Fiche technique :
Avec Ohad Knoller, Yehuda Levi, Assi Cohen, Aya Koren, Hani Furstenberg, Sharon Regiano, Yuval Semo, Yaniv Moyal, Hanan Savyon et Erez Kahana. Réalisé par Eytan Fox. Scénario : Avner Bernheimer. Directeur de la photographie : Yaron Scharf. Compositeur : Ivri Leder.
Durée : 71 mn. Disponible en VO, VOST et VF.

Résumé :
Basé sur une histoire vraie, Yossi et Jagger dépeint la liaison amoureuse de deux officiers israéliens dans une base militaire à la frontière Israélo-Libanaise. Ils sont soldats, ils sont amoureux l’un de l’autre, et ils essayent de trouver leur propre place dans un système opprimant et rigide, qui les envoie pour défendre une cause dans laquelle ils ne croient pas nécessairement.
Yossi et Jagger dépeint la vie de jeunes Israéliens aujourd'hui. Le film présente un ensemble de jeunes hommes et femmes qui sont supposés, dans cette période de leurs vies, danser, étudier et aimer. Au lieu de cela, en raison du service obligatoire d'armée et de la situation compliquée dans la région. Ils doivent consacrer leurs plus belles années à leur pays, pour être des soldats, pour tués et être tués.Ce film raconte l'histoire de ces jeunes gens essayant de survivre dans un monde impossible.

L’avis de Arnaud Gallay :
Havatzelet, une station d’observation perdue quelque part dans les neiges de Haute Galilée, à la frontière syrienne ou libanaise. Engagé dans le Tsahal – l’armée israélienne – Yossi, le jeune commandant bourru, batifole secrètement avec Lior, son second. Quant aux autres soldats, lorsqu’ils ne sont pas en faction, ils bouffent des Flips (« la nourriture des héros »), improvisent une techno party dans le dortoir, s’initient à la confection de sushis au corned beef, et, bien sûr, flirtent – car oui, il y a aussi deux meufs à Havatzelet. L’une s’envoie de mauvaise grâce le colonel, tandis que l’autre attend un prince charmant qu’elle imagine sous les traits de Lior. Tout est là pour un marivaudage en vert-de-gris, tant la guerre et la mort sont lointaines... sauf qu’une « embuscade » se prépare. Bientôt tout s’obscurcit, les scènes légères et décalées font place à une atmosphère étrange et tendue.


Un des aspects les plus remarquables de Yossi et Jagger est de dépeindre des rapports amoureux (et sexuels) empreints de contrainte, exacerbés ou frustrés par la discipline militaire. Depuis son premier long-métrage, After en 1990, où un soldat en permission tombait sur son supérieur en pleine action... dans un parc public, c’est visiblement un sujet qui tourmente Eytan Fox. « Toute l’expérience militaire vient pour nous à un âge critique, explique-t-il. En sortant du service, j’ai tout de suite voulu en faire un film. Rétrospectivement, je réalise que c’était une forme de défoulement, le pur produit des frustrations qui m’ont été imposées dans l’armée comme dans la société. »
Fox poursuit : « Entre temps, Israël a changé. Moi-même, en tant qu’homme et en tant que réalisateur, je me suis autorisé à être plus romantique. Je me permets maintenant de parler de relations où l’amour et le long terme sont en jeu. »
Pour autant, Yossi et Jagger ne joue ni sur la guimauve, ni sur le contraste entre un pur amour et l’hostilité ambiante : « Ce n’est pas vraiment un film qui dénonce l’homophobie dans la mesure où personne ne voit, ou ne veut voir l’homosexualité: ni l’armée, ni la famille. Si homophobie il y a, elle est intériorisée: ainsi Yossi est sûr que l’on ne peut pas être à la fois un gai et un bon officier – un vrai homme en somme. »
Réalisé pour la télévision, Yossi et Jagger a remporté en Israël un succès considérable, sur petit, puis sur grand écran. Fox admet que cet accueil avait initialement un lien avec la présence dans la distribution de l’idole des adolescentes, le sexy – et très straight – Yehuda Levi (Lior).


Mais le succès a révélé un engouement plus profond. « Au départ, le film est inspiré d’une histoire véridique de l’un de mes amis pendant le conflit libanais. Or, j’ai réalisé qu’avec les circonstances actuelles, une relation intime se créait entre le film et un public très large. A ma grande surprise, j’ai vu que beaucoup allaient voir le film en groupe ou en famille, et restaient dans la salle après la fin du générique pour discuter. En fait, je crois que les gens ont vraiment besoin d’une manière d’exprimer leur émotion, et de mettre à plat la confusion et le trouble qui les habitent en cette période. Et de réaliser, je l’espère, que nous sommes en train de perdre la partie au profit de la guerre. »
À l’inverse, certains critiques israéliens ont reproché à Yossi et Jagger d’avoir adapté un mythe militariste et patriotique aux gays. La controverse agace prodigieusement le réalisateur : « C’est si loin de la manière dont Yossi et Jagger a été perçu ! En plus, l’histoire est tout sauf héroïque : il n’y a pas de combat, pas d’ennemi... La plupart des personnages se foutent de l’armée, de la patrie et du sionisme. Tout ce qu’on voit, c’est l’absurdité de leur situation. » Il ajoute : « J’ai tenté de parler de l’acceptation de soi et des autres à travers ce qui pour moi est le plus profond et le plus intime en tant qu’Israélien, antimilitariste de gauche, et aussi en tant que gay. Au bout du compte, je crois pouvoir faire bouger les choses en choquant, en émouvant, et en trouvant de vrais sujets. À ce titre, je reste persuadé qu’avant de pouvoir résoudre leurs relations de voisinage, les Israéliens doivent se regarder dans une glace, et commencer à s’occuper d’eux-mêmes. Ils sont incapables de faire la paix parce qu’ils sont tellement terrorisés, tellement à côté de leurs pompes... Il n’empêche, c’est à nous de faire le pas, parce que dans cette histoire nous sommes les agresseurs – ou peut-être des pères indignes. »


Son format ramassé rapproche Yossi et Jagger d’une fable sur « les conséquences tragiques de vivre dans le non-dit ». Du coup, le film paraîtra sans doute un peu trop lisse et linéaire à certains. Et c’est vrai, l’émotion y tourne à vide par moments.
Mais toute prévisible qu’elle soit, l’histoire tient la route, soutenue par un humour omniprésent, allant du potache absurde à l’ironie sombre du dénouement. Par ailleurs, les personnages demeurent formidablement crédibles et attachants ; on les voit céder aux règles militaires, à leurs propres préjugés, et au fond, à leur incapacité à communiquer. Ainsi le romantisme de Yossi et Jagger n’est pas gratuit ; il propose de montrer une communauté détruite non pas tant par la guerre que par la peur: celle de sortir du rang pour dire non à la contrainte et non au silence.


L'avis de Matoo :
J’avais vraiment beaucoup aimé Tu marcheras sur l’eau du même réalisateur israélien, Eytan Fox, et le sujet m’a tout de suite donné envie de voir ce film-là, pourtant antérieur. Il ne passe qu’au cinéma le « Quartier Latin », mais je crois qu’il a même été diffusé sur Arte. Ce film très court (un peu plus d’une heure) et à la réalisation un peu artisanale, raconte l’histoire d’amour entre deux soldats. L’un, Yossi, est un militaire de carrière et commandant de ce qu’on peut prendre pour un poste frontière. L’autre, Jagger, est un appelé qui aura bientôt terminé son service.
On découvre rapidement l’accointance particulière entre les deux héros, et le réalisateur ne se penche pas du tout sur la genèse de leur idylle. Les deux personnages représentent deux types très différents d’hommes et d’homosexuels. On sent Yossi particulièrement « straight-acting » et opportuniste, alors que Jagger est manifestement un homo qui s’assume.


Le film se déroule dans un endroit reculé en pleine montagne et dans la neige. Il n’y a qu’un groupe de soldats (dont Yossi est le chef) pour garder la place, et partir de temps en temps en manœuvres. La relation entre les deux protagonistes principaux est discrète mais leur intimité et complicité se remarquent, jusqu’à susciter quelques réactions. Jagger est un très beau mec, et son indifférence aux jolies filles du groupe le rend quelque peu suspect. On suit la vie au quotidien de ces soldats, appelés pour la plupart, et dont le service militaire est à la fois long et dangereux, puisqu’ils peuvent être mis en péril dans des combats réels.
J’ai été sous le charme de ce film car, comme une midinette, l’histoire m’a vraiment plu. Et du coup les maladresses, et de réalisation et de scénario, ont plus été perçues comme les charmantes hésitations et gaucheries d’un premier film que comme des bévues impardonnables. La manière dont il a figuré la relation entre les deux hommes, et les ébauches de personnalités, m’ont énormément touché. L’amour, le désir et la complicité sont véhiculés avec une force et une simplicité remarquables.
Cela reste un film court et qui aurait mérité qu’on s’attarde un peu plus sur les personnages (principaux et secondaires) et qu’on étoffe un peu les diverses intrigues. Mais il possède un charme et des atouts indéniables. Il faut que j’ajoute que le charme des deux héros n’est pas non plus étranger à mes émois…
Pour l’anecdote, l’armée israélienne n’a pas soutenu le film, mais pas parce qu’il s’agissait d’une relation homosexuelle entre deux militaires. Non, simplement car une relation entre deux soldats de grades différents est inconcevable. Mouaaaarf !
À noter aussi que le coup de la « Playstation hongroise » est assez irrésistible.


