Fiche technique :
Avec Yaniss Lespert, Pierre Mignard, Rodolphe Pauly, Jérémie Lippmann, Marie Bunel, Dominic Gould. Réalisation : Christophe Honoré. Scénario : Christophe Honoré, Diastème. Image : Rémy Chevrin. Musique : Alexandre Beaupin.
Durée : 90 mn. Disponible en VF.

Résumé :
Marcel est un enfant de 11 ans. Un soir, il entend un secret : son frère Léo a contracté le virus du sida. Marcel est le plus jeune d’une fratrie de quatre, ils ont toujours été proches, heureux, complices. Ce drame soudain vient jeter une ombre au sein de cette famille unie. Les parents ont imposé ce secret pour protéger Marcel, pour se protéger eux aussi, faire comme si tout était normal. Mais il n’en est rien, la tension est palpable, et Marcel se rebelle contre le non-dit, il ne veut pas être écarté de son frère même dans le drame.

L'avis de Jean Yves :
C’est l’histoire d’un enfant, Marcel, qui allait faire la bise à ses parents avant de se coucher, mais il s’arrête dans les escaliers et entend un secret. Ce secret on a pu le découvrir dans Tout contre Léo livre pour la jeunesse écrit par Christophe Honoré et édité par « L’Ecole des Loisirs », puis M6, pour sa collection « Carnet d’Ado » a demandé à l’écrivain de mettre en image son roman. Les enfants ont pu lire le livre, mais les téléspectateurs français n’ont pas encore eu le loisir de voir ce très beau téléfilm - qui a pourtant été adoubé par tous les festivals où il est passé, et qui est aujourd’hui sorti en DVD dans de nombreux pays (USA, Allemagne, Espagne…) - à cause d’une scène jugée trop osée entre deux hommes, que le réalisateur a refusé de couper à la demande de M6.


« C’est très énervant de voir que l’homosexualité à la télévision passe s’il n’y a pas d’homosexualité. Dès qu’on veut parler du désir, du corps, et de cette sensualité un peu différente, les gens se crispent et pensent – comme M6 – que c’est susceptible de choquer les gens. » Christophe Honoré.


Pourtant ce téléfilm n’a rien de polémique. Il relate l’histoire de Léo, 20 ans, il est beau, il a trois frères, il est gay, ses parents l’aiment. Mais Léo apprend qu’il est séropo, et comme c’est grave on ne dit rien à son plus jeune frère, Marcel (11 ans) pour le protéger. On ne sait pas qu’il a tout entendu, et devant ce non-dit, Marcel se rebelle contre l’attitude des adultes. Ce film âpre et émouvant traite de la place de la maladie au sein d’une famille unie, une famille qui doit se préparer à l’inacceptable, faire face à la violence de la mort qui semble si injuste lorsqu’elle touche un jeune de 20 ans. Le sujet est abordé avec justesse. Il évoque les maladresses, les émotions, les élans du cœur autant que la douleur, avec un humour et un style désinvolte toujours pudique.


Tout contre Léo touche au cœur car ni démagogique, ni mélodramatique, cette histoire demeure avant tout profondément humaine. Christophe Honoré dit ne pas avoir d’imagination et que tout lui vient de sa vie, de la vie des gens qui l’entourent, ainsi que de l’observation. Cette vérité du quotidien, la finesse du regard porté sur cette famille donnent une grande force au film, elle met à nu le spectateur qui ne peut que se laisser porter par l’émotion. Peut-être aussi que la beauté du film réside dans le fait qu’il ait été écrit pour quelqu’un, et que dans ce cas il n’y a pas de faux semblants possibles. « J’avais cette histoire, je voulais dire à quelqu’un qui était en train de mourir de cette maladie-là que je n’arrivais pas à l’aider, et cette personne-là je voulais lui dire ça, que j’étais là. »


Une des gageures de Tout contre Léo est le portrait que Christophe Honoré donne de Marcel, le plus jeune frère, il y excelle particulièrement à décrire le monde d’un enfant tel qu’il est réellement, un univers débarrassé des poncifs habituels, un enfant avec ses interrogations, son parler vrai et sa franchise qui se heurte au monde des adultes. Il est des drames que les enfants ne peuvent ni ne veulent ignorer. Marcel ne veut pas être séparé de son frère par un mensonge, même si c’est pour son bien. Ce film est la première réalisation de Christophe Honoré, avant 17 fois Cécile Cassard, et déjà on trouve tout le talent de mise en scène qu’on lui connaît. Une réalisation inventive mais sobre qui réussit par une suite de tableaux de la vie quotidienne à rendre captivant ce sujet délicat. Christophe Honoré n’a pas peur des silences, ni des temps morts. Il ne cherche pas à dire l’indicible, il le montre. L’image en demi-teinte, comme une bougie qui vacille, parle d’elle même, à cela une économie des dialogues afin de se concentrer sur une contemplation poétique, étrange et sombre qui touche par instants au sublime.


