Journal du cinéma : Jacques Demy et le joueur de flûte (1971). DVD8 : Entretien avec Alain Coiffier, directeur de production : Sur le tournage de Lady Oscar. DVD 10 : Entretien : Autour de la sortie du film par Gérard Vaugeois. Reportage : Cinéma, cinémas : Jacques Demy tourne Une chambre en ville (1982). DVD 11 : Reportage : Alsace soir FR3 : Sur le tournage de Parking (1985). DVD 12 Documentaire : Jacques Demy ou l'arbre gémeau. Emission : L'art en tête : Portrait de Jacques Demy.

L’avis de Raphaël Lefèvre, Nicolas Maille et Alissa Wenz :

C’est ce qu’il faut bien appeler un événement : un joli coffret vient mettre fin à l’époque de la traque acharnée des projections uniques et des VHS pourries des films de Demy. Si le plaisir secret d’avoir mis la main sur des introuvables disparaît, éclate au grand jour la folle cohérence d’une œuvre pourtant bigarrée ayant renoncé en cours de route à son projet inaugural : cinquante films qui seraient reliés les un aux autres par leurs personnages communs...

Il y a une difficulté à parler de Demy, qui tient à l’écart entre la sentimentalité que son œuvre suscite presque chimiquement et la lecture plus cérébrale que l’on peut donner de son univers torturé. Il y a surtout un risque qui consiste à donner de l’importance à des films au seul titre du rôle qu’ils tiennent dans la cohésion de l’œuvre d’un auteur. Or celle de Demy, l’une des plus belles et des plus passionnantes que le cinéma français nous ait données, est incontestablement inégale, en dents de scie, avec une tendance générale à la pente... Mais que voulez-vous, même en bas de la pente, étourdis, la tête pleine de couleurs, de chansons et de saveurs aigres-douces, on reste heureux. Petit voyage en trois temps dans ce qu’il est désormais convenu d’appeler le demy-monde.

Un moderne très discret

Les courts métrages d’animation contenus dans la première galette du coffret – films de jeunesse perdus et recréés à l’occasion du Jacquot de Nantes d’Agnès Varda – causeront sans nul doute quelque émoi chez les demyphiles, qu’ils soient sentimentaux ou cérébraux. Mais Le Pont de Mauves (évocation du bombardement de Nantes sous forme de dessins tressautant sur pellicule, à la manière d’un Norman MacLaren naïf), Attaque nocturne et La Ballerine (animations de figurines bricolées), s’ils ouvrent une porte sur la psyché du jeune Demy et laissent entrevoir quelque chose des films futurs (le soin apporté au décor, le petit monde menacé par la forclusion), ont peu de chance de passionner les néophytes.

Plus captivant, déjà, est Les Horizons morts, film écrit, réalisé et joué par Demy lors de ses études à l’école Vaugirard. Habilement construit en termes de structure temporelle, de composition des cadres et de contrepoints sonores, il est un rien compassé mais révèle quelque chose de très touchant sur une certaine jeunesse – celle qui, grave, solennelle et douloureuse, à l’opposé de la spontanéité et de l’insouciance des garçons spirituels et libidineux de La Luxure (délicieux épisode du film à sketches Les Sept péchés capitaux), prend la vie, l’amour et la mort très au sérieux. Ce tempérament excessif persistera chez Demy (voir la manière magnifique dont Les Parapluies de Cherbourg transforme la banalité du quotidien et du devenir amoureux en tragédie emphatique), mais prend ici la forme attendrissante, à travers un parcours ténébreux artificiellement touché par la grâce, de l’hommage un peu gauche de l’étudiant au maître admiré – Bresson, en l’occurrence.

Un rapport au religieux dont son cinéma se défera très vite. Ars, évocation de la vie d’un prêtre canonisé (dont Bernanos s’est d’ailleurs inspiré pour Le Journal d’un curé de campagne, adapté – tout se tient ! – par qui l’on sait) touche à un point limite de ce qui deviendra une attitude fréquente du cinéaste : ne pas juger. Ce qui rend le film ambigu, impossible à cataloguer : factuel, hagiographique ou distancié ? Les trois à la fois. Un peu illustratif, aussi, dans le rapport image-son, même si sa manière de ne filmer, sur le récit de la vie de ce curé du début du XIXe siècle, que des décors, des rues vides, des objets, ou à l’inverse les habitants contemporains du village, inscrit Ars dans un sillon cinématographique résolument moderne.

Filmer des lieux dépositaires du passé, Demy s’y livra plus qu’à son tour, s’offrant un travelling chaloupé dans le passage Pommeraye quand Roland Cassard évoque Lola dans Les Parapluies de Cherbourg ou tournant son adaptation de La Naissance du jour à l’endroit même où Colette l’écrivit. Comme dans Ars, on trouve dans cette dernière quelques déconcertantes redondances entre la parole et l’image, dans lesquelles il faut sans doute moins voir un manque de confiance en l’imagination du spectateur qu’une traque des sentiments et des souvenirs dans les objets, les murs, les fleurs, les visages, l’écrit ; une croyance obsessionnelle en la puissance du chromo ; un goût pour le mariage de la trace et de sa mise en scène, de la photo et du coup de pinceau. D’où un montage en flash-backs où le mot flash a tout son sens : celui de bribes de passé, d’images mentales trouant le présent. Reste que lorsqu’il ne filme pas la chose dite, Demy filme le regard qui la dit, et c’est alors deux fois plus beau. Beau comme ces scènes où se donne à voir le travail de l’écriture. Beau comme la voix-off de l’écrivaine sur laquelle vient parfois se poser à l’image, comme des mots sur les notes d’une chanson, la bouche de celle qui l’incarne (Danièle Delorme). Beau comme la façon dont elle exprime le renoncement comme choix individuel, comme assomption d’une sérénité hors des tracas de l’amour et non comme fatalité résignée. Beau comme le respect qui se love dans la fidélité maladroite à l’artiste adaptée.

Colette ne fut pas la seule à être traitée de la sorte : dès ses débuts, Demy adaptait avec déférence Cocteau, le poète-cinéaste tant admiré chez qui il allait trouver une figure-clé de son cinéma, Orphée. Le Bel indifférent marque le début de la plus riche collaboration qui ait jamais existé entre un cinéaste et un décorateur. L’apport de Bernard Evein dans ce film inauguré, comme Le Carrosse d’or de Renoir, par un lever de rideau, est décisif. Murs rouge vif, rideaux verts sapin, peinture fraîche : il y a dans cette chambre en ville où, face à un amant irrémédiablement muet, une femme se débat entre amour et désespoir, humiliation et dignité, vérité et mensonge, une présence indiscutable des corps, des choses et des sentiments. À des lieues de l’interprétation tremblante et impudique de la grande Anna Magnani dans La Voix humaine de Rossellini, adapté du même Cocteau quelques années plus tôt, Jeanne Allard, d’une voix traînante et blasée à mi-chemin entre Maria Casarès et Dominique Sanda, dit le texte et lui donne corps plus qu’elle ne le joue. Moins dévastatrice que chez Rossellini, s’accordant avec la rigueur absolue de la mise en scène – frontale, géométrique, picturale, théâtrale –, la blessure du personnage n’en est que plus poignante.