L'avis d’Alex :
Quelques années avant le magnifique Tu marcheras sur l'eau qu'il est criminel de ne pas avoir vu, Eytan Fox avait réalisé ce petit film que l'on peut enfin voir à Paris au cinéma Quartier Latin (le film est aussi disponible en DVD).
Yossi et Jagger traite de l'histoire d'amour entre deux hommes de l'armée israélienne dans un poste frontière. Tout comme dans Tu marcheras sur l'eau, Eytan Fox mêle une histoire d'individus à l'histoire des peuples, de la fraternité ou de l'amour qui naît dans un contexte de guerre ou de haine. Évidemment Yossi... n'est pas aussi abouti que Tu marcheras... (que je n'hésite pas à qualifier de chef d'œuvre). Le film possède de nombreuses faiblesses (réalisation pas toujours maîtrisée, scénario hyper classique, musique et chansons un peu trop présentes) mais qui font aussi le charme des premières oeuvres.


Ces défauts ne doivent cependant pas retirer au film ce qui fait sa valeur. En voulant parler d'une histoire d'homosexualité au sein de l'armée israélienne, Eytan Fox s'est attaqué à un tabou. Ce qui est admirable, c'est que le film peut paraître dérangeant pour certains mais qu'il n'est jamais provocant. Loin de tout désir de polémique, Eytan Fox recherche l'émotion brute. Ce que l'on lit sur le visage des personnages c'est la frustration, le désir, la recherche d'amour et l'envie de paix qui font surgir la lumière et la chaleur dans l'univers glacial du poste frontière. À tout cela se greffe une petite parabole sur la vanité des hommes et de leurs actions et sur l'absurdité des guerres (à aucun moment on ne voit ni ne devine l'ennemi – les soldats se battent contre rien). Comme dans Tu marcheras... ce propos n'est pas martelé à grand renfort de violons mais tient plus de la constatation désabusée. Et au delà de tout, si le film parvient à nous faire verser quelques larmes, c'est bien à cause de cette histoire d'amour « comme dans les films hollywoodiens » et du dernier sourire de Yossi qui sait qu'il a été le seul à connaître et aimer Jagger.


Pour plus d’informations :

Par Isabelle Darmengeat, réalisatrice.

Mon intérêt pour l’histoire et en particulier la période touchant à la seconde guerre mondiale fut un des éléments qui me conduisirent à la réalisation documentaire. Face à l’horreur des camps, de l’holocauste, se mêlaient ma passion de l’histoire, et mon combat contre toute forme d’intolérance.

Participer à un travail de mémoire en transmettant l’histoire de l’holocauste, c’était mettre en évidence le lien, souvent nié, entre la haine qui a conduit à l’extermination de millions d’individus, et le racisme, sous toutes ses formes, tel qu’on le connaît aujourd’hui.

Pourtant le projet de réaliser un documentaire sur la déportation homosexuelle ne date que de 2002.

Jusqu’alors je ne m’étais pas intéressée à ce drame qui toucha ma communauté. La déportation des homosexuels par les nazis avait été citée dans certains de mes cours d’histoire (je me rends compte à présent que j’ai eu de bons professeurs…), je connaissais le symbole du triangle rose visible dans toutes les plaquettes pédagogiques représentant les différents symboles utilisés par les nazis pour distinguer les catégories de déportés en fonction du motif de leur incarcération (étoile jaune pour les juifs, triangle rouge pour les politiques, marron pour les Tziganes, rose pour les homosexuels…). Même si je n’en connaissais pas tous les détails, je savais donc que les homosexuels avaient été persécutés par les nazis, et je n’imaginais pas que cela pu être contesté.

Je ne pris conscience du réel état des lieux de la reconnaissance de la déportation homosexuelle en France que suite à la déclaration de Lionel Jospin en 2001, et aux réactions qui suivirent.

« Il est important que notre pays reconnaisse pleinement les persécutions perpétrées durant l'Occupation contre certaines minorités – les réfugiés espagnols, les Tziganes ou les homosexuels. Nul ne doit rester à l'écart de cette entreprise de mémoire. » Lionel Jospin, 2001

Ces réactions sont de deux natures, la surprise : la France semblait découvrir l’existence d’une déportation homosexuelle ; le rejet, souvent haineux, d’une telle reconnaissance, rejet provenant même d’anciens déportés (juifs, politiques…) qui non seulement niaient la réalité de la déportation des homosexuels, ou pire encore, niaient que cela fût un crime.

La vision individuelle de l’homosexualité parasitait le devoir de mémoire, la déportation homosexuelle était niée parce la notion même d’homosexualité était rejetée. L’homophobie collective avait provoqué l’enterrement du devoir de mémoire.

C’est à ce moment là que j’ai commencé à faire des recherches approfondies sur le sujet, et ma méthode de travail était dans cette première phase très universitaire : lectures d’ouvrages, recherches d’archives, de témoins, cadre précis du motif de la persécution des homosexuels (motif, temps, nombre d’individus touchés, pourquoi seulement dans les territoires annexés au Reich), reconnaissance de cette déportation en France et en Europe, témoins connus et le travail des associations LGBT (je cite à ce propos l’excellent site des Triangles roses qui regroupe nombre d’informations et de documents sur le sujet : www.triangles-roses.org).

Pour réaliser un film historique, il me fallait tout d’abord endosser l’habit d’une historienne, d’une chercheuse. La déportation homosexuelle était encore niée, Pierre Seel était encore traité de mythomane, tout ce qui allait être dit dans mon film, tout ce que j’allais montrer devait être vérifiable, et provenir de sources fiables, il ne fallait pas laisser de place à l’erreur.

Au cours de mes recherches, je me souviens de ma consternation à la lecture d’articles de presse retraçant le déroulement de cérémonies du souvenir de la déportation où les associations gay étaient au mieux parquées derrière des grilles et priées d’attendre la fin officielle de la cérémonie pour pouvoir rendre un hommage aux homosexuels persécutés ; dans certain cas repoussées violemment par les forces de l’ordre, ou encore agressées verbalement et physiquement par quelques anciens déportés ou anciens résistants.

Je me souviens surtout des larmes qui me montaient aux yeux à la lecture de ces événements, des insultes proférées : « On devrait rouvrir les fours pour eux » (Cérémonie du souvenir 1985, Besançon).

L’homophobie, les insultes, voire même les coups, face à des racistes affichés, à des militants d’extrême droite ; quand on est homosexuel on s’y attend, on s’y prépare. Mais émanant d’individus qui ont eux-mêmes été martyrisés en raison de leur identité (qu’elle soit religieuse ou politique), cette homophobie-là fait plus mal, est plus intolérable, parce qu’elle surprend là où on ne l’attend pas.

Loin de moi l’idée de généraliser ce comportement à tous les anciens déportés et d'opposer gays et déportés/résistants. Je ne rapporte ici que quelques faits réels dont il me semble important de faire mention parce qu’ils révèlent jusqu’où l’homophobie peut se nicher. Cependant, j’ai au cours de mon travail sur Amants des hommes rencontré nombre d’anciens déportés et d’associations qui se joignent aux associations homosexuelles pour une reconnaissance de toutes les persécutions.

Dans ma recherche d’archives, de documents, j’ai également pu constater la quasi inexistence d’œuvres traitant de la déportation homosexuelle. Quelques livres, dont le récit de Pierre Seel sur lequel je m’appuie dans mon documentaire : Moi Pierre Seel, déporté homosexuel, et l’incontournable Les Oubliés de la mémoire de Jean Le Bitoux), et seulement deux films, une fiction : Bent de Sean Mathias et un documentaire : Paragraph 175 de Robert Epstein. Mais aucun film traitant de la question de la déportation d’homosexuels à partir du territoire français.

Je pris rapidement la décision de réaliser mon documentaire au cours d’un DESS de réalisation documentaire à Poitiers. Si cela présentait quelques inconvénients (moins de moyens humains et financiers…), cette solution avait l’avantage de la rapidité car le film serait nécessairement achevé au plus tard à la fin de mon cursus, c'est-à-dire fin 2004. Le DESS me donnait les moyens suffisants pour me lancer, m’obligeait à commencer presque immédiatement la réalisation. En effet, l’urgence se faisait sentir, je voulais réaliser un entretien de Pierre Seel et celui-ci avait déjà presque 80 ans.

J’ai donc postulé et été admise au DESS Réalisation Documentaire de Poitiers avec un projet de film sur la déportation homosexuelle.

Dès mes premiers travaux pour la réalisation d’Amants des hommes, j’ai été confrontée à un problème qui sera récurrent tout au long de l’élaboration de mon documentaire : l’absence d’éléments pour l’élaboration du film.

En effet, l’homophobie individuelle et officielle a si bien fonctionné après la guerre, qu’il ne subsiste que très peu d’éléments sur la déportation homosexuelle en France (Pierre Seel raconte lui-même très bien de quelle manière on a refusé de l’inscrire sur les listes comme ancien déporté « homosexuel »).