L’avis de Polo :
Que dire de ce film si ce n’est qu’il est magnifique. Pour un coup d’essai, c’est un coup de maître que réussit l’écrivain Christophe Honoré puisqu’il s’agit de son premier film avant la réalisation de deux autres drames : Dix-sept fois Cécile Cassard et Ma mère. À noter qu’il travailla également avec Gaël Morel sur le scénario de son film Le Clan.


Jamais larmoyant, ce film grave explore d’une façon juste et sans fausse note les réactions d’une famille unie face à un drame qui les touche. Christophe Honoré explore avec pudeur les sentiments et les réactions d’un père, d’une mère ou d’un frère face à la maladie frappant un jeune de 20 ans à peine.
Aucune fausse note également du côté des acteurs, il faut néanmoins souligner la justesse du jeu de Yannis Lespert dans le rôle pourtant pas si simple de Marcel, le plus jeune frère qui fait passer les émotions de manière formidable.
La réussite de ce film tient principalement au fait qu’il évoque deux sujets tels que l’homosexualité et la maladie sans aucun tabou mais avec tout de même beaucoup de pudeur, loin de certains mélodrames comme on a déjà pu en voir. C’est ce qui fait son originalité et qu’on en tire une bonne leçon de vie tellement on se sent proche de cette fratrie.


On ne peut s’empêcher de se mettre à la place du petit Marcel et on se rappelle, si on les avait oublié, des valeurs importantes telles que l’amour et la solidarité. On a envie de dire à nos proches qu’on les aime, qu’ils comptent pour nous, ces petites choses si importantes mais qu’on ne dit jamais lorsque tout va bien, ces petites choses auxquelles on pense lorsque le temps nous est compté.
Pour plus d’informations :
Site de Christophe Honoré

Fiche technique :
Avec Ariane Ascaride, Jonathan Zaccai, Jimmy Tavares, Hélène Surgere, Lucas Bonnifait, Nicolas Pontois, Frédéric Sendon, Marcelle Lamy, Frédéric Voldman, Aliette Colas, Hanako Bron, Camille Dumalanede et Magali Hervieu. Réalisé par Olivier Ducastel et Jacques Martineau. Scénario de Olivier Ducastel et Jacques Martineau. Directeurs de la photographie : Matthieu Poirot-Delpech et Pierre Milon. Musique : Philippe Miller.
Durée : 97 mn. Disponible en VF.

Résumé (dos du dvd) :
Pour filmer ses entraînements de patinage artistique, la grand-mère d’Etienne lui offre un caméscope. L’adolescent se met alors à enregistrer sa vie quotidienne avec ses amis et sa mère, à Rouen, sans voyeurisme, par jeu et pour se constituer des souvenirs. S’il s’intéresse de près à un de ses professeurs, c’est, croit-il, parce qu’il serait un compagnon idéal pour sa mère. La relation qui s’installe entre eux lui donne rapidement raison, mais lui fait aussi découvrir que son propre désir était plus ambigu qu’il ne le croyait.


L’avis de Shangols :
Ma vraie Vie à Rouen me réconcilie franchement avec les Martineau/Ducastel, après l'expérience éprouvante de Crustacés et Coquillages (j'ai vu leurs films dans le désordre). Celui-ci est un film franchement intéressant, au niveau purement formel en tout cas.
Un jeune gars, patineur de haut niveau, ado soucieux des mêmes choses que les autres ados (les copains, l'amour, le sexe, le beau-père, la maman...), se voit offrir une caméra vidéo, et tente de filmer sa vie, dans son quotidien le plus banal aussi bien que dans ses drames et ses doutes. Par ce dispositif très simple, tout le film étant tourné par cette caméra légère, les réalisateurs réussissent parfaitement à montrer un cinéaste en train de se faire. Les images montrées, de mieux en mieux maîtrisées, cadrées, intéressantes, au fur et à mesure du film, donnent une nette impression que, en même temps que Etienne raconte sa vie, il trouve les moyens esthétiques de la raconter. On assiste donc à toute une « naissance » du cinéma, des plans heurtés et accidentels du début aux très jolis cadres sensibles de la fin.