Demy fut tout à la fois : modeste artisan et artiste têtu, classique flamboyant et moderne timide, homme et femme, puritain et libertaire, conservateur, progressiste et radical… Dans Le Sabotier du Val-de-Loire, où, filmant à la manière de Georges Rouquier des traditions paysannes appelées à disparaître, il se livre surtout à une splendide méditation sur le temps qui passe, frappe une acceptation nostalgique de la nature des choses (« C’est dans l’ordre… ») plutôt étonnante de la part de celui qui, obsédé par la question de la résignation ou du sursaut, deviendrait un cinéaste du pas de côté, de l’hybridation, de l’impureté.

Beauté et force politique de ce cinéma que d’être si difficilement assignable. Dans Le Joueur de flûte cohabitent éloge bien-pensant de la tolérance et conscience aiguë d’un ironique paradoxe : la sortie de l’obscurantisme marqua également l’entrée dans l’ère du capitalisme bourgeois. Drôle de film que celui-là, tourné un an après Peau d’Ane dans une toute autre perspective : à l’interprétation ludique, psychédélique et distanciée du conte de Perrault succède un régime de représentation très anglo-saxon, une sorte de réalisme hollywoodien empreint d’un ton débonnaire à l’anglaise, avec pour seuls anachronismes la guitare et les jolies chansons de Donovan. La plus plate mièvrerie y côtoie la plus folle férocité, la noirceur s’y dissout dans de purs instants de grâce : Demy fut décidément le plus schizophrène des cinéastes.

Les jeux de l’amour et du hasard

Lola, son premier long métrage, est joyeux et mélancolique, sentimental et minutieusement pensé, rempli d’hommages et très personnel – une merveille de fausse simplicité et de nostalgie feutrée, placée sous l’égide de Max Ophüls (auquel le film est dédié), et dans laquelle s’exprime encore (sous une apparence très Nouvelle Vague, mais de manière explicite) l’influence du maître Bresson. Tous les fondements de l’univers de Jacques Demy sont déjà esquissés dans ce conte nantais où le hasard arrange les rencontres, où de très jeunes filles s’entichent de marins de passage, où les mères élèvent seules leurs filles, où l’attente est sans cesse glorifiée, magnifiée. « Vouloir le bonheur, c’est déjà un peu le bonheur », dit Roland Cassard à Lola, son amie d’enfance qu’il a retrouvée par hasard, et qui attend le retour de son premier amour. Le thème de la fidélité, qui sera creusé dans Les Parapluies de Cherbourg, est déjà là, doublé d’une idée qui fait tout le charme du film : celle d’un bonheur d’avant le bonheur, c’est-à-dire d’un bonheur dans l’espoir et le désir mêmes, plus que dans leur éventuel accomplissement. Tout Lola est ici : dans cette attente-désir qui porte vers l’avant, qui donne la force de vivre. Les jalons d’un cinéma à la fois aérien et sérieux, d’une apparente futilité qui, comme celle de son héroïne, n’est que le masque de la grâce, sont déjà posés.

On retrouve Lola – mais une Lola « cassée », disait Anouk Aimée – dans Model Shop, tourné à Los Angeles huit ans plus tard : œuvre amère, à la mélancolie prononcée, qui est aussi le dernier volet d’une série de films dans lesquels on retrouvait, conformément au souhait fondateur de leur auteur, les mêmes personnages. Le film, qui a reçu un accueil glacial aux Etats-Unis comme en France, était pratiquement invisible jusqu’à aujourd’hui. Il est grand temps de redécouvrir ce qui est une pierre de touche dans le petit monde de Demy – parce qu’on y croise à nouveau des noms ou des figures connus, et parce que s’y expriment des thématiques tout à fait caractéristiques. Dans l’un des bonus proposés par l’édition, Benoît Jacquot rappelle la surprenante « radicalité européenne » de ce film tourné aux Etats-Unis, où chacun s’attendait à ce que Demy réalise un musical hollywoodien. Celui-ci, dans un autre bonus, évoque sa volonté de faire un film « très simple, très évident ». Model Shop répond à Lola en reprenant et transformant le thème de l’attente qui y était fondamental : désormais, l’attente est triste, marquée par la peur – peur de la mort pour celui qui s’apprête à partir au Vietnam où il doit effectuer son service militaire – et non par le désir. Dans ce monde qui a perdu ses illusions, il ne s’agit plus de « vouloir le bonheur », mais d’essayer d’être heureux... C’est-à-dire de tenter de créer quelque chose (ce que propose explicitement George à Lola), d’imposer à un monde dont l’on n’est plus dupe quelque chose comme un choix – le choix du bonheur « malgré tout », dit Jacquot. « Always try », martèle George dans les dernières images du film, comme pour s’en convaincre lui-même. Toujours essayer, et ne jamais abandonner la partie.

« Dieu nous préserve des joueurs ! », disait Madame Desnoyers à Roland Cassard dans Lola. Jouer sa vie, prendre le risque, dans un mouvement ambigu qui suppose à la fois l’engagement de son existence entière et l’abandon à ce qui serait une puissance supérieure, hasard ou destin : telle est la démarche décrite et magnifiée par La Baie des Anges, second long métrage de Demy, dans lequel l’héroïne, blonde et non plus brune, mais tout aussi volubile et versatile (elle confond les deux mots) a la vivacité et l’élégance de Jeanne Moreau. Demy disait avoir voulu « démonter et démontrer le mécanisme d’une passion » : le résultat en est un film sombre, assez cruel, qui exploite le thème d’Orphée, primordial dans l’œuvre de Demy. Le collègue qui initie Jean au jeu répond au nom de Caron, et la descente aux enfers qu’amorce ce qui n’est au départ que de la curiosité sera ponctuée par un finale en demi-teinte, plus déchirant que rassurant. Inquiétante fable sur la religion de l’aléa, et la difficulté d’y mêler les sentiments, La Baie des Anges prouve que le thème du hasard, ici creusé jusque dans ses facettes les plus sombres, les plus dangereuses, n’a rien d’innocent chez Demy.