Il est important de rappeler que jusqu’en 1981, l’homosexualité était répréhensible par la loi et se déclarer déporté homosexuel, c’était prendre le risque d’encourir des sanctions judiciaires. Il n’existe donc qu’un seul témoin : Pierre Seel, qu’un seul récit, et les documents de son arrestation et de son envoi au camp de Schirmeck. Il est par ailleurs extrêmement difficile (voir même impossible) de filmer dans un camp de concentration, ou d’avoir accès à ses archives.

Le manque de documents renforça pour moi la nécessité de faire un film, il fallait, il faut encore, diffuser la parole de Pierre Seel et parler de la déportation homosexuelle avant que celle-ci ne soit définitivement effacée.

Mais le problème se posa rapidement : comment réaliser un film avec si peu d’éléments, sans archives ?

Et surtout, comment arriver à traiter dans un même film de la question historique de la déportation homosexuelle, et de celle encore d’actualité de l’homophobie ?

En prélude à Amants des hommes j’ai tout d’abord réalisé un documentaire sonore, Les Clandestins de la mémoire, qui traitait également de la déportation homosexuelle. À travers ce documentaire sonore, j’avais décidé de traiter le passé par le présent, c'est-à-dire d’aborder la déportation homosexuelle à travers la question de sa reconnaissance, en mettant en relation déportation et combat des associations gay, la déportation d’hier et le rejet d’aujourd’hui.

Pour la réalisation de ce documentaire sonore, je suis entrée en relation avec l’association Poitevine « En Tous Genres »  et plus particulièrement avec son chargé de communication de l’époque, Bruno Gachard, qui était également le délégué régional du Mémorial de la déportation homosexuelle.

Ma rencontre avec Bruno Gachard est sans doute une des rencontres les plus importantes de mon film. Militant de la première heure (AIDS, Mémorial de la déportation homosexuelle, En Tous Genres), malade du SIDA… c’est un homme engagé et lucide, luttant contre toutes les formes de discriminations. Il a tout de suite accepté de participer à mes projets, et il intervient donc à la fois dans Les Clandestins de la mémoire et dans Amants des hommes.

La structure que j’ai mise en place pour Les Clandestins de la mémoire  se retrouve dans Amants des hommes, l’un comme l’autre mêlent extraits littéraires (le passé) et  entretiens avec des militants gays (le présent), le tout agencé par un montage très strict, propre au sujet.

C’est durant la réalisation de Les Clandestins de la mémoire que j’ai pris contact pour la première fois avec Pierre Seel au moyen une longue lettre lui expliquant l’importance d’un documentaire sur la question française de la déportation homosexuelle et l’importance de sa participation, seul témoin français à avoir osé témoigner, dans ce film.

Depuis son témoignage en 1989, le combat de Pierre Seel fut des plus actifs : manifestations, commémorations, rencontres, débats... partout où il fallait être, il était là. Cependant je me souvenais que lors de sa participation au documentaire Paragraph 175 de Rob Einstein, il rudoyait quelque peu son interlocuteur, en lui signifiant que la déportation n’était pas un sujet pour le cinéma. Je craignais donc une réponse négative de sa part.

La réponse est arrivée quelques jours plus tard, très ému par ma lettre et touché par ma démarche, Pierre Seel m’a recontacté par téléphone.

Cette conversation téléphonique fut un des moments forts du travail sur mon film, elle dura plus de deux heures, durant lesquelles Pierre Seel s’ouvrit à moi dans une confiance qui m’étonne encore aujourd’hui.

Il était très enthousiasmé par mon projet, comme je pense par tout projet lié à la déportation homosexuelle, mais il était au regret de devoir décliner mon offre.

Âgé de plus de 80 ans à l’époque et gravement malade du cancer, il n’avait plus la force physique de participer à mon projet, et il ne voulait pas apparaître à l’écran aussi abîmé par la maladie qu’il l’était.

Il souhaitait néanmoins que je puisse transmettre son témoignage, et il m’a alors autorisé et encouragé à me servir de son livre autobiographique Moi Pierre Seel, déporté homosexuel en substitution de son entretien.

Puis, il me parla beaucoup de lui, de son expérience du camp, de sa vie après la guerre, de son rejet, de sa honte, puis de son combat pour la reconnaissance de son histoire et de l’existence de la déportation homosexuelle.

Il me parla aussi de sa famille, de son ami, de l’importance de la religion dans sa vie, et enfin de l’attente de la mort. À l’époque il semblait évident pour Pierre qu’il ne lui restait plus que quelques mois, et il préparait déjà ses funérailles. Son acceptation et sa sérénité face à la mort si proche m’avaient alors émue aux larmes.

Durant l’année, il m’a recontactée par deux fois, la conversation a toujours pris une tournure personnelle, sur l’évolution de sa maladie, sur l’aggravement de son état, sur ses proches… Très affaibli, il m’a fait savoir lors de notre dernière conversation qu’il ne pourrait sans doute plus me téléphoner. Je n’ai plus eu de ses nouvelles jusqu’à l’annonce de sa mort en novembre 2005.

Désormais, à l’absence de documents, d’archives, s’ajoutait l’absence du seul témoin existant.

Je me retrouvais les mains vides pour réaliser mon film…

Fiche technique :

Avec Mariangela Melato, Eleonora Giorgi, Erland Josephson, David Pontremoli, Anne Caudry, Paolo Rovesi, Allessandro Doria, Daniela Guzzi, Hella Petri, Armando Brancia, Davide Greco, Domenico Tittoni, Fred Personne, Nerina Montagnani, Peter Boom, Siria Betti et Pia Hella Elliot. Réalisation : Franco Brusati. Scénario : Franco Brusati et Jaja Fiastri. 

Durée : 110 mn. Disponible en VO et VF.

Résumé :

Dans une grande maison proche de Venise, une ancienne cantatrice vit avec sa nièce et son amie d'enfance. À l'arrivee du frère de la diva et d'un jeune ami, des couples se forment.

L’avis de Jean Yves :

Quatre personnages, réunis dans une vieille demeure auprès de leur tante, se souviennent de leur enfance et vivent quelques instants de bonheur, avant que la mort de leur parente ne vienne remettre en cause leurs illusions et leurs amours.

Marta (Hella Petri) ancienne cantatrice d'opéra, accueille dans sa villa proche de la cité lagunaire son frère Nicky (Erland Josephson) et son jeune ami Picchio (David Pontremoli). Vivent auprès d'elle sa presque nièce Anna (Mariangela Melato) et l'amie de celle-ci, Claudia (Eleonora Giorgi). Les résurgences du passé envahissent régulièrement Nicky et Anna, jusqu'à la mort de Marta, qui semble être une libération pour eux.

Après le décès de Marta, Nicky reste dans la maison de sa sœur tandis que les trois autres rejoignent celle des deux hommes. Suivent d'innombrables souvenirs d'enfance téléphonés, dévoilant les sentiments d'insuffisance de chacun.

En recourant aux symboles et canons freudiens et en présentant deux couples homosexuels comme représentatifs d'un conflit entre immaturité et maturité, Franco Brusati tire, certes, sur de vieilles ficelles. Pourtant il réussit à approcher la complexité des relations humaines où se mêlent rapports amoureux, amicaux, familiaux… bouleversés par le temps qui passe. À cela s'ajoute l'énorme difficulté pour se soustraire à leur imbrication.

Nicky et Picchio forment le couple du reflet, du narcisse. Nicky en est la tête esthète et Picchio les jambes robustes. Chez le couple de femmes, on retrouve cette symétrie : Anna est la saine fermière et Claudia la fragile institutrice : le code est rebattu mais il permet de mettre en valeur la fuite du temps, la fin de la jeunesse et la mort qui approche.

Si les deux couples homosexuels semblent dépourvus de sexualité – aucune scène ne montre le moindre rapport amoureux entre eux –, c'est que le sujet du film est ailleurs : les rôles d'incomplétude des personnages apparaissent comme le signe qu'ils ont déguisés la réalité pour suivre leurs rêves.

Un film magnifique, très proustien, avec une esthétique sensible des images.

Ce film, où le présent s'affronte aux souvenirs embellis, montre l'impact d'un regard apitoyé et moralisateur sur le passé. Excellent pour réfléchir sur les effets néfastes de la nostalgie.

Cette enfance dorée vécue dans le souvenir, dans une sorte de temps mythique, m'évoque les vers de Sandro Penna : « La jeunesse n'est rien d'autre peut-être / qu'aimer toujours les sens et ne pas s'en repentir. »

Pour plus d’informations :

Fiche technique :

Avec Malcolm Stumpf, Patrick White, Max Paradise, Fairuza Balk, Kim Dickens, Tom Gilroy. Réalisation : Cam Archer. Scénario : Cam Archer. Musique : Emily Jane White & Nate Archer,. Image: Aaron Platt.

Durée : 93 mn. Disponible en VO.

Résumé :

Wild Tigers I Have Known suit le jeune Logan (Malcolm Stumpf), 13 ans, amoureux de Rodeo (Patrick White), un garçon plus âgé que lui qui ne répond pas à ses avances. Logan passe son temps avec Rodeo et un autre garçon marginal, Joey (Max Paradise). Logan entretient des rapports difficiles avec sa mère (Fairuza Balk) qui l’élève seul et ne sait pas trop quoi faire de lui. Pour éventuellement arriver à ses fins, Logan décide de se faire passer pour une fille, Leah. Il joint alors régulièrement Rodeo au téléphone pour des discussions chaudes et endiablées. Un jour, toujours sous les traits de Leah, Logan propose une rencontre concrète à Rodeo...