Etienne tente tout ce qui fait le cinéma : caméra emportée sur son vélo, caméra cachée, image par image, gros plans, travellings, raccords subtils, décadrages, regards caméra, et surtout mise en scène progressive de son monde (il fait « jouer » sa mère, filme son copain en train de dire du Corneille, traque ses souvenirs d'enfance par la seule magie du plan...). Le journal intime et maladroit de l'adolescence devient un plaidoyer de plus en plus adulte sur la différence et le monde moderne (une manifestation anti-Le Pen réelle, de longs plans d'ouvriers qui déchargent des camions, etc.), jusqu'au coming-out final : tout cela n'a servi qu'à dévoiler l'homosexualité du filmeur. Ce qui est montré est mis parfaitement en parallèle avec la façon dont on le montre. Bien vu : Martineau et Ducastel ont compris que le cinéma montre non pas le filmé, mais le filmeur. Les quelques scènes où un autre personnage attrape la caméra d'Etienne sont révélatrices : il n'est pas acteur, il est metteur en scène de sa vie, et sa caméra-stylo ne sert qu'à filmer son intimité la plus profonde.
Le film rappelle souvent le superbe Ten de Kiarostami, par cette tentative, vaine bien sûr, d'effacer le réel metteur en scène pour laisser le champ libre à la caméra seule. On sent que c'est effectivement le jeune acteur qui filme la plupart des scènes (on voit son ombre se profiler sur le paysage). Mais le film arrive à se retourner complètement, par une mise en abîme subtile et intelligente : petit à petit, les deux réalisateurs reviennent à l'attaque. C'est bien Ducastel/Martineau qui filment Etienne qui filme sa vie.
Alors bien sûr, le scénario du film est un peu trop écrit pour être sincèrement crédible, trop pensé pour donner vraiment cette impression de direct. Bien sûr, les acteurs sont bien souvent mauvais (Hélène Surgère surtout, qui a du mal à trouver le naturel de la chose), mis à part Ascaride, très émouvante. Bien sûr, cette métamorphose de l'ado en homo assumé est un peu cousue de fil blanc. Mais Ma vraie Vie à Rouen reste une très belle expérience formelle, quelque chose entre un bel hommage au cinéma et une expérimentation contemporaine. Chapeau bas.


L'avis de Mat :
Ma vraie vie à Rouen est un film hybride, une première, une expérimentation de part le choix de la réalisation. La caméra des réalisateurs se confond en effet avec le caméscope offert à Jimmy Tavares qui joue Etienne dans le film. Un concept original que les deux réalisateurs français vont utiliser de bout en bout de leur film. Celui-ci commence donc avec la mise en marche du caméscope, clos une scène prématurément avec l’arrêt du caméscope, saute une période à cause d’une réparation nécessaire au caméscope, bref Etienne est LE réalisateur de ce film, c’est lui qui détient la caméra, c’est lui qui montre aux spectateurs ce qu’il a envie de montrer... jamais dans l’histoire du cinéma on a été aussi loin pour traduire à l’écran la vie d’un personnage. Et donc jamais dans l’histoire du cinéma on a été aussi proche du héros d’un film. Il met en scène sa vie sous nos yeux ébahis !


Alors bien sûr, le contenu de l’histoire doit nous satisfaire pour adhérer totalement au film. Sur le fond, la partie la plus intéressante est celle où Etienne se cherche en amour. L’homosexualité est l’un des combats mené tambour battant par Ducastel et Martineau. Etienne est un personnage presque autobiographique : Olivier Ducastel ayant passé son enfance à Rouen et Jacques Martineau ayant pratiqué le patinage artistique ! S’inspirant de souvenirs, ils ont construit un ado qui leur ressemble avec un entourage qu’ils ont connu... L’adolescence étant la période de grands chamboulements intérieurs, d’affirmation de soi, de découverte de son corps : tout était bon pour parler de l’amour à cet âge là.
Deuxième engagement pour Ducastel et Martineau : la lutte contre le Front National. Alors que les scènes de réactions à l’élection présidentielle 2002 étaient déjà en boîte, la "surprise" de voir le FN en deuxième position à la suite du premier tour, remet en cause totalement ce qui a déjà été tourné... Appelant en urgence Jimmy Tavares, Ducastel et Martineau (avec Ariane Ascaride, le chef op’ et le preneur de son) s’engouffrent dans les immenses bains de foule venus manifester leur opposition au groupe d’extrême droite. Une vraie manifestation dans un film qui devient engagé, c’est fort et beau à la fois.
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Steve Sandvoss, Wes Ramsey, Rebekah Johnson, Jacqueline Bisset Amber Benson, Khary Payton, Joseph Gordon-Levitt, Rob McElhenney, David Poser, Erik Palladino et Mary Kay Place. Réalisé par C. Jay Fox. Scénario : C. Jay Fox. Directeur de la photographie : Carl Bartels. Musique : Eric Allaman.
Durée : 97 mn. Disponible en VO et VOST.