Ses films les plus connus, musicaux, lui ont façonné la réputation d’artiste inoffensif et naïf que l’on connaît. Rien n’est plus faux que cette idée reçue, qui repose généralement sur une équivalence trop rapidement tracée entre chant et légèreté. On ne compte d’ailleurs, dans l’œuvre de Demy, que deux films qui soient effectivement des « comédies musicales », réalisées dans l’esprit du musical hollywoodien. Les Demoiselles de Rochefort, film vu et revu, trop rapidement étiqueté et qu’on ne saurait trop conseiller de revoir à la lumière des autres films, est à la fois un hommage revendiqué à un genre bien précis et une œuvre très personnelle. Le coffret va enfin nous permettre de comprendre qu’il est bon de connaître le Nantes de Lola pour apprécier le Rochefort que les sœurs Garnier cherchent également à fuir ; qu’avoir croisé Mesdames Emery et Desnoyers aide à comprendre Yvonne Garnier ; que les rencontres manquées, omniprésentes dans Les Demoiselles, prennent tout leur sens à la lumière de celles de Lola et Roland (puis George), de Guy et de Geneviève, de Mylène et de Montand. Le deuxième véritable « musical » de Demy est aussi son dernier film : Trois places pour le 26, réalisé en 1988 et mettant en scène Yves Montand dans son propre rôle. Curieusement, c’est à la fois son film le plus récent et l’un de ceux qui ont le moins bien vieilli – la musique de Legrand n’y est pas pour rien. Inégal, ce dernier opus n’en est pas moins sympathique, généreux dans son approche des personnages, audacieux dans les thématiques qu’il entrelace. On lui reconnaîtra notamment un traitement osé du thème de l’inceste – patent dans Peau d’Âne mais présent de manière latente dans bien d’autres films de Demy – et son hommage touchant au cinéma et à la chanson, réunis en la personne mythique – et utilisée comme telle – d’Yves Montand.

Les plus désespérés sont les chants les plus beaux. On va enfin pouvoir redécouvrir Une chambre en ville, largement boudé par le public à sa sortie en 1982 et souvent resté dans l’ombre depuis. Deuxième et dernier film entièrement chanté de Jacques Demy, Une chambre en ville est plus noir, plus fou, plus radical dans son esthétique comme dans son propos. Grand film malade, qui exacerbe le parti pris d’« opéra populaire » déjà prôné par Les Parapluies de Cherbourg, Une chambre bénéficie en outre d’une jolie édition, qui rend justice à ses couleurs d’une audace splendide, et propose des bonus plutôt intéressants ; on trouve notamment un montage d’images du tournage, mais aussi de l’enregistrement (préalable) de la bande-son. Un autre bonus propose le témoignage de Gérard Vaugeois, critique à L’Humanité au moment de la sortie d’Une chambre, et qui évoque la polémique ayant opposé les partisans du film à ceux de L’As des As de Gérard Oury, sorti au même moment. L’édition des Parapluies de Cherbourg est également soignée : le film est accompagné d’un extrait du documentaire de Marie Genin et Serge July qui était absent de l’édition simple. Film « en musique, en couleurs, en chanté », Les Parapluies marque la rencontre fondatrice d’un cinéaste avec une actrice – Catherine Deneuve, qui trouve ici son premier grand rôle, et qui inspirera Demy pour trois autres longs métrages –, mais aussi avec la couleur (qu’il ne quittera plus) et avec le chant. Le chant quotidien, spontané, qui donne du relief aux mots, en exacerbe les forces et les faiblesses – et qui redonne leur puissance tragique à des situations ordinaires.

Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe...

En tant que gardienne du temple, Agnès Varda a indirectement contribué à entretenir la douce illusion que le cinéma de Demy n’était que pure fantaisie, construisant de ses propres mains la légende via le documentaire L’Univers de Jacques Demy et faisant en sorte de ne pas trop lever la voix sur les productions des années 70/80. Ainsi, à côté des raretés que sont les courts-métrages de jeunesse, ce coffret est également l’occasion d’apprécier trois long-métrages (L’Evénement..., Lady Oscar et Parking) trop longtemps restés dans le placard. Après avoir déguisé Cherbourg et Rochefort, le cinéaste s’est aussi amusé à travestir les genres, à débrider les sexualités et à se pervertir d’inspirations souterraines. Terrain idéal pour les gender studies, ces intentions sont stimulantes quoique pas totalement assumées, et du trio, seul Lady Oscar parvient à convaincre. Devant ces quelques ratés, le spectateur devient alors le témoin privilégié d’une œuvre qui bute, tâtonne et se retrouve à deux doigts de l’impasse, voire de la stérilité.

L’Evénement le plus important depuis que l’homme a marché sur la lune n’est pas seulement l’un des titres les plus longs de l’histoire du cinéma français : c’est aussi l’une des tentatives les plus queer du cinéma populaire des années 70. Il fallait oser s’attaquer ainsi au couple mythique de l’époque (Deneuve-Mastroianni) pour titiller sa sexualité ! Présent en filigrane dans Les Demoiselles de Rochefort par l’intermédiaire de Monsieur Dame, l’homme-femme passe enfin du stade d’Idée à celui de réalité, et voilà un homme... enceint. Demy se détache de la comédie musicale et s’amuse d’une sympathique screwball comedy réalisée comme un pied de nez à Agnès Varda, féministe dans l’âme et accessoirement enceinte de Mathieu. Le film ne parvient jamais totalement à dépasser le stade de la pochade, même si Demy décale parfois son sujet pour tenter çà et là une critique de la médiatisation via le personnage de Catherine Deneuve. Les séquences les plus convaincantes sont ainsi celles où Demy se laisse aller à une ironie grinçante, comme dans ce passage où le couple assiste à un concert de Mireille Mathieu, numéro de chanson populaire que Demy désacralise en y faisant ressentir à Marcello Mastroianni ses premières nausées, l’obligeant à quitter la salle... Trente ans après, L’Evénement n’en est plus vraiment un, et l’on se dit que le film a plutôt mal vieilli tant au niveau du discours que de son esthétique : trop de fourrures improbables et de fleurs aux tentures ! Mais son défaut principal est d’avoir peur de son sujet, au point d’avorter l’histoire avant son terme. Au final, la grossesse de Marcello Mastroianni n’était qu’une illusion, là où les premières versions du scénario envisageaient un accouchement en bonne et due forme. Demy ou l’art d’un cinéma autophage qui rompt le charme en cours de route et laisse un goût amer d’inachevé.

Mal perçu à l’époque, trop en avance sur les problématiques proposées mais finalement trop tiède dans leur traitement, L’Evénement fut un échec critique et public cuisant, obligeant Demy à habiller ses personnages avec des capitaux étrangers : film de commande financé par une marque de cosmétiques nippone, Lady Oscar a complètement intégré le fait d’être destiné à un public étranger (le film n’a guère été exploité sur notre territoire) et joue donc délibérément la carte du pittoresque en traitant l’histoire de France comme un grand livre d’images animées. Il serait pourtant injuste de réduire Lady Oscar au simple rang de curiosité exotique. Occasion d’entr’apercevoir Lambert Wilson dans l’un de ses premiers rôles, cette adaptation française en langue anglaise du manga Rose of Versailles manie relativement bien les péripéties. Demy nous gratifie également de quelques morceaux de bravoure, comme ce travelling circulaire porté par le lyrisme de la partition de Legrand lorsque Marie-Antoinette retrouve son amant Fersen. Les bonus du DVD nous permettent d’ailleurs de voir Demy à l’œuvre dans des images de tournages très rares.