L’avis de Bernard Alapetite

Dans la scène d'ouverture (trop longue) de Wild Tigers I Have Known, on voit un garçon de de treize ans se masturber (sous les couvertures, Dieu merci !..) alors qu’il regarde sur une télévision une VHS (?) de piètre qualité, montrant un combat entre deux jeunes lutteurs. Ce qui sans préambule annonce au spectateur, un peu averti, que le film aura probablement pour sujet le désir homosexuel chez un jeune garçon... Cette première séquence, beaucoup trop longue, montrant les lutteurs, étant sensées être des images d’une télévision sont de mauvaise qualité et n’augurent en rien la splendeur des images qui vont suivre.

Par la suite, dans sa progression, le film met clairement en évidence les incertitudes du monde et l’effroi de grandir en sachant que l’on n’est pas comme les autres garçons. Logan, le héros, est un pré-adolescent solitaire qui commence à découvrir qu’il est gay. Il passe par plusieurs phases dans lesquelles, j’en suis sûr, bien des spectateurs gays reconnaîtront leur parcours. Par exemple dans la scène où Logan s'entretient avec une conseillère pédagogique (Kim Dickens), qui lui demande : « Te sens-tu différent de tout le monde ? » En ce qui me concerne, je me suis (banalement) toujours senti différent et constamment je me suis demandé : « Pourquoi ne suis-je pas comme eux ? » comme le fait Logan. Sans toutefois n’avoir jamais eu de regret de cette différence, bien au contraire. Ce qui ne m'empêche pas de penser que toutes les écoles du monde entier ont des élèves homosexuels qui, eux, vivent souvent difficilement leur différence.

Le style visuel du film est très brillant même s’il est dommage que Cam Archer se perde parfois dans un formalisme superficiel et ampoulé. Certains effets spéciaux vidéo, en particulier dans les visions de terreur du jeune héros, sont au final peu convaincantes. Les séquences dans lesquelles Logan fantasme sur Rodeo, elles, sont beaucoup plus réussies.

Le réalisateur a utilisé tous les trucs visuels qu’il avait dans sa besace et il s'en sert de toutes les façons possibles. Cela vire parfois au tic, comme cette manie de filmer les acteurs le plus possible dans des miroirs ou à travers un élément de décor comme un aquarium ou un grillage... Un grand soin est apporté aux couleurs, par exemple les vêtements des personnages sont accordés à la dominante colorée de chaque scène ou à l’élément principal du décor. De même, la composition de chaque plan comme son éclairage sont très étudiés. Cette sophistication extrême de l’image contraste avec la façon souvent très théâtrale qu’a Archer de mettre en place ses scènes. Une autre des particularités du film est l’utilisation du silence, le silence absolu ; Cam Archer aime à montrer de très jolies images sur un fond de rien ou alors le réalisateur surligne trop ses intentions à gros renfort de musiques.

Avec Wild Tigers I Have Known on peut parler d’un filmage impressionniste. Dans la plupart des séquences, ce sont les couleurs qui semblent rythmer les scènes qui se juxtaposent en un patchwork de styles et de dominantes de couleurs qui fait naître chez le spectateur une succession de sensations. Rarement on aura vu un film plus éloigné de tout naturalisme.

Nous sommes toujours dans le flou, jamais dans l’asséné ou le démontré. L’action n’est pas vraiment située géographiquement (le film a été tourné à Santa Cruz en Californie), on peut penser que nous sommes dans une petite ville des États-Unis, ni dans le temps même si certains éléments de décor évoquent plus les années 80 qu’aujourd’hui...

Le cinéaste, malgré sa belle assurance technique, s'englue parfois jusqu'à se noyer dans sa passion des images douloureusement kitsch et cryptées. Il reste qu’il parvient à tisser un portrait intimiste et émouvant de son héros dont la singularité m’a fait penser à celui de Rushmore, le film de Wes Anderson, grâce en grande partie à l’interprétation de son acteur principal qui est remarquable. Il est né en 1991.

Le reste de la distribution est brillante, notamment Fairuza Balk en mère de Logan, si l’on excepte l’acteur qui interprète Rodeo. Si ce dernier possède tous les attributs du teenager grunge sorti tout droit d'Elephant (Gus Van Sant est le producteur exécutif du film), il est aussi expressif qu'une courge. Il faut dire que le personnage de Rodeo est beaucoup plus complexe que le traditionnel garçon populaire de la classe dont est amoureux « la sissi » locale. Il a conscience que Logan a le béguin pour lui. Et il veut bien être son ami parce qu’il sent que Logan n'est pas comme tous les autres garçons qui veulent être son ami.

Même si, répétons le, la mise en scène audacieuse du cinéaste ne fonctionne pas toujours, il faut saluer son ambition de traduire la vision subjective du monde de Logan par une réalisation en miroir avec les rêves, les désirs et les angoisses de son héros. On y décèle alors les influences de Lynch et de Kenneth Anger. Ce n’est pas un hasard non plus si dans les remerciements figurent Jonathan Caouette et James Bolton (Eban & Charley). Le style de la narration avec l’arrivée d’une caméra subjective est parfaitement en symbiose avec ce qui se passe dans la tête du garçon dont l’esprit est de plus en plus confus et est envahi progressivement par le désir et la colère. On ne sait plus si ce que l’on voit est réel ou le fruit de l’imagination de Logan.

Il y a dans le film une référence récurrente aux lions des montagnes qui vivent dans les bois (!?). Dans l’une des premières scènes, Rodeo (cela se prononce différemment de rodéo) demande à Logan de l’accompagner dans la forêt car il veut lui montrer où gîtent ces animaux. C’est dans cette séquence que nous est révélée (et à Rodeo ?) l’attirance sexuelle de Logan pour son aîné, d’une manière troublante et qui nous parait dangereuse pour Logan...

Dans une autre scène, nous verrons un lion des montagnes. Il est alors difficile de dire, si ce que nous voyons est réel ou sort de l’imagination du jeune garçon; ce qui n’a pas une grande importance d’ailleurs. Mais il est de plus en plus évident que le lion des montagnes est une métaphore des dangers qui guettent Logan. Comme le tigre est la mascotte de son école et que les tigres sont le nom de l’équipe sportive, on peut penser que le véritable péril pour Logan vient de là.

Wild Tigers I Have Known se présente, non comme une histoire mais comme des fragments de souvenirs d’un garçon aux frontières de la puberté. Rien ne nous dit que ce que nous voyons est au présent. Cette évocation pourrait être un ultime sauvetage de pans de mémoire du garçon avant que les souvenirs se fanent. Cam Archer reprend la narration subjective des films de Gus Van Sant comme dans Paranoid park ou Elephant mais en radicalisant la démarche. On sent chez le cinéaste le souci d’enchanter le trivial de crainte que la vie de son héros verse dans l’ennui. Curieusement, le film se termine précisément là où une histoire pourrait commencer...

Cam Archer avait déjà réalisé plusieurs courts-métrages de cette veine sur des pré-adolescents, comme Bobby Crush en 2003. Le tournage de ce premier film a été phénoménal et a porté sur une période de 13 ans ! Il raconte la classique histoire d’un garçon qui tombe amoureux de son meilleur ami. A suivi The Cold Ones en 2004. Ensuite, il a signé un documentaire Drowning River Phoenix, dédié à l'acteur américain disparu, qui a soulevé de nombreuses controverses.

Le scénariste/réalisateur Cam Archer est de la même famille artistique que des cinéastes tels que Todd Solondz ou Christopher Munch. Tout comme eux, il aborde les thèmes gays, mais sans l’esprit sermonneur ou prétentieux qui contamine beaucoup de réalisations. On peut penser qu’il se base sur sa propre vie, tout en l’extrapolant largement. Tout comme Solondz, c'est un provocateur. Il s'attaque à des sujets à risque et n'a pas peur de patauger dans les eaux dangereuses pour raconter son histoire.

Le filmage de Wild Tigers I Have Known est lyrique, poétique et visuellement très intéressant, en dépit du fait qu’il n’ait pas de véritable intrigue captive.

Pour plus d’informations :

Fiche technique :

Avec Jerry Lewis, Stella Stevens, Del Moore, Kathleen Freeman, Howard Morris, Buddy Lester, Skip Ward, Med Flory, Elvia Allman, Norman Alden, Marvin Kaplan, Henry Gibson, Howard Morris, Milton Frome et David Landfield. Réalisation : Jerry Lewis. Scénario : Jerry Lewis et Bill Richmond. Directeur de la photographie : Wallace Kelley. Compositeur : Walter Scharf.

Durée : 107 mn. Disponible en VO, VOST et VF.

Résumé :

Un timide professeur de chimie, Julius Kelp (J. Lewis), tente de conquérir le cœur d'une de ses élèves, Stella (Stella Stevens), en inventant une potion magique qui le transforme en un irrésistible playboy, Buddy Love (J. Lewis).