L'avis de Kriss :
Deux garçons que tout oppose et un pari idiot : un synopsis qui peut paraître un peu simpliste mais qui donne l’occasion à C. Jay Fox de traiter l’apparente opposition entre foi et amour d’une manière magistrale. Nous avons donc d’un côté Aaron, jeune mormon, fort d’une foi inébranlable (vraiment ?) en la religion et le mode de vie de ses parents, qui effectue sa « mission » d’évangélisation à Los Angeles en compagnie de trois autres jeunes hommes. De l’autre, Christian, voisin des quatre mormons, qui ne croit en rien si ce n’est qu’il va se faire un nouveau mec chaque soir… Christian travaille dans un restaurant et va faire le pari avec ses collègues qu’il arrivera à « convertir » un des mormons. Son choix se porte sur Aaron...
Les premières rencontres sont plutôt comiques mais donnent déjà un aperçu de l’intensité des sentiments qui vont suivre. Question sexualité, Aaron doute, Christian est sûr de lui, question foi, c’est l’inverse. L’histoire qui va se dérouler ensuite est le long chemin parcouru par chacun pour rejoindre l’autre, notamment sur ces deux points.

 

Tout en montrant la force et l’acharnement du dogme et de la foi mormone face à l’homosexualité à travers l’homophobie des colocataires d’Aaron (« Dieu n’aime pas les homosexuels. », suivi d’un « Ni les français. » ) et l’envoi d’Aaron dans un centre de thérapie d’inversion, C. Jay Fox réussit à nous convaincre que ce combat n’est qu’apparent. Aaron ressort fort d’une foi plus grande encore, mais une foi en la vie, en l’amour plus grand que le dogme. Christian, de son côté, découvre que la foi est nécessaire à la vie, une foi en l’autre, notamment en participant à un programme d’aide à domicile pour les malades du sida. Et oui, le sujet de la maladie est également abordé, mais encore une fois pour nous convaincre de la force de la foi en la vie.

 

En résumé, une histoire d'Amour avec un grand A, qui transcende la simple sexualité des personnages, histoire de rappeler que dans homosexuel, il n'y a pas que sexuel, mais aussi deux personnes qui s'aiment.

 

L'avis de Rémi :
Il y a des choses qu'on voit ou qu'on entend et qui marquent. La Tentation d'Aaron est parmi celles-là.
Ça fait une semaine que j'ai vu ce film pour la première fois. Je l'ai acheté aussitôt après et depuis je le regarde en boucle. Je ne sais pas pourquoi j'ai pu louper une histoire pareille. Profonde, forte, qui exprime nos tourments, nos doutes, nos peurs, notre légèreté aussi, mais aussi et surtout toute la splendeur de notre capacité à nous surpasser quand on aime.

 

La Tentation d'Aaron (Latter Days) est une histoire avec des mots brefs mais intenses. Mais ce qui m'a frappé le plus, c'est la mise en scène de notre déroute quand on est placé devant des choix que nous savons déterminer le futur. J'ai été confronté, comme beaucoup je pense à de tels choix. D'un côté il y a l'angoisse de savoir si on va faire le bon ou non, et de l'autre l'angoisse de ce qui se passera si on le fait ce choix ou non. C'est pour ça que je dis qu'il y a des films qu'on regarde avec émerveillement à cause de leurs effets spéciaux, mais celui-là ne s'adresse pas aux sens, mais au cœur, et jamais film n'a su me captiver autant, sauf peut être Amen de Costa Gavras. Je revois à travers ce film tous ces jeunes gens qui ont traversé des périodes terribles de tourments psychologiques, entre le moment où ils s'aperçoivent de leurs penchants terribles, et celui où ils décident d'ouvrir la porte et de s'ouvrir au monde tels qu'ils sont. Quelques uns n'y survivent pas et pour eux je lance une pensée tendre et amicale.
Je recommande à tous ce film. En dehors de l'angle poignant sous lequel il aborde l'homosexualité, ce film est une véritable ode à l'amour, la joie, la tolérance contre l'oppression des hommes, et surtout une question : l'essentiel, c'est quoi pour toi, au fond...
Et ce beau Steve Sandvoss me fait craquer littéralement...
Pour plus d'information :
Site du film avec photos & trailer (US) : http://www.latterdaysmovie.com

Fiche technique :
Avec Brad Davis, Laurent Malet, Jeanne Moreau, Franco Nero, Günter Kaufman, Burkhard Driest et Hanno Pöschl. Réalisé par Rainer Werner Fassbinder. Scénario de Rainer Werner Fassbinder et Burkhard Driest, d’après le roman de Jean Genet. Compositeur : Peer Raben.
Durée : 120 mn. Disponible en VF.