Le renversement des genres entamé dans L’Evénement Lady Oscar en fait son postulat de départ : comme dans les contes de fées, il a suffi qu’un père dise « ma fille, tu seras un garçon » pour que naisse un nouveau chevalier d’Eon au service de la cour, engendrant son lot de quiproquos, de relations ambiguës et de baisers homosexuels. Avec Lady Oscar, le cinéma de Demy accède enfin à un certain degré de sexualité(s) mais comme toujours, le travestissement ne peut-être que de courte durée et l’ambivalence sexuelle se voit rattraper par la bienséance. A l’instar de L’Evénement, le charme se rompt rapidement et c’est seul(e) dans sa chambre qu’Oscar découvre la nudité de son corps de femme.

Comme beaucoup de films de Demy, Lady Oscar est une marche vers la clairvoyance, celle qui fait comprendre aux garçons qu’ils sont des femmes et aux reines que le peuple meurt de faim... Le côté vignette de la reconstitution historique participe de cette problématique. Comme dans Les Parapluies de Cherbourg où la ville décalée par les couleurs et la musique était une projection de l’univers mental de Geneviève et de Guy, le Paris révolutionnaire et édulcoré de Lady Oscar peut être appréhendé comme le théâtre intérieur de Marie-Antoinette. Et comme dans Les Parapluies, l’ironie tragique est en marche dès les premières images. Si Marie-Antoinette veut faire de sa vie un spectacle de marionnettes en carton-pâte, son royaume illusoire est d’emblée voué à la perte : le temps défile sur les images et se fait de plus en plus pressant, d’abord les années, puis les mois, puis les dates, et la prise de la Bastille.

Troisième film « parisien » du cinéaste nantais, Parking est également le plus bâtard. Demy lui-même n’hésitait pas à renier cette œuvre de sa filmographie. Kitsch dans le mauvais sens du terme (l’enfer en bleu et rouge traduit davantage un manque de moyens qu’un réel parti pris esthétique), souffrant d’une monumentale erreur de casting (Francis Huster, peu crédible dans le rôle d’une rock star, n’a jamais été aussi insupportable, seuls Jean Marais et Marie-France Pisier parviennent à tirer leur épingle du jeu) et d’une partition de Legrand oubliable (mis à part le thème principal tout en envolées lyriques), Parking intéresse finalement plus par ce qu’il aurait pu être que par ce qu’il est réellement.

Aux origines, Demy se serait bien vu explorer les terres de L’Homme blessé, il rêvait aussi d’un hommage à John Lennon/Yoko Ono, et pourquoi pas de ressusciter le mythique Orphée sous les traits de David Bowie. De Monsieur Orphée (l’un des premiers titres envisagés) à Parking, le projet a énormément dévié, victime à la fois des aléas de la production mais aussi du manque de confiance de Demy en ses inspirations souterraines – inspirations underground, devrait-on dire. Il est la preuve que le cinéma de Demy est alors dans une voie de garage qui l’empêche d’assumer complètement noirceur et transgression. D’où cette impression d’avoir plus que jamais affaire à une œuvre inaboutie, à cheval entre deux inspirations à l’image d’Orphée partagé entre Eurydice et son ingénieur du son. Pourtant, jamais – sinon dans Une Chambre en ville – Demy n’avait tenté de se mettre autant à nu. Il évoque la crise de son couple à travers Orphée et Eurydice, affronte face caméra le thème de l’homosexualité latent dans tout son cinéma. Mais autant L’Evénement ou Lady Oscar traitaient avec une certaine légèreté l’ambivalence sexuelle et le retournement des genres, autant Parking traduit une sexualité douloureuse et coupable. Au baiser entre Orphée et Calaïs, la magie inconsciente du montage fait succéder la mort empoudrée et ampoulée d’Eurydice. La question reste alors en suspens, de savoir si cette sexualité coupable qui peine à s’assumer en écriture et en images ne serait pas à l’origine de l’inhibition d’un Minnelli qui se rêvait Fassbinder...

Une chose est sûre en tout cas : revoir Parking à la lumière des autres œuvres de l’intégrale donne à ce film musical en mode mineur un semblant de profondeur et d’intérêt. Il était presque trop attendu que le cinéma de Demy assume un jour sa rencontre avec Orphée, tant le mythe traverse les films antérieurs, se glissant dans l’enfer du jeu de La Baie des Anges, parasitant le départ de Guy pour l’Algérie (« Je m’éloigne de toi, ne me regarde pas »). Mais après tout, pour reprendre les mots de Camille Taboulay, Demy lui-même n’était-il pas perçu comme un Orphée du cinéma, « voyageur d’entre-deux mondes » ?

Suppléments

Etant donnée la beauté de l’objet, on était en droit d’attendre beaucoup des « boni ». Légère déception, surtout lorsque les intervenants, dont on espère une véritable lecture (subjective ou érudite) des films, se livrent davantage à la description, à l’anecdote ou à l’exercice d’admiration qu’au commentaire éclairant. A quelques exceptions près : Benoît Jacquot, Agnès Varda sortent du lot, cette dernière avec des propos inévitablement sentimentaux mais pudiques et sensés. Elle se dit notamment contente que Demy se soit intéressé à la psyché féminine, qu’il ait adapté la seule œuvre qu’elle aurait adaptée si elle ne s’était fixé comme règle de toujours écrire elle-même pour le cinéma. Quant aux lectures du livre de Berthomé par Mathieu Demy, leur intérêt est divers mais ne dépasse jamais celui des textes mêmes. Peut-être le fils du cinéaste aurait-il pu paraître à l’image afin de rendre plus vivantes, plus touchantes ces lectures. Les plus sympathiques restent sans doute les documents d’époque, comme les interviews de Jacques Demy ou les images du cinéaste au travail.