L'avis de BBJane :

« Jerry pense rose. » Robert Benayoun

Commençons par un lieu commun doublé d'un euphémisme : Jerry Lewis est un cas à part dans l'histoire du cinéma hollywoodien.

À l'apogée de son succès, dans les années 60, ses films attiraient les foules américaines tout en étant méprisés par la critique. En France, le phénomène s'inversa : notre pays fut le premier à considérer Lewis comme un auteur, tandis que le public réservait à ses œuvres un accueil plutôt mitigé. Il fut l'un des comédiens les plus populaires et les mieux payés de son temps, et il est aujourd'hui l'un des cinéastes majeurs les plus négligés des cinéphiles, privé de la pratique de son art par des producteurs qui le boudent depuis bientôt trente ans.

Il a fait l'objet de l'un des plus beaux livres jamais consacrés à un cinéaste par un critique français – Bonjour Monsieur Lewis, de Robert Benayoun –, et ses films furent abondamment disséqués dans les années 60-70. De nos jours, son œuvre n'est plus évoquée dans aucune revue, et les médias ne s'intéressent à lui qu'une fois par an, à l'occasion du Téléthon, dont il fut l'instigateur.

Dans les nombreuses études qui lui furent jadis dédiées, les commentateurs s'extasiaient sur ses innovations et prouesses techniques, sa maîtrise virtuose du gag visuel, son art consommé de coloriste, le caractère iconoclaste, voire subversif, de son comique résolument ancré à gauche, et empreint d'un humanisme pessimiste.

Si la plupart des exégètes en appelaient à Freud pour élucider les implications sexuelles de ses films et justifier sa critique soutenue du matriarcat, s'ils s'étendaient volontiers sur le caractère conflictuel mais fondateur du duo qu'il forma avec Dean Martin, s'ils tombaient en pâmoison devant ses options picturales bariolées et outrancières, aucun n'a jamais risqué plus qu'une timide allusion à ce qui relève pourtant de l'évidence : l'univers lewisien, visuellement, thématiquement, est l'un des plus totalement queers jamais vus à l'écran.

L'esthétique « gay-kitsch-camp » y est souveraine, et le « personnage Jerry », développé par Lewis de film en film, peut être considéré comme l'une des incarnations cinématographiques les plus accomplies d'un caractère queer en mal d'adaptation au monde straight.

J'aimerais en faire la démonstration à travers l'étude de son film le plus connu (et le plus apprécié en France), Docteur Jerry et Mister Love, œuvre charnière dans sa filmographie, en ce sens qu'elle marque l'aboutissement de son parcours artistique, à l'orée d'une « seconde période » qui, bien que riche en réussites, n'apportera aucun renouvellement notable.

Jerry Lewis, le plus gay des grands cinéastes hétéros ?..

Comment résister à la tentation d'attribuer ce titre à un homme qui, le mois dernier, attisait la colère d'une partie de la communauté homo (en l'occurrence bien bêcheuse et chochotte) pour avoir prononcé – une fois de plus et de trop – le mot "faggot" (pédé) lors d'une interview télévisée ?

Oui, décidément, Mister Lewis est un cas à part...

Il existe une toute autre façon d'envisager l'intrigue ; une optique moins conventionnelle, mais nullement décalée, et relevant d'autant moins du délire interprétatif qu'elle explique et résout ce que l'approche habituelle soulève d'incohérences scénaristiques.

Voici le résumé alternatif qui peut en découler :

Le professeur Kelp, homosexuel honteux et refoulé, s'emploie à affirmer sa virilité en tentant d'amorcer une relation amoureuse avec l'une de ses élèves, et en suivant des séances de culturisme. Ses échecs successifs le font opter pour une autre méthode, artificielle et chimique : il invente une potion lui permettant de devenir le mâle idéal, l'hétéro parfait, séducteur machiste et baraqué : Buddy Love. Mais il ne peut annihiler sa véritable nature, laquelle réapparaît aux moments les moins opportuns, et l'empêche de concrétiser physiquement la liaison entamée avec son étudiante. Au fil du temps, son autre personnalité, Buddy Love, révèle de plus en plus nettement ses propres inclinations sexuelles – identiques à celles de Kelp. Ce dernier finit par renoncer à l'usage de sa potion – mais non à la dissimulation de ses penchants, puisqu'il épousera son élève afin de donner le change à sa famille et à son entourage professionnel.

Moralité : si l'on n'échappe pas à ce qu'on est, mieux vaut n'en rien laisser paraître !

Les saines lectures du Dr Jerry

On a beaucoup glosé sur le fait que Lewis (à l'instar de Terence Fisher, deux ans plus tôt, avec The Two faces of Dr Jekyll) inversait les données du roman de Robert-Louis Stevenson dont il s'inspirait, à savoir : Jekyll/beau contre Hyde/laid. En vérité, cette inversion va au-delà de l'aspect physique des personnages. Elle est ici totale : la créature hideuse et le monstre social (car queer), c'est Jekyll/le professeur Kelp ; l'être séduisant et conforme aux attentes de la société, c'est Hyde/Buddy Love.

Le générique du film nous montre le professeur effectuant une expérience en classe. Seules ses mains sont cadrées, tandis qu'elles s'activent autour de diverses cornues et autres objets de chimie phalloïdes, jusqu'à ce que se produise une explosion ayant valeur d'orgasme.

Tentative symbolique de destruction de l'ordre établi, comme l'écrivirent les critiques ? Sans doute, mais également séance d'onanisme exhibitionniste, suscitant la fuite des témoins (les étudiants) d'abord médusés, puis indignés.

Fais gaffe, Jerry !.. Ça rend sourd !..

De manière significative, c'est dans un placard que Kelp se retrouvera coincé par l'un de ses élèves, qui veut ainsi se venger du fait que le professeur lui ait interdit de se rendre à un entraînement de foot. Car Kelp n'éprouve aucun intérêt pour le sport (carence souvent suspecte aux yeux de la jeunesse américaine), et manifeste même un certain mépris à l'égard de cette discipline.

Pour ne rien arranger, il n'est pas davantage intéressé par les femmes – on se demande, à ce propos, où les commentateurs du film sont allés pêcher l'idée qu'il crée avant tout sa fameuse mixture pour séduire son élève Stella, si l'on considère l'absence totale d'érotisation de leurs rapports.

Dans l'ensemble des films de Lewis, le potentiel érotique des personnages féminins est généralement fort congru (nous sommes loin, sur ce point, des notations graveleuses d'un Mel Brooks, et du cinéma comique américain en général). Même dans Le Tombeur de ces dames (The Ladies' man - 1961), où le pôle majeur de l'intrigue est la séduction féminine, celle-ci n'est appréhendée que comme un objet d'effroi ; elle se manifeste à travers un glamour sacralisé et quelque peu figé, n'ayant rien de charnel – mais typique, en revanche, de l'imagerie gay.

Jerry in the closet

Si ce n'est de séduire, quelle est l'utilité de la potion ?

Tout simplement de changer son image, de faire naître une personnalité acceptable par ses concitoyens, ne laissant plus rien subsister de la nature profonde de Kelp. La finalité de l'expérience n'est pas d'ordre sentimental, mais social : il s'agit, pour le professeur, de perdre sa voix haut perchée, ses manières efféminées (voir l'extraordinaire scène du bal de l'université, où Kelp se laisse gagner par le rythme de la musique, et entame une sorte de danse immobile où s'exprime la folle cachée en lui), de devenir, non pas ce qu'il rêve d'être, mais ce que les autres souhaiteraient qu'il soit. Un symbole de ce besoin d'en faire accroire qui taraude le professeur, peut être vu dans sa montre-gousset, laquelle, une fois ouverte, laisse échapper les accords tonitruants de la « Marche des Marines » – il la laissera accidentellement choir dans un aquarium, noyant ainsi son effort d'affirmation de ce qu'il n'est pas.

Contrairement à ce qui se passe chez Stevenson, Jekyll/Kelp ne libère pas son "Ça" en devenant Hyde/Love, mais son Surmoi.

Ceci n'est pas un câlin

(Le professeur Kelp au gymnase)

La scène de transformation – moment de bravoure dans toute adaptation du roman de Stevenson – offre une vision grotesque du processus de virilisation. Avant de devenir un mâle accompli, Kelp passe par un stade quasi neanderthalien, devient une sorte d'homme des cavernes couvert de poils, comme si l'accès à la forme idéale de la masculinité impliquait une régression, un retour à la bestialité. Il est intéressant de noter qu'au stade ultime de sa transformation, le professeur se recroqueville sur le sol de son laboratoire dans une mare de produits chimiques aux couleurs de... l'arc-en-ciel.

Malheureusement pour Kelp, si Buddy Love s'avère être l'incarnation parfaite du tombeur hétéro, infatué de son charisme et plein de morgue, il n'en présente pas moins certains traits ambigus. Et si son pouvoir de séduction opère assez largement sur le sexe opposé (non sans certaines réserves que nous verrons plus loin), il ne manifeste aucune envie spontanée d'en user, et semble tirer tout autant de satisfaction – sinon davantage – du prestige qu'il exerce sur les hommes.

