« Parler de communautarisme m'agace énormément : ce sont ceux qui font souvent preuve de communautarisme (bourgeois blanc hétéro parisien, par exemple) qui l'utilisent le plus. Ce n'est pas un hasard si l'on accuse les homos et les musulmans de communautarisme : ce sont les minorités les plus visiblement oppressées. C'est un peu comme accuser les Juifs de s'être retrouvés dans le ghetto à Varsovie pendant l'occupation allemande : il ne faut pas confondre oppresseur et oppressé ! » Laurent Chambon, co-fondateur de minorites.org

Fiche technique :
Avec Emmanuelle Riva, Charlotte Clamens, Gilles Treton, Alexandra Kazan, Jenny Clève, Christophe Huysman, Eric Doye et Christine Murillo. Réalisé par Jean-Claude Tilly. Scénario : Jean-Claude Tilly. Directeur de la photographie : Benoît Delhomme.
Durée : 100 mn. Disponible en VF.
Résumé :
Vigoureuse satire de la petite bourgeoisie à travers les retrouvailles de toute une famille à l'occasion de la fête des mères.
L'avis de Jean Yves :
Juliette, dans la grande propriété de Normandie où elle vit seule avec Honorine, la bonne, (depuis que son mari l'a quittée pour vivre au Brésil) attend tous ses enfants et petits enfants pour la fête des mères.
Tous viennent pour leur mère, mais les liens entre eux sont complexes et les relations tendues derrière les apparences du bonheur...
Huis clos au vitriol…
Jean-Claude Tilly pénètre avec ce film dans les rites d'une famille bourgeoise au charme infiniment peu discret. Loin du Brésil prend d'abord des airs bon enfant : le masque même de la cruauté. Provinciale resplendissante et fanée, Juliette – une Emmanuelle Riva tout en grâce et en glace – a convoqué les siens dans le fief familial pour une Fête des Mères de retrouvailles : galerie de portraits qui imperceptiblement vire, d'un ton de gentille ironie, à une acidité corrosive.
La blonde neurasthénique en cours de grossesse et son faux jumeau, rebelle, flanqué d'une femme impertinente qui fait métier d'écrivain ; la pin-up télévisuelle en transit entre deux reportages tiers-mondistes ; l'aîné, le quincaillier aux mains moites, nanti de sa BMW polishée, de sa bourgeoise sur son trente et un, de sa descendance en kilt, façon Sainte-Marie de Neuilly...
Enfin et surtout, le préféré, Benoît, dit « le bézot » (Christophe Huysman), affublé de son amant clandestin Kim (Eric Doye) qu'il essaie de faire passer pour « un ami », sorte de gigolo aux favoris faussement virils.
Réunion idéale, donc, sous l'œil bovin d'Honorine, la bonne obtuse (excellente Jenny Clève), et tout cela baignant dans les effluves de « mauvaise réputation » que le pays prête à Juliette : veuve joyeuse se consolant, dans la débauche d'un club très privé, de la lointaine désertion maritale.
Le film nous achemine avec un très sûr instinct dramatique vers son dénouement abrupt, lorsqu'il deviendra patent que la mascarade de ces retrouvailles indigènes a assez duré. Quand la famille révèle son vrai faciès de veulerie, d'opportunisme.
Dès lors, ce huis clos, à l'humour acide, tout en demi-teinte, franchit aussi, au dernier acte, le cap de la tragi-comédie respectable, pour passer du côté du drame. À l'instar du visage intraitable, décomposé de Juliette, Loin du Brésil bouleverse alors le château de cartes de l'attachement tribal.
« Familles, je vous hais ! » : le mot fameux de Gide pourrait être l'épigraphe de ce règlement de compte d'autant plus efficace qu'il ne s'annonce jamais pour tel. Tout comme les paroles assassines mais qui n'insistent jamais, le comique qui affleure mais sans jouer les renvois d'ascenseur à perpétuité.
Juste, précis, impitoyable, ce petit film délicatement perfide va droit au cœur : la meilleure cible.
Pour plus d’informations :
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Fiche technique :
Avec Joe Dallesandro, Taylor Mead, Louis Waldon, Eric Emerson, Alan Midgette, Francis Francine. Réalisé par Andy Warhol et Paul Morrissey.
Durée : 109 mn. Disponible en VO et VOST.
Résumé :
Deux amis sont à la poursuite de leur idéal. Vont-ils le trouver dans la ville fantôme où ils arrivent ?
L'avis de Jean Yves :
Les premiers cowboys homos au cinéma ne sont pas ceux du film d'Ang Lee : Brokeback Mountain, d'après une nouvelle d'Annie Proulx (sortie le 18/01/2006).
En effet, Lonesome cowboys tourné en 1968, par le tandem Andy Warhol/Paul Morrissey, se déroulait déjà dans les reliefs de l'Ouest.
Deux illuminés défoncés traversent une ville abandonnée, en quête d'une âme sœur, d'amis, d'amants pour délirer un peu plus. Cinq somptueux cavaliers de l'Apocalypse surgissent de la nuit, tels des Zorro en goguette. Luttes et pressions s'engagent afin de séduire et de percer les vraies natures de ces cinq frères au goût étrange.