A noter, enfin, qu’un CD précieux accompagne les films : il compile maquettes de travail et séances d’essai des chansons que Michel Legrand mit en musique pour Demy. A écouter comme telles, donc, comme la petite cuisine des produits finis que l’on connaît. Comme il est poignant d’entendre les sobres versions de trois chansons des Parapluies interprétées par Michel Legrand et sa sœur Christiane, qui font ressentir la nouveauté absolue du genre cinématographique et musical que Demy et Legrand inventaient ensemble ! Comme il est étrange et amusant d’entendre un texte connu chanté sur des mélodies inconnues – ou plus encore, sur des mélodies aujourd’hui attachées à d’autres textes connus... La musique de Trois places pour le 26, avec son utilisation calamiteuse de la boîte à rythmes d’un synthé ringard, s’avère, sans surprise, toujours aussi insupportable. Mais la surprise vient d’une chanson non retenue au tournage de ce dernier film : Ensemble, bijou lyrique sur les promesses d’amour non tenues et la volonté de vieillir à deux pour ne plus faire qu’un, vient clore le CD sur une note des plus émouvantes.

Pour plus d’informations :

Fiche technique :

Avec Sean Penn, Josh Brolin, James Franco, Diego Luna, Emile Hirsch  Alison Pill, Victor Garber, Denis O'Hare, Joseph Cross, Stephen Spinella, Lucas Grabeel, Brandon Boyce, Howard Rosenman, Kelvin Yu et Jeff Koons. Réalisation: Gus Van Sant. Scénario : Dustin Lance Black. Directeur de la photographie : Harris Savides. Compositeur : Danny Elfman.

Durée : 128 mn. Actuellement en salles en VO, VOST et VF.

Résumé :

Harvey Milk (Sean Penn) est un des premiers élus américains ouvertement gay. En novembre 1978, ce conseiller municipal de 48 ans est assassiné à San Francisco avec le maire de la ville George Moscone à l'Hôtel de Ville par un autre politicien, Dan White (Josh Brolin). Le film commence alors que Milk, qui habite New York, fête ses 40 ans. Il décide d’aller à San Francisco pour vivre ouvertement son amour avec son partenaire. Il y ouvre un magasin de photo dans Castro Street, le cœur du quartier gay de la ville dans lequel il s’impose bientôt, grâce à son activisme pour la cause gay, comme un personnage incontournable. Il devient le mentor de jeunes activistes comme Cleve Jones (Emile Hirsch). Il se présente sans succès deux fois aux élections municipales. Mais il devient néanmoins de plus en plus populaire, au point que sa réputation s’étend bien au-delà de la ville. Son insistance à vouloir être élu, ce qu’il parvient à faire à son troisième essai détruit le couple qu’il formait, depuis son installation à San Francisco, avec Scott Smith (James Franco). Pourtant après son assassinat, c’est Scott qui s’est occupé de l’héritage et de toutes les affaires ayant trait à la succession. La deuxième moitié de la vie de Scott Smith a été consacrée à préserver la mémoire de Harvey. Quand démarre sa quatrième campagne électorale, Harvey Milk est en couple avec Jack Lira (Diego Luna).

L’avis de Bernard Alapetite :

Avec Milk, Gus Van Sant démontre qu’il peut faire une réalisation cinématographiquement propre quand il se met au service de son sujet ; voilà 15 ans qu’il rêvait de réaliser ce film, et oublier ses velléités auteuristes.

Néanmoins ce cinéaste me parait être l’un des plus surestimés du moment. Son meilleur film, et de beaucoup, Gerry, doit plus à ses deux acteurs scénaristes, Cassey Affleck et Matt Damon, qu’à son réalisateur.

Dès les premières séquences de Milk, en souvenir des précédents films de Gus Van Sant, on est surpris de leur classicisme.

Avant tout, il me parait utile de situer historiquement cette tranche de vie. Lorsqu’elle débute, en 1970, Richard Nixon est président des États-Unis. En 1974 il démissionne (on voit dans le film comment l’affaire Watergate dans la dernière année de la présidence Nixon était une sorte de feuilleton quotidien). Gérald Ford lui succède ; en 1976, ce dernier est battu par Jimmy Carter. La guerre du Viet Nam prend fin en 1973. Dans la nuit du 27 au 28 juin 1969 ont eu lieu les émeutes de Stonewall et quand Harvey Milk s’installe dans Castro Street, le quartier autour est encore majoritairement peuplé d’ouvriers. C’est le tout début d’une sorte de “gentryfication” gay de cette partie de San Francisco... C’est par l’évocation de la naissance de ce célèbre quartier gay que le film est le plus attachant. La réalisation de ce pan du film a certainement été la motivation principale de Gus Van Sant. C’est ce qui transparait dans ses déclarations : « À l’époque, Castro était un refuge. Des enfants homosexuels, qui avaient été jetés dehors de chez eux par leurs parents, s’y présentaient. Des gays de partout dans le monde y venaient... Une fois que Castro est devenu un quartier de référence, un point de convergence, il a été important d’avoir une personne qui parlait au nom de tous ces gens. Et Harvey Milk était l’une des personnes qui parlait directement au nom des habitants de Castro... Les témoins de l’époque m’ont d’ailleurs raconté que, dès qu’un incident survenait, dès qu’il se passait quelque chose dans le quartier, Harvey Milk était là, en avant, à s’occuper de tout... La ville de San Francisco est indissociable de Milk. Nous avons tourné devant le Capitole, dans Castro, etc. Le tournage s’est déroulé dans tous les lieux significatifs de la ville. »

Le film commence sur un cri perçant le silence d’un homme entre deux âges, cachant son visage derrière un journal pendant une incursion de police dans un bar gay, puis il jette le contenu de son verre directement dans l'objectif de la caméra du journaliste des actualités. Dans la séquence suivante, un homme d’une quarantaine d’années parle dans un magnétophone très daté années 70. C'est Harvey Milk prononçant une phrase empruntée au Sunset boulevard de Billy Wilder : «  Ceci doit être écouté seulement si ma mort était causé par un assassinat… »

Pour raconter la vie du célèbre militant de 1970 à sa mort, le réalisateur use donc d’un procédé des plus traditionnels, le héros dicte ses mémoires au magnétophone. Ce qui permet d’utiliser une voix off “naturelle” au cours du film. Ce stratagème, qui peut paraître convenu, est pourtant tiré de la vie même d’Harvey Milk. Ce dernier avait envisagé qu’il pouvait être assassiné en raison de son militantisme pro gay qui lui valait quelques solides haines. Il avait enregistré plusieurs cassettes audio. Elles devaient être écoutées si un des fanatiques qui le menaçaient passait à l’acte. L'une de ces cassettes contenait cette phrase qui deviendra célèbre : « Si une balle devait traverser mon cerveau, laissez-la briser aussi toutes les portes des placards. » (“If a bullet should enter my brain, let that bullet destroy every closet door”). Milk faisait référence aux homosexuels qui cachent leur préférence et craignent de faire leur coming-out (la sortie du placard).