Résumé :
Le « Vengeur » vient d'accoster à Brest. Sur le pont, l'équipage s'affaire à ses dernières tâches avant de descendre à terre goûter à des plaisirs éphémères, le temps d'une escale. Parmi eux, Querelle, le beau marin, au puissant pouvoir de séduction, qui ne laisse pas insensible son supérieur, le lieutenant Seblon.
Pénétrant à l'intérieur du bar-bordel le plus réputé du port, Querelle retrouve son frère, Robert, barbeau et incompréhensible image morale de lui-même. D'étranges rapports de haine et d'amour lient les deux frères. Fasciné par Lysiane, chanteuse, épouse du patron et maîtresse de Robert, Querelle doit cependant se soumettre au désir et au fantasme de Nono, le tenancier du bordel. Séduction... fascination... Querelle rencontre Mario, le policier, un habitué des lieux, puis Gil, le sosie de son frère.
Bien que poussé par un formidable instinct de vie qui le force à vivre, Querelle tue ceux qui lui ressemblent, de peur de les aimer comme lui-même... Lentes et inévitables étapes du chemin vers la mort.

L'avis de Jean Yves :
Le Vengeur vient d'accoster à Brest. Sur le pont, l'équipage s'affaire aux dernières tâches avant de descendre à terre. Parmi eux, Querelle, beau marin au pouvoir de séduction immense, qui ne laisse pas insensible son supérieur, le lieutenant Seblon. Pénétrant à l'intérieur du bar-bordel le plus réputé du port, Querelle retrouve son frère Robert. D'étranges rapports de haine et d'amour lient les deux hommes. Fasciné par Lysiane, la maîtresse de Robert, Querelle doit cependant se soumettre au désir et aux fantasmes de Nono, le tenancier du bordel.
Ce film est un mythe cinématographique. Querelle, l'histoire du matelot assassin si beau qu'il fait évanouir officiers et policiers, si lâche et si traître qu'il livre tous ses amis, intéressé par lui seul, mortel et sublime.
Querelle, le roman le plus radical de l'histoire de la littérature. Avec sa mythologie si prolifique qu'elle est à elle seule une jungle. Non pas un roman sur l'homosexualité et le crime, mais le crime homosexuel comme roman et poème.
Relisant, pour la cinquième fois, ce texte redoutablement non-visuel, j'ai compris le choix, lisible dans les images, qu'a fait Fassbinder. Celui d'un Brest surréel, entièrement reconstitué en studio par le décorateur Rolf Zehetbauer : bateau de guerre (le Vengeur où sert Querelle), bar (la Feria, le bordel où Querelle erre le soir), nature, remparts, citadelle, rues, tout est faux, jusqu'à ces tours en forme de phallus pointant vers un ciel rouge sombre.

   

On pardonnera à Fassbinder d'avoir écrit que Querelle n'est qu'une « histoire policière de troisième niveau », alors que la mécanique du récit policier y est au contraire d'une admirable précision, parce qu'il a compris le plus important : la nature mythique, sacrée, de ce Brest du crime entre trop beaux garçons.
Querelle, chez Fassbinder, c'est Brad Davis, le béret au pompon crânement posé, connu aussi par le film Midnight Express. Point jeune, car Querelle, quand commence le roman, a déjà plusieurs assassinats sur la conscience dont celui de Joachim, le pédé arménien de Beyrouth.
Querelle, c'est aussi Madame Lysiane, la rêveuse et tendre patronne de La Feria, du bordel de Brest, la seule femme du roman, coincée entre tous ces hommes secrètement pédés et trop virils. Lysiane, jouée par Jeanne Moreau, n'est pas un personnage réel. Elle est un mythe, le symbole de toute féminitude, la définition utopique de toute femme possible.

   

Querelle, c'est encore le lieutenant Seblon, que joue Franco Nero, la folle virile et secrète, amoureuse du matelot Querelle, que ses folies de générosité, sa profonde complicité avec le voyou, perdront un jour.
Querelle, c'est enfin Hanno Pöschl, qui joue Robert, le frère hétérosexuel de Querelle, le mac qui est le doublet du marin ; mais Fassbinder a choisi une ressemblance purement intérieure (Pöschl n'est en rien le sosie de Brad Davis) ; pour retrouver ce « double » (Robert-Querelle) qui hante le roman, Fassbinder a préféré faire jouer à Pöschl deux rôles à la fois, celui de Robert et celui de Gil, Gilbert Turko, l'assassin que Querelle entraîne dans ses filets jusqu'à le perdre.
Si, comme moi, vous avez pleuré, pendant votre adolescence, en lisant le Querelle de Jean Genet, je vous conseille de voir ou revoir le Querelle de Fassbinder.