Over the rainbow

Grisé par sa propre apparence, Buddy Love goûte avec délection aux plaisirs narcissiques, s'attirant bientôt cette remarque de celle qu'il est censé courtiser : « Tu auras une longue histoire d'amour avec toi-même. »

Lors de son entrée, filmée en caméra subjective, dans la boîte de nuit "The Purple Pit" (aux couleurs moins pourpres que roses), sa vue arrache un hurlement à l'une des demoiselles qu'il croise. Le visage de Buddy nous est montré pour la première fois suite à ce cri d'effroi, plutôt que d'extase, qui semble faire office d'avertissement : derrière l'image du bellâtre se cache quelque chose de terrifiant, qui ne saurait échapper aux yeux de certaines femmes.

Love se dirige directement vers Stella, l'élève que le professeur Kelp s'est désignée comme compagne possible. Mais la jeune fille sage et un brin timorée de l'Université, apparaît sensiblement plus féminine et libérée dans le cadre de la boîte de nuit, ce que Love semble apprécier modérément (il refusera de l'embrasser parce qu'elle porte du rouge à lèvres). Il manifeste une attention plus décomplexée aux jeunes hommes présents dans la boîte, que ce soit pour s'affronter à eux (il rosse l'un des élèves de Kelp), ou pour les taquiner gentiment (« Je vous laisserai jouer avec mon porte-clef » dit-il à un groupe de garçons pour les inciter à lui céder leur banquette).

Les caïds du "Purple Pink"... euh, pardon : "Pit"... À croquer !..

Quand Love se manifestera au campus où enseigne Kelp, ce sera pour jouer une singulière autant qu'hilarante comédie de la séduction avec le doyen de l'établissement, poussant ce dernier à dévoiler sa face cachée : celle d'une vieille tante émoustillée par la présence de ce bel homme entre ses murs. Ces scènes de parade amoureuse entre un homme mûr, détenteur de l'autorité ou de la force, et un élément perturbateur plus jeune, sont fréquentes dans le cinéma lewisien. La séquence dans le bureau du doyen en offre une expression définitive : elle s'achève par le déculottage du noble vieillard, après que Buddy lui a tourné la tête en le féminisant verbalement (il ne s'adresse à lui qu'en termes féminins : « Ma grande » ou « Fais pas ta modeste »), et en le comparant à Cary Grant (grande figure de l'homosexualité hollywoodienne, s'il en fut).

Pas folle, la guêpe ?

(Del Moore en plein émoi)

Mais c'est surtout dans ses rapports avec Stella que se révèle la nature profonde de Buddy Love. Ce séducteur impénitent est incapable de dépasser le stade du flirt, n'embrasse la jeune fille qu'à la sauvette et avec une gêne marquée, et, lorsqu'il est sur le point de passer aux choses sérieuses, doit y renoncer pour cause de transformation inopinée en professeur Kelp ! Sentant sa personnalité initiale prendre le dessus, il s'enfuit à toutes jambes du lieu où doit se dérouler l'étreinte tant attendue – par Stella...

Quand celle-ci se plaindra à Kelp du comportement décidément étrange de Buddy, le professeur lui répondra que Love « cache sa vraie nature pour éviter qu'on lui fasse du mal. »

Quelle « vraie nature » ?... "Quel « mal » ?.. S'il faut trouver une explication à cette réplique sibylline, je ne la vois que dans une réaction de dissimulation protectrice contre les attaques homophobes.

Stella aura cette repartie amère et révélatrice : « Je me sens comme une mariée le soir de ses noces, dont le mari va dîner chez sa mère ! »

C'est précisément le souvenir de cette mère que Kelp invoquera lorsqu'il s'interrogera sur les véritables raisons de sa double personnalité, et sur les effets contrastés de sa potion. Et la vision que nous aurons d'elle sera conforme en tout point à l'image classique de la mère lewisienne : une épouvantable matrone régnant par la terreur sur son entourage, et particulièrement sur son chétif époux – mère forte, père craintif : on connaît la chanson...

Notre Mère qui êtes odieuse...

(Elvia Allman)

Selon la tradition, le film s'achève par la révélation de la véritable identité de Hyde/Love devant des tiers – ici, tout un parterre, puisque l'événement se déroule lors du bal annuel du campus, où Buddy Love est convié à chanter. Plus que jamais, cette scène classique des diverses adaptations de Jekyll et Hyde prend valeur de "coming-out".

Alors qu'il doit entamer une nouvelle chanson (« Qui plaît beaucoup aux copains du 'Purple Pit' », précise-t-il, avant de prier le doyen transi de lui pardonner d'avoir nommé ce lieu de débauche), notre crooner se retrouve inopinément affligé de la voix de fausset de Kelp, puis recouvre l'apparence disgracieuse du professeur.

Pour s'excuser d'avoir trompé son entourage, il déclare renoncer à se transformer désormais en Buddy Love : « Je ne veux pas être ce que je ne suis pas. Il faut s'accepter tel qu'on est. »

Une résolution d'autant plus facile à prendre que l'identité de Buddy trahit finalement plus nettement ce qu'EST le professeur...

En ce sens, les propos de Kelp, loin de constituer une apologie de la transparence et de la réconciliation avec soi-même, prennent un goût terriblement saumâtre. Ils n'annoncent pas une volonté de s'assumer en tant que gay, mais l'inverse. En demeurant Kelp, le professeur s'expose moins, tout compte fait, à exprimer/trahir sa nature authentique, qu'en continuant d'être le trop fantasque, voyant et tapageur Buddy Love.

Il peut même envisager de convoler avec Stella, qui se révèle être le type parfait de la « fille à pédés » – lorsque Kelp lui déclare : « Je ne serai jamais le mâle que vous voulez », elle lui assure que c'est aussi bien comme ça !

Le film s'achève sur un plan de Stella et Kelp s'éloignant de la caméra, bras dessus bras dessous. Dans les poches arrières du pantalon de la jeune fille, on remarque plusieurs flacons de la potion magique, qu'elle emporte à l'insu de son compagnon...

Au cas où la fade cuisine du couple hétéro aurait besoin d'être relevée par un filet de piment queer ?..

La danse de Saint Gay

Pour plus d’informations :

La fameuse danse de Saint Gay, justement !... Si vous déniez du génie à ce type, je me refais hétéro !... C'est ici, et sur VouzenTube... in Gorgeous Gay Colors !..

Son remix queer, par Biggie... Pas indispensable, vu que ça souligne l'évidence, mais sympa quand même...

Fiche technique :
Avec Lizzie Brocheré, Jean-Christophe Bouvet, Valérie Mairesse, Arthur Dupont, Pierre Perrier, Nicolas Nollet, Guillaume Baché Mathieu Boujenah, Guillaume Gouix, Fabrice Michel et Karl E Landler. Réalisation : Jean-Marc Barr et Pascal Arnold. Scénario et dialogues : Pascal Arnold. Compositeur : Irina Decermic. Son : Pascal Armant. Montage : Chantal Hymans.
Durée : 95 mn. Bientôt en DVD.

Résumé :
Pierre (Arthur Dupont) et Lucie (Lizzie Brocheré) sont frère et sœur. Ils vivent une relation quasi incestueuse, ce qui ne les empêche pas de vivre en symbiose avec trois garçons, leurs amis d'enfance. Ils montent leur groupe de rock et font l'amour ensemble... Lucie sort avec Sébastien, après avoir flirté avec Nicolas. Mais ce dernier vit aussi une histoire amoureuse avec Pierre qui vend son corps aux notables locaux, en particulier à Vincent (Jean Christophe Bouvet) un adepte du rituel de la partouze mensuelle.
Un soir, Pierre ne rentre pas chez lui. Lucie et sa mère (Valérie Mairesse) s'inquiètent. La police finit par découvrir son cadavre. Il a été battu à mort.
Sans piste, l'enquête piétine. Lucie est déterminée à découvrir la vérité et traque les suspects...
Genre : enquête du Club des cinq monté en graines, filmée par un Hamilton qui aurait oublié sa vaseline (que l’on ne se méprenne pas, la vaseline est à mettre sur l’objectif pour réaliser des flous non artistiques).

L’avis de Bernard Alapetite :
Avant toute chose, en étant conscient de ma grande outrecuidance, j’aimerais rappeler à nos deux cinéastes quelques règles du cinématographe qu’ils ont apparemment oubliées.
Premièrement : pour donner du mouvement à une scène statique, la caméra portée n’est pas la seule solution. Elle est même fortement déconseillée quand comme ici, le cadreur vibre comme une chaufferette ! Le pied de caméra évite le piège du bord du cadre vibrant. Il me parait la bonne solution quand les protagonistes, eux, sont statiques et puis le plan fixe permet de travailler le cadre, ce qui n’est visiblement jamais le cas dans ce film. Il permet en outre le panotage. Il me semble que même un petit budget peut s’offrir cet investissement qu’est la location d’un pied. Plus cher mais beaucoup moins statique : le travelling avec ses rails, son chariot et son musculeux pousseur qui peut parfois réjouir un ou plusieurs membres de l’équipe, extravagance complètement ignorée de cette production. Pour ne rien dire des grues et autres steady cam tout aussi inconnues au bataillon de Chacun sa nuit.