Si ces commentaires au magnétophone évitent au cinéaste des reconstitutions aussi couteuses que difficiles à réaliser, il l’oblige à mettre à l’écran l’image récurrente et statique du comédien débitant son texte d’une voix atone dans un micro. Ce plan, très laid et peu cinématographique, casse le rythme du film qui ne semble souvent n’être que l’illustration des paroles de Milk/Penn. Gus Van Sant aurait du superposer plus souvent au texte débité par Sean Penn des images d’époque que par ailleurs il mêle habilement aux prises de vues d’aujourd’hui. L’atmosphère du Castro Street de la fin des années 70, que j’ai eu la chance de connaitre, est bien évoquée.

Le film n’est jamais aussi bon que lorsque Gus Van Sant laisse jouer ses acteurs et donne aux séquences une longueur suffisante, comme celle narrant la première campagne électorale de Milk, où ils peuvent s’exprimer. Malheureusement souvent le montage haché tue à la fois le romanesque du film et son aspect documentaire. Rien n’a le temps de s’installer.

Sean Penn a réussi à se faire la tête d’Harvey Milk. Il est impressionnant de vérité et mérite son Oscar. Le rôle de Daniel White, l'assassin de Milk, qu’interprète Josh Brolin avait d'abord été proposé à Matt Damon qui l’a refusé.

La reconstitution des années soixante-dix est soignée, même si comme à l’habitude cela rutile un peu trop et que les looks sont un peu caricaturaux comme si sous prétexte que cela se passe en 1978 chacun s’était mis fissa à la mode du jour.

Gus Van Sant, en bon communautariste, s’est surtout intéressé dans la vie de Milk au militant gay. On sait en définitive peu de chose sur le Harvey Milk d’avant 1970. Sa rencontre avec son futur amant Scott Smith (James Franco) dans le métro new-yorkais et la plaidoirie pour qu’il connaisse le sexe avant quarante ans au joli garçon laisse perplexe (autant le jeune homme que le spectateur) tant la façon dont cette scène est présentée ne parait pas crédible.

Le film est sorti juste pour le trentième anniversaire de la mort d’Harvey Milk. Le moment était en outre bien choisi car toute la communauté gay se mobilisait alors contre la proposition 8 qui interdisait le mariage gay en Californie. À la première de Milk au Castro Theater de San Francisco le 29 octobre 2008 (presque en face d’où Harvey Milk tenait son magasin de matériel photographique), les acteurs, scénaristes et producteurs du film ont arboré le badge rouge vif « NO 8 ». Cette situation de conflit et de revendication n’était pas sans rappeler les combats du militant gay qu’était Harvey Milk. Durant les onze mois durant lesquels il a été conseillé municipal de San Francisco, il s'était opposé aux lois homophobes alors en vigueur aux États-Unis. Il soutint un projet de loi pour les droits des homosexuels et surtout il s'opposa à la Proposition 6, un projet de loi du sénateur Briggs soumis à référendum, qui aurait autorisé le licenciement des enseignants ouvertement homosexuels.

Le procès du meurtrier a connu un grand retentissement et a encore accru la célébrité de Milk. Son assassin n’a été condamné qu'à 7 ans et 8 mois de prison. Le jury n’a pas retenu la qualification de meurtre mais seulement celle d’homicide involontaire. Dan White fut considéré comme irresponsable de ses actes à cause d’un abus… de nourriture ! L’énoncé du verdict déclencha des émeutes dans San Francisco. Elles furent durement réprimées par la police. Elles sont connues sous le nom d' « Emeutes des nuits blanches ».

La vie d'Harvey Milk a déjà inspiré un opéra, plusieurs chansons et des pièces de théâtre. Un film, The Times of Harvey Milk, a été réalisé en 1984.

Cette biopic un peu terne, à la réalisation un peu scolaire (mais c'est le genre qui veut cela) est bien utile pour la connaissance de l’histoire du mouvement gay, comme l’est Stonewall de Nigel Finch dont malheureusement Milk ne possède pas la fraicheur. Mais le film est transcendé par l'interprétation de Sean Penn, véritablement habité par son personnage.

Nota : Je n'ai vu ce film qu'en anglais, je n’ai donc certainement pas compris certaines subtilités des dialogues, en outre je n'ai visionné Milk que sur le petit écran de mon ordinateur, ce qui n'est pas l'idéal pour juger de la qualité de ses images...

L’avis de Voisin Blogueur :

Gus Van Sant se penche sur le destin d’Harvey Milk (Sean Penn), premier homme ouvertement gay à avoir été élu à des fonctions officielles. Huit années dans la vie de ce personnage charismatique qui va passer de banal gay acceptant tête baissée les brimades de la police à un militant combatif et de plus en plus influent. De la rencontre avec l’homme de sa vie, Scotty (James Franco) à ses premières élections difficiles, ce biopic engagé retrace aussi et surtout la naissance d’une communauté homosexuelle qui demande l’égalité. Bienvenue dans la Californie des années 70, pas très ouverte à la tolérance…

Le cinéaste Gus Van Sant revient à Hollywood pour réaliser une histoire qui lui tient à cœur, celle d’Harvey Milk. La réalisation est très sobre mais assez élégante et le scénario (signé Dustin Lance Black, oscarisé en cette année 2009) bien fichu. Mais ce que l’on retiendra surtout c’est bien sûr l’interprétation de Sean Penn (lui aussi primé pour ce projet). Acteur caméléon, artiste total, il EST Harvey Milk. Beaucoup de justesse dans ce rôle habité qui offrira un bon lot d’émotions aux spectateurs. On connaît certes déjà la fin tragique, annoncée dès les premières minutes, et pourtant le cinéaste parvient à rendre le tout très haletant, nous donne envie de croire que notre bas monde n’est pas si mauvais.

Portrait d’une société arriérée, dénonciation d’une Église catholique, de ses représentants et fidèles fanatiques qui appellent au mépris de la différence plutôt qu’à l’amour de son prochain, ce film résonne malheureusement avec notre société actuelle. Alors, certes, les choses ont bien changé depuis. Mais quand on voit les propos de notre cher Pape actuel et de certaines personnalités politiques, on se dit qu’il y a encore bien du chemin à faire pour que tout le monde vive sur un pied d’égalité. Éternel et triste débat. Van Sant pointe du doigt l’amalgame atroce entre homosexuels et pédophiles, employé pour stigmatiser les gays comme des déviants, des personnes ayant opté pour le mal, alors que c’est bien connu, on ne choisit pas sa sexualité.

Je l’avoue, c’est un film qui m’a fait vibrer, étant gay moi-même. Et qui m’a aussi, forcément, fait froid dans le dos. Pour ce qui est de l’œuvre elle-même, il y a un côté académique mais le réalisateur peut s’appuyer sur un récit extrêmement fort et a su choisir un casting assez fabuleux. Il est également important de souligner que Harvey Milk évite le manichéisme : l’assassin de Milk étant plus montré comme une victime, un homme faible qui craque sous la pression, que comme un bourreau sans cœur. Le passage de l’assassinat n’est d’ailleurs pas sans rappeler un certain Elephant. Même s’il signe une œuvre très universelle et qui a pour espoir d’amener à réfléchir un grand public encore soumis à de gros préjugés, Gus Van Sant laisse sa trace, filmant les acteurs avec un réel désir (ah les photos de James Franco…) et livrant un énième long-métrage sur une personne en marge de la société, qu’elle le veuille ou non.