   

Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Martin Potter, Hiram Keller, Max Born, Mario Romagnoli, Alain Cuny, Lucia Bose, Salvo Randone, Capucine, Magali Noël, Fanfulla, Tanya Lopert, Danika La Loggia, Giuseppe Sanvitale, Genius, Gordon Mitchell, Luigi Montefiori et Elisa Mainardi. Réalisation : Federico Fellini. Scénario : Federico Fellini, Brunello Rondi & Bernardino Zapponi, d’après l’œuvre de Pétrone. Directeur de la photographie : Giuseppe Rotunno. Compositeurs : Nino Rota & Andrew Rudin.
Durée : 135 mn. Disponible en VO, VOST et VF.

Résumé :
Dans l'Italie de l'Antiquité, deux jeunes étudiants à demi vagabonds, Encolpe et Ascylte, vont d'aventures en aventures, guidés par leur instinct de jouissance.
Pour commencer, ils se disputent les faveurs d'un adolescent vaguement pervers, Giton, qu'Ascylte a vendu à une troupe théâtrale animée par le vulgaire Vernacchio.
Encolpe, éconduit et humilié, va trouver son ami le vieux poète Eumolpe qui l'entraîne à un monumental festin qu'offre Trimalcion, un nouveau riche orgueilleux et cruel. Ambiance sinistre dominée par une sensualité assez triviale.
Encolpe, Ascylte et Giton se retrouvent dans les cales d'un navire, prisonniers d'un notable de la cour impériale, Lychas, à qui il prend la fantaisie d'épouser Encolpe. Après que ces étranges épousailles homosexuelles soient célébrées, Lychas, suite au meurtre de César, est capturé et décapité par un groupuscule de mercenaires.
Les deux compagnons, rescapés de cette escarmouche navale, pénètrent dans une luxueuse villa dont les propriétaires, un couple de patriciens proscrit viennent de se donner serainement la mort. Dans la maison déserte, les jeunes gens découvrent une petite esclave noire en compagnie de laquelle ils passent une nuit de plaisir.
Dans une grotte bizarrement décorée de fresques géantes, un enfant souffreteux et hermaphrodite repose sur une couche. Il est censé accomplir des guérisons miraculeuses. Des pèlerins éclopés apportent leurs offrandes dans l'espoir d'un prodige. Ascylte, Encolpe et un nouveau complice s'emparent de l'enfant afin de l'exploiter à leur tour. La pauvre créature meurt de soif en plein désert.
Encolpe rencontre un colosse déguisé en Minotaure qui le défie en combat singulier. Une foule en liesse assiste à la confrontation... qui se révèle être un jeu organisé par le vieux poète Eumolpe. Vaincu, Encolpe est soumis à une autre épreuve : satisfaire le désir d'une femme gourmande. Impuissant avec Ariane, Encolpe ne retrouve son pouvoir sexuel qu'auprès d'une magicienne noire.
Tandis que Ascylte est assassiné et que les héritiers d'Eumolpe, mort très riche, sont contraint de dévorer son cadavre, Encolpe part pour l'Afrique. Bien plus tard sans doute, les fresques d’une maison en ruine rappelleront ses aventures.

L’avis de Thomas Querqy :
Quand ai-je vu pour la première fois ce chef d’œuvre de Fellini ? Seule la date portée sur mon exemplaire du Satiricon de Pétrone devrait pouvoir me le rappeler puisque je l’ai probablement acheté après avoir vu le film. Est-ce parce que je me rapproche de l’âge de son auteur que je crois l’avoir encore davantage apprécié ?
Naturellement, j’ai de nouveau été séduit par la beauté des interprètes d’Encolpe et d’Eschylte qui se disputent au début du film l’esclave et éphèbe Giton dans un monde où les amours homosexuels semblent relever de la normalité (Gabriel a même vu dans leur relation celle d’un couple d’amants et il a par ailleurs capté le début d’un récit faisant référence à nos jumeaux Castor et Pollux).
Mais ce qui m’a davantage touché cette fois-ci, c’est la parabole sur la vie humaine qui pourrait se résumer par la formule suivante : de ta jeunesse profite avant de devenir comme tous ces vieux libidineux et laids qui n’ont d’yeux que pour ta jeunesse, l’argent, le pouvoir qu’il leur procure et leur tombe ; la vie est si courte !
La nature universelle et atemporelle des relations entre vieux qui détiennent argent et pouvoir et jeunes, jouets de leur concupiscence, habite largement l’histoire.
L’angoisse de vieillir s’exprime notamment dans la panne sexuelle subie par Encolpe et dans ses efforts pour retrouver sa puissance sexuelle, cet apanage de la jeunesse.
Dans cette tragédie humaine, le vieillard peut soulager ses angoisses et échapper au ridicule par la poésie mais encore faut-il être un véritable poète, ce qui n’est pas donné à tout le monde, pas vrai Trimalchion ?
Quoi qu’on fasse, la tragédie de l’homme est telle que mieux vaut en rire, ne serait-ce qu’au moins une fois par an à l’occasion d’une journée du rire, à l’instar d’un peuple croisé par les deux compagnons.