Autre solution, faire bouger ses comédiens : entrée de champ, sorties de champ... Parfois, dans l’opus de nos deux compères, on craint que la troupe soit devenue paralytique. Mais il devait faire chaud et par économie, pour éviter la transpiration et donc des raccords de maquillage, on a sans doute conseillé aux acteurs de ne pas trop bouger. Pour donner de la vie au cadre, on peut le faire traverser par des figurants. Dans le cas présent, l’assistant en charge de la dite figuration a du vivre un tournage reposant.

Deuxièmement : il n’y a pas de mal que le cinéaste se fasse plaisir mais il est conseillé qu’il le fasse partager aux spectateurs.
Vu la vacuité de l’intrigue, on aura compris que le but à peine caché du film était de permettre aux cinéastes de filmer des corps dénudés, surtout masculins, à peine post-adolescents. Il n’y a aucun mal à cela, à condition de se souvenir qu’il est indispensable de ne pas être égoïste. C’est le moment d’être prosélyte. Sur l’écran, nous voyons cette belle brochette d’anatomies filmée avec la même sensualité que s’il s’agissait d’une collection de coléoptères. Pourtant la plastique de Pierre Perrier n’a rien perdu de son attrait depuis Douches froides.

Il aurait été bon, avant par exemple de tourner la scène de sexe à trois, que nos mateurs patentés revoient celle de la fin du Ken Park de Larry Clark. Soyez charitable envers les réalisateurs : si vous avez la très mauvaise idée d’aller voir Chacun sa nuit, en rentrant chez vous ne mettez pas le film de l’Américain dans votre lecteur de DVD. Car l’inspiration évidente du film est bien Larry Clark et plus précisément Bully, dont le scénario est proche. La comparaison est accablante mais la charité chrétienne est une vertu mal partagée chez les critiques de cinéma.

Malheureusement pour notre tandem, le hasard des sorties en salle le met en concurrence avec un autre film français abordant lui aussi la relation frère-sœur. La relation fusionnelle de Chacun sa nuit ressemble à celle à l’œuvre dans le film de Philippe Lioret, Je vais bien, ne t’en fais pas. Même attachement viscéral, et par conséquent même vide abyssal lorsque le frère disparaît mystérieusement. Mais la ressemblance s’arrête à l’anecdote. Là où Je vais bien, ne t’en fais pas décline avec pudeur l’histoire d’une famille comme tant d’autres, Chacun sa nuit né d’un fait-divers glauque ne met en scène que des corps complètement déconnectés de notre monde.

Troisièmement : l’utilisation de la voix off est très délicate et si possible à éviter. Bien sûr, l’histoire du cinéma est balisée par de grands films ayant utilisé ce procédé des Mémoires d’un tricheur à American beauty par exemple mais le moins que l’on puisse dire, c’est que Pascal Arnold n’est pas Sacha Guitry. Il réussit ce tour de force de faire à la fois plat et emphatique. Dans Chacun sa nuit, la voix off n’est qu’une béquille pour tenter de faire exister les personnages, ce qu’elle ne réussit jamais et ce que l’image ne parvient pas plus à faire. Les personnages n’ont aucune épaisseur, aucune réalité pas plus psychologique que sociologique. Le résultat, c’est que l’on n’éprouve aucune émotion devant cette pourtant tragique histoire dont on évente très vite le pseudo suspense.

À l’indigence du texte s’ajoute un grave défaut : celui d’un trop grand nombre de personnages qui n’ont pas le temps d’exister à l’écran. Jean-Marc Barr nous apprend que le montage initial durait 2h20, ceci explique peut-être cela…
La construction morcelée en flashbacks, dont le modèle semble être le très beau Presque rien de Sébastien Lifshitz, au lieu d’apporter un regard nouveau sur le récit, ne fait qu’enrober cette triste histoire d’un mystère de pacotille.

Vous me direz, pourquoi s’acharner sur un si mauvais film qui n’appellerait que le silence s’il n’était pas symptomatique de la misère du cinéma français qui ne propose souvent que l’alternative entre un voyeurisme impuissant (Chacun sa nuit) et une nostalgie moisie (Le Grand Meaulnes). Deux films sortis le même mois. D’autre part, la lecture du dossier de presse et les déclarations des auteurs relèvent d’une telle infatuation, ou pour le dire plus crûment de gens qui pètent beaucoup plus haut que leur cul, que cela appelle un bon coup de gueule. Que l’on en juge plutôt : « ce n'est pas l'élucidation circonstancielle du crime qui nous a intéressé, c'est la relation que le spectateur instaurera entre sa scandaleuse absence d'explication et l'expérience hédoniste dans lequel le film inscrit désespérément ses protagonistes » ou encore « Nous souhaitons créer un cinéma novateur dans le paysage français avec la volonté de faire "autrement". Nous avons filmé en numérique, sur le modèle du cinéma indépendant américain mais avec la touche intimiste française ». Le franco-américain Jean-Marc Barr aurait peut-être du se rendre au dernier festival de Sundance et voir Brick, film qui lui aussi met en scène la jeunesse… Et voir le dernier film de Michael Cuesta, 12 and Holding, déjà auteur de l’indispensable L.I.E., autant de films qui traitent du sexe et de la violence chez les adolescents.
Il est sidérant de voir aussi combien Jean-Marc Barr est incapable d’utiliser les magnifiques lieux de tournage, soit la Provence près d’Aix et plus précisément le massif de la Sainte Victoire. On constate que ce qui a manqué aussi à ce film, c’est un directeur de la photo. En voyant Wilde side, on peut imaginer ce que par exemple Agnès Godard aurait apporté au film.

Il ne faut pas oublier de rendre hommage aux comédiens qui doivent défendre une telle partition. Arthur Dupont, que j’ai vu assez justement comparé à un jeune et joli Belmondo, et plus encore Lizzie Brocheré, découverte dans Une autre femme, font preuve d’une réelle présence. Pierre Perrier et Guillaume Baché ne déméritent pas non plus. Ainsi que les acteurs devant interpréter de grossiers clichés (les pachydermiques et convenues fausses pistes de l’enquête) comme Karl E. Landler dans le personnage de l'idiot du village, évidemment doué de talents divinatoires, ou Jean-Christophe Bouvet en notable – bien sûr – organisateur de partouzes. On lui doit d’ailleurs l’hilarant sommet du ridicule du film lorsque Vincent (Bouvet au bord de l’apoplexie) couvre les épaules de son amant, pour qu’il ne prenne pas froid, d’un lourd manteau de fourrure alors qu’il se désaltérait nu après l’amour dans la cuisine…
En son temps Grande École avait obtenu le prix de la daube gay de l’année. Je ne vois pas comment le prix 2006 de la daube gay de l’année pourrait échapper à Chacun sa nuit.
Pour plus d'informations :

Fiche technique :

Avec Yoshikazu Kotani, Takumi Saito, Hiroya Matsumoto et Masashi Taniguchi. Réalisation : Kotoro Terauchi. Scénario : Kotoro Terauchi, Karoruko & Saki Senoo. Musique : Chiko Fujino. Montage : Kenji Sagami.

Durée : 90 mn. Disponible en VOST anglais.

Résumé :

Taishin Mamiya (Yoshikazu Kotani), jeune journaliste dans un magazine, rencontre pour réaliser une interview, un jeune lycéen type, Noeru Kisaragi (Takumi Saito). Ce dernier est impertinent lors de l’entretien mais Mamiya est subjugué par le garçon. Un tableau représentant l’océan, peint par Noeru, offre un prétexte à Mamiya pour l’inviter au restaurant. Le lycéen se montre sans gêne durant tout le repas. Lorsque Mamiya se rend aux toilettes, Noeru le suit et ils ont leur première relation sexuelle. Le lendemain, la rédaction du journal de Mamiya reçoit un appel comme quoi leur journaliste n’a pas été correct avec l'interviewé. Mamiya, pour s’excuser, et aussi pour revoir Noeru, se rend chez le garçon avec un cadeau, mais il le surprend au lit avec un individu qui a tout du pervers. Mamiya, choqué, s’aperçoit que Noeru ne lui est pas du tout indifférent...

En cherchant à connaître mieux Noeru, Mamiya découvre qu’il a une âme torturée et qu’il se prostitue à des hommes différents chaque nuit à la recherche de sensations fortes mais voulant surtout pour fuir l’amour en raison d’un secret qui le taraude (mélodramatique à souhait). Mamiya, qui s’est donné comme mission de remettre Noeru dans le droit chemin, finira par le découvrir.

Mais leur relation est contrariée par la jalousie d’un camarade de classe (Hiroya Matsumoto) de Noeru qui est follement amoureux de lui...

L’avis de Bernard Alapetite :

Nous sommes devant une adaptation cinématographique d’un yaoi, ces mangas, généralement réalisés par des femmes et lus au Japon, surtout par des jeunes filles, dans lesquels des garçons s’aiment d’un amour rarement sage et parfois peu doux... L’origine de Boys Love transparaît dans chaque plan tant on a l’impression de voir une suite de cases d’une bande dessinée, toutes soigneusement cadrées et bien éclairées. Si la grammaire cinématographique est extrêmement simpliste lors des face-à-face entre les deux personnages principaux, se résumant le plus souvent au champ, contre-champ, la réalisation – néanmoins – sait faire preuve d’audace dans ses angles de prise de vues et dans ses scènes de sexe (qui auraient été beaucoup plus explicites dans un manga), comme le ballet des pieds lors de la première relation sexuelle entre Mamiya et Noeru dans les toilettes du restaurant. Le réalisateur n’est pas trop pudibond et nous offre quelques beaux plans de nu intégral... de dos.