Propos fort, œuvre engagée et accessible, ode au militantisme, Harvey Milk est une œuvre à voir. Ne serait-ce que pour honorer la lutte de cet homme que l’Histoire a plus ou moins omis de mettre vraiment en lumière.

L’avis du Dr Orlof :

Je m'y attendais ! Je sentais qu'il ne fallait pas aller voir ce film ! J'en avais vu la bande-annonce et j'avais alors eu le sentiment que tout était déjà dit. Effectivement, le nouvel opus de Gus Van Sant (pincez-moi : c'est bien lui qui a réalisé Elephant ?) est un biopic qui déroule son programme convenu de A jusqu'à Z en suivant les traces du premier élu américain ayant affiché publiquement son homosexualité, de ses débuts de militant jusqu'à sa sanctification (comme chez Eastwood, le héros se sacrifie pour le bien de la communauté).

Sean Penn incarne avec une certaine conviction Harvey Milk même si son interprétation a presque quelque chose de « redondant » tant les récentes prises de position publiques de l'acteur semblent se superposer à celles du personnage.

Voilà donc Sean Penn en héraut du progressisme et de l'avancée de la démocratie. Il y aurait beaucoup à dire sur les enjeux « idéologiques » du film et j'avancerai volontiers, à propos de l'homosexualité, ce que je disais dans ma cave à propos du féminisme : autant j'admire les pédés flamboyants qui se sont élevés en tant qu'individu contre l'infamie des conventions sociales (un toast à Oscar Wilde, Jean Genet, Fassbinder, Pasolini, Guy Hocquenghem et tant d'autres), autant je méprise royalement les revendications purement communautaristes et ce fonctionnement en lobby dont Harvey Milk est l'un des précurseurs (voir à ce propos l'infâme démagogie de certains élus qui ont fait récemment leur « coming out » en prenant la pose du progressisme alors qu'ils ne risquent absolument plus rien, l'homosexualité étant, et c'est tant mieux !, globalement acceptée par tous).

Je ne veux pas jouer les Philippe Muray à la petite semaine mais Harvey Milk n'a rien d'un révolutionnaire. Au contraire, c'est quelqu'un d'extrêmement conformiste, qui veut absolument s'intégrer et qui s'inscrit d'emblée du côté du Bien. Évidemment que personne ne peut décemment être aujourd'hui pour la discrimination envers les homos et que les figures de bigots d'extrême droite ne peuvent être que répugnantes pour le spectateur. Et pourtant, il y a quelque chose d'un peu effrayant dans cette volonté (ça ne concerne évidemment pas que la communauté gay) de réclamer plus de droits, le lois et de règlements au nom du Bien [1].

Du coup, revenons au film, Gus Van Sant fait immédiatement de son personnage une figure de saint laïc sans nuances. Aucune zone d'ombre, pas d'ambiguïté (ne serait-ce que dans son rapport au pouvoir) et un destin tragique qui ne peut que tirer des larmes de crocodile et mettre dans sa poche le spectateur.

Voilà encore du cinéma qui se contente d'être au service d'une Cause (qu'elle soit juste ou non, ce n'est pas le problème) et qui utilise toutes les techniques les plus convenues pour emporter l'adhésion du spectateur. Il faudrait que je développe un jour cette idée mais Gus Van Sant a recours au syndrome « petite robe rouge » de La Liste de Schindler. Il s'agit, dans des films qui évoquent des destins collectifs (la Shoah, l'émancipation des gays...) d'individualiser soudain une souffrance pour permettre l'identification du spectateur et justifier le propos. Ce syndrome, qui me semble être une technique assez roublarde et ambiguë, Van Sant l'utilise avec le personnage d'un jeune handicapé, au bord du suicide parce qu'il vit dans une ville de province rétrograde et qu'il souffre de son homosexualité. Quoi de plus émouvant qu'un jeune homme homosexuel et rejeté (victimisation) qui, de plus, est handicapé (encore plus minoritaire). Dès lors, c'est cet exemple individuel qui semble impulser de l'énergie à la cause d'Harvey, soit un recours à des ficelles mélodramatiques assez lourdes.

Pour rester dans le domaine du « biopic », Harvey Milk m'a fait songer au film de Milos Forman Larry Flynt. Or si le film de Forman (qui n'est pas son meilleur) me paraît mille fois plus passionnant, c'est qu'il y a une espèce de « dialectique » (pardon pour les grands mots) entre la cause défendue (la liberté d'expression, l'article 1 de la Constitution américaine) et le personnage qui n'a rien d'un saint. Le cinéaste parvenait parfaitement à mettre à jour cette contradiction : comment défendre un personnage peu sympathique (Larry Flynt est avant tout un marchand de soupe, un capitaliste roublard et un pornocrate plutôt vulgaire) au nom d'une cause juste ? Chez Gus Van Sant, il n'y a rien de ça : la Cause est juste (jamais la moindre contradiction n'est apportée), le personnage est un Juste (encore une fois, c'est un saint laïc) et le cinéaste n'a plus rien d'autre à faire que d'illustrer cette tautologie.

Du point de vue de la mise en scène, le cinéaste a suffisamment de métier pour impulser un certain rythme à son récit (le montage parallèle entre les images d'époque et la fiction est assez intéressant) mais c'est d'un classicisme sans relief et sans invention (à deux ou trois exceptions près). Encore une fois, même sans revenir sur ces sommets que constituent Gerry et Elephant, il me semble que Gus Van Sant avait plus de punch et d'ironie dans ses films « grands publics » comme Will Hunting ou le délicieux Prête à tout.

Harvey Milk est un film à thèse à la Hollywood, c'est-à-dire assez roublard et extrêmement bien-pensant. Résultat, le spectateur s'ennuie et ne rêve dès lors plus qu'au prochain film du cinéaste, en espérant sincèrement qu'il retrouve des sentiers plus personnels...

[1] Lu dans Télérama de cette semaine, cette brève qui fait froid dans le dos : « Escroqueries, atteintes aux mineurs, propos racistes... En un mois et demi, 300.000 internautes se sont connectés sur www.internet-signalement.gouv.fr, et plus de 7000 affaires suspectes ont été révélées, se félicite Michèle Alliot-Marie ». On voit que la délation a toujours de beaux jours devant elle dans notre belle France ! Mais toujours au nom du Bien suprême!