Très belle séquence aussi que celle racontant l’histoire de la matrone d’Ephèse effondrée de douleur sur le macchabée de son époux et qui ne pense qu’à le rejoindre, jusqu’à ce qu’attiré par ses pleurs arrive un beau soldat de garde au pied d’un pilori non loin de là qui la raisonne : « À quoi te servira-t-il de te laisser mourir de faim, de t’ensevelir vivante, et, avant que les Destins ne t’y invitent, de rendre un souffle innocent ? Ne veux-tu pas revenir à la vie ? Ne veux-tu pas, renonçant à un entêtement féminin, profiter, aussi longtemps que tu le pourras, des bienfaits du jour ? Ce cadavre même, étendu en ce lieu, devrait te donner le conseil de vivre ! » De la transfigurer au terme d’une longue étreinte. Mais peu de temps après, c’est désormais lui qui va devoir mourir puisque la famille du supplicié a entre-temps volé le corps dont il avait la garde. Déjà folle à l’idée de devoir de perdre son nouvel amant, la veuve presse le soldat de l’aider à fixer son défunt époux à la place du supplicié : « Aux dieux ne plaisent que je voie en même temps les funérailles des deux êtres que je chéris le plus. J’aime mieux perdre le mort que de causer la mort du vivant. »
L’esthétique des décors comme les situations sont surréalistes : elles relèvent plutôt du domaine de la représentation du rêve en particulier dans ce que ce dernier comporte de représentations symboliques et dans cette succession de bribes d’aventures dont l’enchaînement est non linéaire. D’ailleurs, si on excepte le début du film (la querelle des deux compagnons autour de Giton puis les séquences autour du riche Trimalchion), ce film est non racontable en tant qu’histoire, ou alors quelque chose m’a échappé. Il se peut que le fil conducteur se trouve dans le personnage du poète qui est tué par Trimalchion et qui réapparaît dans le film (à revoir donc ou trouver un commentaire). 
Il est vrai qu’il s’agit d’une adaptation d’une œuvre elle-même en lambeaux et lacunaires dans son contenu. On est loin du  « récit réaliste de la Rome décadente de Néron et des affranchis » de Pétrone (le Larousse) ; Fellini y a-t-il trouvé un moyen de « traiter ses phantasmes homosexuels » comme il est affirmé sur le site ciné du Luxembourg ? Ça me paraît douteux ; Fellini offre-t-il à ses contemporains en cette année 1969 un « miroir inquiétant » ? (La petite encyclopédie du cinéma) Sans aucun doute, tout comme il démontre que le cinéma peut être œuvre d’art.
Sur le thème de la décadence et de son actualité, Trimalchion : « Croyez-moi, qui a un as, vaut un as ; possédez vous serez considéré. (…) »


L’avis de J.L.L. de Ciné-club de Caen :
Scène clé : Dans la demeure des patriciens décédés, Encolpe poursuit une jeune esclave tout en étant intrigué (deux contre-champs sur les visages des patriciens suicidés) par les fresques racontant la vie de ces patriciens. Un peu plus tard, Encolpe s’asperge dans la pièce d’eau et découvre, par une ouverture du toit, le ciel étoilé. Ce plan rappelle celui de la fin de La Strada, où prenant conscience du mal qu’il a fait à Gelsomina (Giulietta Masina), Zampano (Anthony Quinn) pleure enfin. Dans cette seconde partie de la séquence encore, l’accession à la spiritualité est effleurée. Mais Encolpe, fidèle à la philosophie épicurienne énoncée un peu plus tôt, préfère cueillir le bonheur présent. Ces fresques et la nature grandiose frappent Encolpe pour la première fois. Auparavant, il avait été indifférent à la fresque peinte durant le banquet de Trimalcion. Mais, dans cette scène clé, il ne sait pas quoi faire de cette révélation. Ce n’est qu’en Afrique qu’il prendra le temps de faire peindre sa vie et d’échapper ainsi, provisoirement peut-être, au néant.