Boys Love n’évite aucun des passages obligés du yaoi, comme les scènes de lycée avec le camarade, meilleur ami, pas très beau et bien sûr jaloux de la vie extérieure (par rapport au lycée) que mène son ami à son insu. Et sans doute plus étonnant pour des non habitués aux mangas, des lieux habituels de ce mode d’expression, le train, les ascenseurs, les toilettes... et l’ exacerbation des sentiments.

Mais si nous sommes bien du côté de l’amour, façon collection Harlequin, à la différence de malheureusement la quasi totalité des yaois, la psychologie dans Boys Love est fouillée. On s’aperçoit que si Noeru couche avec des hommes au hasard, c’est plus pour combler sa solitude que par soif de sexe.

Mine de rien, le film est aussi une réflexion sur l’amour. La mise en image de l’obsession de Mamiya par Noeru est très convaincante. Très intéressante aussi de mettre au centre et comme moteur de la relation amoureuse la curiosité pour l’histoire de l’autre.

Le spectateur peu habitué à la lecture de mangas sera surpris par l’aspect juvénile de Mamiya, que tout occidental, à la lecture du pitch, aurait imaginé plus mûr, mais ce décalage entre la fonction du héros et sa silhouette adolescente est bien dans la tradition nippone du manga. On a d’ailleurs l’impression que tous les protagonistes du film ont peu ou prou le même âge. De même que le spectateur sera peut-être étonné que dans ce monde l’homosexualité semble la norme et que tous les mâles soient gays. Les femmes sont ici réduites à des silhouettes fugitives. La seule surprise est que c’est celui qui est sensé être le plus jeune, ce qui n’est pas évident à l’image, donc le dominé,qui prend l’initiative en matière de sexe.

Les deux acteurs sont très mignons et Takumi Saito, avec ses grands yeux de faon, semble s’être échappé des pages d’un yaoi.

Grande nouveauté au cinéma, surtout dans le cinéma gay qui brille rarement par son intellectualisme, le fait que Terauchi sépare les scènes par des citations sur la nature de l'amour tirées d’œuvre de Shakespeare, Hemingway, Montaigne...

Dans ses déclarations, Terauchi développe une thèse pour le moins radicale : celle que la relation homosexuelle est plus pure et plus romantique que l’hétérosexuelle car elle n’a pas l’alibi utilitaire de la reproduction ; étant entièrement gratuite, elle est donc plus désintéressée et plus pure.

Devant le succès Boys Love, qui est son premier film, Terauchi a tourné un Boys Love 2, une année après celui-ci, qui n’en est pas la suite, mais qui reprend comme acteur principal, Yashikazu Kotani.

Dans les limites étroites du yaoi, Terauchi a réussi un beau mélodrame.

Nota : Toutes les sources donnent une durée pour ce film de 90 mn alors que mon exemplaire ne dure que 83 mn !

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Fiche technique :

Avec Jeffrey Wright, Michael Wincott, Benicio Del Torro, Claire Forlani, David Bowie, Dennis Hopper, Gary Oldman, Christopher Walken, Willem Dafoe et Courtney Love. Réalisation : Julian Schnabel. Scénario : Lech Majewski, John F. Bowe, Julian Schnabel et Michael Holman. Image : Ron Fortunato. Musique : John Cale & Julian Schnabel. Montage : Michael Berenbaum.

Durée : 105 mn. Disponible en VO.

Résumé :

À 21 ans, Jean-Michel Basquiat, artiste noir surdoué, exerce son talent sur les murs de New York. Le jeune homme est découvert par le milieu de l’art new-yorkais. Avec le parrainage d’Andy Warhol, les toiles de Basquiat s’arrachent bientôt à prix d’or. Mais le succès n’efface pas les souffrances de l’artiste...

L’avis de Bernard Alapetite :

Schnabel, peintre mondialement reconnu, s’est fait cinéaste par amitié et admiration envers Basquiat, peintre à la carrière météorique et premier artiste noir à atteindre la notoriété internationale, mort d’une overdose en 1988, à l’âge de 28 ans.

Basquiat, dans sa peinture, s’inspire de l’expressionnisme abstrait et du pop art. Il y ajoute des mots concepts, des poèmes, des totems vaudous, il y revendique ses origines haïtiennes et portoricaines, mais on y trouve aussi tous les symboles de la société de consommation américaine.

Basquiat, le film, raconte magnifiquement et avec beaucoup d’émotion cette trajectoire trop brève. Schnabel n’a pas cherché à être plus artiste que son modèle, et a fait preuve d’humilité devant la figure de son modèle. On pouvait craindre soit une mise en avant de Schnabel, le peintre, qui se serait donné le beau rôle dans cette tragédie (car c’est bien une tragédie que la vie de Basquiat) soit à une hagiographie de l’ami. Il n’en est rien, bien au contraire. Le petit milieu de la jet-set new-yorkaise est vu d’un œil acerbe ; Schnabel ne se met pas hors-jeu. Il se livre même à un exercice de pur masochisme en se dépeignant sous le nom de Milo, joué parfaitement par Gary Oldman, habitué aux rôles de méchant, en artiste arriviste et jaloux du succès de son jeune collègue, et cependant fasciné par le charisme de Basquiat. C’est aussi l’histoire d’une amitié manquée (entre Schnabel et Basquiat), et surtout de la part du réalisateur l’aveu cruel de n’avoir pas su aimer et comprendre le génie pictural de Basquiat. La seule entorse à la vérité est la jolie scène que Schnabel s’est offert, pour dire ce qu’il n’a jamais dit à son ami de son vivant. On voit Milo montrer une toile à Basquiat, dans son atelier. Sur la toile gigantesque, une date, 12 août 1988. « J’ai peint ce tableau pour un ami qui est mort », commente Milo. Ce tableau, c’est celui que Julian Schnabel a peint le jour où il a appris la mort de Jean-Michel Basquiat. « Au cinéma, c’est un peu comme dans les rêves : vous pouvez faire revenir quelqu’un d’entre les morts et lui montrer un tableau que vous avez peint en pensant à lui. Vous pouvez même lui demander son avis sur ce tableau. Et, ainsi, lui dire que vous l’aimez » a déclaré le cinéaste.

Les toiles que l’on voit dans l’atelier de Milo sont celles de Schnabel. La fille de Milo est jouée par la propre fille de Schnabel. La relation entre les deux hommes ne cesse d’évoluer tout au long du film, Milo passant de l’acrimonie à l’admiration protectrice envers Basquiat.

La démarche de Basquiat est celle d’un ange noir sublime, le rôle est dansé par un merveilleux comédien inédit, le sensuel Jeffrey Wright. Schnabel n’élude pas la question qui travaille le monde de l’art, depuis l’apparition de Basquiat : son immense succès est-il dû à son talent ou n’aurait-il été fabriqué que par le microcosme artistico-médiatique new-yorkais qui, pour des raisons de politiquement correct, aurait eu besoin en 1980 d’un jeune artiste noir photogénique (sur ce petit milieu, il faut voir le réjouissant film-charge de John Waters, Pecker) ? La réponse est dans un plan du film, celui de la superbe toile de Basquiat qui le fit découvrir par hasard par un des plus grands critiques d’art new-yorkais.

Ce sont deux histoires d’amour qui sont les moteurs de ce film, celle de Basquiat avec une jeune serveuse, Gina (Claire Forlani), et celle du jeune artiste pour son aîné et mentor (?) Andy Warhol. Je ne crois pas qu’il soit abusif de parler d’histoire d’amour entre les deux hommes, même si elle n’est pas charnelle. L’homosexualité est le filigrane de tout le film. David Bowie en Andy Warhol fait un numéro succulent de folle tordue tiquée, opportuniste, néanmoins généreux et émouvant. Il faut voir Bowie grimé sous sa perruque blonde, marchant à petits pas telle une geisha, jouant avec une certaine préciosité, à la limite du ridicule mais n’y tombant jamais, David Bowie est Warhol. Comme dans Furyo, David Bowie démontre qu’il est un grand comédien.

Basquiat avec le Van Gogh de Pialat et le film sur Pollock est un des rares films où l’on éprouve le sentiment véritable de se trouver en présence d’un peintre, et non d’un fantasme de peintre. Schnabel parvient à intégrer dans le temps du film, le temps de la peinture. Ce temps qui était la vraie matière de l’œuvre de Warhol. « Warhol voulait faire des placards publicitaires qui recouvriraient l’espace et avec la répétition infinie des mêmes images dans ses films il voulait placarder le temps. » (Ultra Violet, Ma vie avec Andy Warhol, Ed. Albin Michel).

Dans le film lorsque Basquiat et Warhol échangent des propos en regardant les toiles qu’ils sont en train de peindre ensemble, le dialogue est sérieux mais le geste insouciant. Ils n’ont rien à prouver. Tout comme le film. Il s’agit juste de montrer que Basquiat et Warhol sont des artistes.

Julian Schnabel ne s’est pas consolé de la mort de deux hommes (Basquiat et Warhol). Pour cette raison, pour cette unique raison, il a eu besoin de faire son film. Et il a eu raison.

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