L’avis de Psykokwak :

Il y a trente ans Harvey Milk, le premier conseiller municipal ouvertement gay était assassiné en même temps que George Moscone le maire de San Francisco. Il y a presque six mois les électeurs de Californie plébiscitaient la proposition 8 qui interdit le droit au mariage pour les gays et les lesbiennes.

Harvey Milk de Gus Van Sant retrace la petite dizaine d’année (1970-1978) de la vie publique et sentimentale de ce pionnier de la défense de la cause altersexuelle. Les premières images rappellent qu’à New York à la fin des années 60, les descentes de police dans les lieux de rencontre gay étaient monnaie courante, et qu’il fallut attendre la révolte de Stonewall (1969) pour qu’elles diminuent. Harvey (Sean Penn) va avoir quarante ans, il drague Scott (James Franco) un charmant choupinou.

Ensemble ils décident de quitter la côte est pour San Francisco, la ville des communautés hippies, de la maison bleue adossée à la colline. Ils s’installent et ouvrent un magasin de photos CameraCastro sur Castro street en passe de devenir le quartier gay de la ville, sorte d’Eden et le lieu de convergence de tous les pédégouines en quête d’un endroit accueillant. Face aux vexations et au traitement de citoyens de seconde zone, Harvey et quelques amis décident de se lancer dans l’action politique pour faire reconnaître leur existence. Encouragés par quelques soutiens et réussites, boycott de produits et d’entreprises anti gay, ils investissent la scène électorale même si leur action se veut plus radicale. Après deux échecs et une réforme du système électoral, Harvey est élu conseiller municipal (superviseur de son district) et pendant une petite année il va se servir de cette tribune pour lutter contre les attaques homophobes de la droite puritaine américaine. Les Anita Bryant et autre sénateur John Briggs ne se priveront pas de vilipender, d’insulter les gays en voulant leur interdire de bénéficier des mêmes droits que n’importe quel citoyen américain et ils voudront leur interdire l’exercice des professions d’enseignant (l’abjecte proposition 6).

Harvey Milk amalgame harmonieusement la fiction avec des images d’archives et dessine une biographie filmée à la limite de l’hagiographie de ce militant. Film à mon sens indispensable et nécessaire. Aujourd’hui, dans nos grandes villes occidentales, il est de bon ton de croire que l’homosexualité s’est dissoute ad vitam eternam dans un large consensus social. La mémoire à très court terme et le « tatalandocentrisme » scotomisent qu’à peine trois heures d’avion d’ici, le fait de vivre son altersexualité vous envoie en prison ou plus sûrement vous oblige à vivre masqués. De même qu’il n’est pas nécessaire de remonter loin pour se souvenir des insultes homophobes au moment du Pacs et que continuent de déverser de leur haine les Vanneste, Benoît XVI et consorts.

Le scénario emprunte la narration linéaire, épaulé par la voix off de Harvey qui accompagne son parcours amoureux et public pendant ces huit années. Porté par une ferveur militante il décrit la montée de la revendication des altersexuels ostracisés. Harvey a commencé sa lutte en créant une association de commerçants gays et il louvoie entre un radicalisme éclairé et la voie légale et civique. Sa démarche demeure déterminée, intangible pour obtenir le respect du à tout citoyen quelque soit son orientation sexuelle. Le film souligne la dimension collective de cette lutte incarnée par Harvey. Ainsi, il enjoint fermement tous les homos à sortir du placard, d’affirmer son orientation sexuelle à sa famille, sur son lieu de travail. Faire la publicité de sa différence représente le moyen le plus sûr d’ouvrir les yeux aux gens hostiles par ignorance et préjugé. Lui même le déclare quand pressentant son possible meurtre il dit si une balle devait traverser mon cerveau, laissez-la briser aussi toutes les portes des placards.

Harvey Milk passe de la lutte individuelle à une prise de conscience collective, de la nécessité du rassemblement du plus grand nombre pour obtenir satisfaction.

Le film navigue entre le parcours social et intime du protagoniste et de ses compagnons. Le cinéaste filme avec pudeur la scène d’amour entre Harvey et Scott, avec de très gros plans, un peu flous sur des détails corporels. Il le surprend draguant librement, nous sommes juste avant les années noires du Sida. Quand Scott s’éloignera, Harvey s’attachera à Jack (Diego Luna), un jeune latino un peu borderline avec passion et tendresse comme l’est son action politique. Le film nous ramène dans le Castro des seventies, qui n’a pas vraiment beaucoup changé, et que le réalisateur a tenu à reconstituer avec minutie. Le magasin de photo a été reconstitué à l’endroit même, face au théâtre Castro, l’appartement d’Harvey est utilisé comme décor et l’ambiance, les fringues et les dégaines de l’époque sont fidèlement reproduits.

Gus Van Sant imprime au récit une force érotique non seulement dans les séquences amoureuses, et aussi dans les liens entre les protagonistes et qui contaminent leur rapport dans leur action sociale et politique. Cette dimension du désir érotique s’actualise dans la tension entre Dan (Josh Brolin) et Harvey. Dan qui condense le négatif d’une bienveillance à l’égard de l’altersexualité présente des failles que Harvey exploite. Le film suggère que le militant était sensible à la personne de son adversaire et l’épilogue tragique en rend compte. Gus Van Sant joue sur cette ambiguïté, sur la séduction déstabilisante d’Harvey pour l’autre élu ce qui donne à la narration une tension dramatique, d’une histoire dont nous apprenons d’emblée la tragique destinée.

Le personnage d’Harvey Milk frôle la statue du martyr au sens qu’il parait difficile de lui reprocher des aspects troubles, ce qui n’est pas le cas pour Dan qui personnalise ici les figures rétrogrades de la société américaine anti gay. Mais il n’est pas autant sanctifié. C’est un individu qui prend la parole en disant je suis Harvey Milk et qui à son niveau lutte pour modifier l’acceptation de l’homosexualité. Le pouvoir ne l’intéresse pas même si par la force des choses il devint en quelque sorte le maire de Castro. Ma critique ?  peut-être une tendance manichéenne dans la présentation, mais cela risquait d’affadir le propos du film.   Le cinéaste dépeint l’histoire exemplaire d’un homme simple animé d’une conviction et d’un hédonisme solaire sous la menace pas simplement fantasmée d’un acte meurtrier. Sa crainte d’être la cible d’un fanatique le conduisait à profiter au maximum de la vie au jour le jour. Les acteurs donnent corps à cette histoire, avec la beauté généreuse de James Franco, la fraîcheur de Emile Hirsch qui interprète Cleve Jones, le premier directeur de campagne, et la complexité sombre de Josh Brolin. Quant à Sean Penn il habite son personnage avec une grande conviction et humanité. La relative platitude de la mise en scène est bousculée par des trouvailles, les séquences d’ouverture et de fin, des accélérations et par la tension qui sous tend le récit. Un film indispensable et beau.

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