Message essentiel : La création d’œuvres d’art est un moyen, provisoire peut-être, d’échapper à la mort. Les fresques sont en effet fragiles (ce motif sera reprit dans Fellini-Roma). Comme d’habitude, Fellini condamne les crimes de ses deux vittelloni que sont Encolpe et Ascylte mais compatit à leur souffrance. Pour la première fois cependant, dans ce monde d’avant l’imprégnation christique, la grâce ne peut venir d’un ange mais de la création artistique.
Fellini a expliqué que, gravement malade, il avait retrouvé l'inspiration grâce à ce récit de Pétrone, lu pendant sa jeunesse. Satyricon est le premier roman picaresque européen. Écrit sous Néron, vers le milieu du premier siècle, seulement deux fragments des livres XV et XVI nous sont parvenus; le festin chez Trimalcion occupe plus de la moitiés des vers. Fellini indique que l’aspect lacunaire de l'œuvre l’avait fasciné car elle permettait d’imaginer les épisodes manquants. C’est ce délire d’imagination qui fait la force du film. Plus que jamais, l’intrigue et le suspens ; l’aspect linéaire, contrapuntique, sont traités avec désinvolture pour se concentrer sur l’aspect vertical, harmonique de la mise en scène. Mais le cinéma n’a pas la possibilité de la musique de superposer les images. Fellini profite donc des trous du récit pour surcharger les séquences de plans qui expriment sa vision de l’époque ; Le vaisseau de Lycas, la baleine (premier rappel de La dolce vita) que l’on y pêche, l’hermaphrodite dans sa baignoire, l’immense balançoire du jardin des délices sont autant de symboles, totalement inventés, de la dégénérescence de la Rome antique.
Fellini a indiqué aussi qu’au fur et à mesure que l’œuvre se construisait, il sentait des correspondances avec la société contemporaine. Il ne faudrait toutefois pas voir dans le Satirycon qu'une allégorie moralisatrice sur l'effondrement de la culture et des mœurs de l’Europe. Le Satyricon serait alors l'équivalent du tableau pompier (ou éclectique ) de Thomas Couture; « Les romains de la décadence » (1847), exposé au musée d'Orsay, qui commente ces vers de Juvénal : « Plus cruel que la guerre, le vice s'est abattu sur Rome et venge l'univers vaincu. » C'est probablement ce qu'exprime Télérama dans l'avis suivant : « Dans cet univers livré à la dépravation, l'amour et l'art ne sont plus que des apparences. Seuls la mort et le suicide apparaissent dans toute leur inéluctable rigueur. »


Certes le suicide des patriciens possède une réelle beauté et est imaginé par Fellini pour faire écho à la mort élégante de Pétrone, l’auteur du Satyricon, telle qu’elle est racontée par Tacite dans Les Annales. Mais Fellini est loin de faire l’apologie du suicide. Ce n’est pour lui une attitude rigide, adoptée par ceux qui sont restés trop attachés aux valeurs du passé (froide détermination de l’intellectuel, interprété par Alain Cuny qui, dans La dolce vita, tue ses deux enfants avant de se suicider). Cette mort est donc loin d’être la solution proposée par Fellini. Juste après ce suicide, il donne une autre piste : l’art permet d’échapper à la mort.
Fellini est probablement persuadé que l'époque contemporaine a balayé les anciennes pratiques mais peut-être pas les anciennes valeurs... ou non-valeurs. Hier comme aujourd'hui, ses héros sont aveugles à la grâce. La correspondance avec la société contemporaine le frappe probablement plus prosaïquement dans son métier de cinéaste.
Fellini trouve dans les valeurs esthétiques de la Rome de la décadence (la surcharge, le foisonnement) des solutions nouvelles qu'il applique avec générosité à toutes les formes d'art. Satyricon multiplie en effet les références aux autres arts : récit (Le corps du mari prenant la place du pendu pour sauver l’amant) ; peinture (les multiples fresques), théâtre (les scènes cruelles du théâtre de Vernaccio) et jeux du cirque (le faux Minotaure).
Loin d'être une œuvre malade, le Satyricon est bien plutôt une œuvre de renaissance, première d'une série de films où le cinéaste se veut totalement novateur (Fellini-Roma, Amarcord, Le Casanova de Fellini). Elle lui assurera une réputation au moins égale à celle de cinéaste néoréaliste. Le Satyricon a immédiatement séduit un large public.
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