Les cowboys, dans ce film, se comportent en solitaires, une secte qui se suffit à elle-même, alignant les mythes les plus sexistes et affichant une homosexualité latente faite de bravoure, de franche camaraderie et de jeux de mains.
Warhol utilise le cadre qu'il a choisi – le western – pour dévoiler et analyser vies intimes, sociales et modes relationnels. C'est dans ce sens que Lonesome cowboys est un film symbolique : les acteurs incarnent leurs personnages et proposent, au bout du compte, une image qui n'est autre que le reflet de l'Amérique.
Un autre aspect de Lonesome cowboys est de montrer de façon explicite l'élément homosexuel ou plutôt bisexuel latent dans les films de cowboys ordinaires, et plus généralement dans les récits de l'histoire des États-Unis.
Pour plus d’informations :
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Fiche technique :
Avec Jaya Bachchan, Shah Rukh Khan, Saif Ali Khan, Preity Zinta, Sushma Seth, Reema Lagoo, Delnaaz Paul, Ketki Dave et Sulbha Arya. Réalisé par Nikhil Advani. Scénario : Karan Johar. Directeur de la photographie : Anil Mehta. Compositeur : Shankar Ehsaan Loy.
Durée : 180 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Naina fait partie de la communauté indienne installée à New York. Elle a 23 ans, mais l'air d'en avoir 50 : depuis la mort de son père, elle semble porter le poids de sa famille sur ses épaules, supportant les humeurs massacrantes de sa grand-mère acariâtre, et observant sa mère, Jennifer, subir l'échec de son fast-food, que les banques vont bientôt lui reprendre. Elle se concentre sur ses études et n'a que deux amis : Sweetu, la copine boulotte qui cherche désespérément le prince charmant, et Rohit, le célibataire invétéré qui drague toutes celles qu'il rencontre. L'amour ? Pfff, Naina n'y pense même pas !
C'est alors que s'installe juste en face de chez elle Aman. Il est insouciant, séducteur, drôle, enjoué, blagueur, charmant, insolent. Autant de qualités qui exaspèrent sa voisine au plus haut point...
L'avis de Mérovingien02 :
New-York Masala. Putain, quel titre de merde tout de même ! Je vous vois déjà fuir mais attendez ! Le titre original n'est autre que Kal Ho Naa Ho, ça a quand même plus de gueule ! Et au moins, ça rend justice à la marchandise en lui redonnant son cachet exotique hindi. Un film indien ? Ouais, ben comme d'hab, quoi. Un gros film Bollywood pété de thunes avec numéros musicaux en pièces montées à rendre suicidaire n'importe quel clip MTV et romance rose bonbon qui colle aux dents, le tout enrobé de bons gros marshmallows.
Oui, parce que si vous avez déjà vu un Lagaan (ZZZzzzz....) ou un Devdas, vous ne serez pas spécialement dépaysé. Quoiqu'à bien y réfléchir, New-York Masala fait surtout penser à la Famille Indienne (quel titre de merde – bis), jusqu'à son titre à rallonge avec plein de mots bizarre (Kabhi Kushi Kabhie Gham, ha oui quand même...). Normal, c'est le même producteur, Yash Johar, décédé l'an dernier, qui est derrière les finances. C'est également le premier film de l'assistant réalisateur du même film, ceci expliquant cela. On retrouve dans les deux métrages le même esprit d'ouverture sur le monde qui offre une touche de modernité indéniable à un genre trop balisé, sans que cette irruption sur un nouveau continent ne vienne brader l'identité du film. New-York Masala, ça se passe donc à New York (si ça se passait en Éthiopie, ça s'appellerait Éthiopie Masala, sauf que non).
L'histoire ? Ben comme n'importe quel film Bollywood : une jeune fille sexy, avec des lunettes lui conférant un côté pète sec qui lui sied à merveille, tombe amoureuse. Si vous regardez bien le casting, vous savez déjà pour qui elle va craquer, non ? Mais siiiiiiii !!! Shah Rukh Khan, of course !! L'acteur super star qui joue dans TOUTES les comédies musicales indiennes !!!! Celui qu'on a envie de gifler tellement il est fatigant à toujours être partout pour faire chaque fois la même chose. Enfin bref, voilà cet être exceptionnel qui débarque cheveux aux vents à côté de la bombasse pour lui faire découvrir l'amour de sa vie. Sauf que la révélation, ce n'est pas lui, c'est le meilleur ami sexy de la fille. Oui oui, il est amoureux d'elle depuis toujours. Bref, une classique histoire de triangle amoureux avec tout ce que le genre exige. Rimmel et mascara qui coulent à flots, romantisme hypertrophié et décomplexé, fille en pleurs sur le pont de Brooklyn parce que la vue est super sympa, ect. Terrain connu donc. Et en bon Bollywood, on a même droit à la fin tragique où le héros meurt d'une maladie horrible. Tellement horrible qu'il a les joues roses Barbie quand il meurt, même pas de cernes ni rien du tout. Poignant.
Mais finalement, on s'en fout puisque New-York Masala cultive ce côté kitsch à fond les manettes et utilise la carte postale du début à la fin. Le générique présente l'héroïne qui fait son petit footing en traversant tout Manhattan sans suer une goutte, les disputes ont lieu dans la grande gare parce que c'est plus joli (et tant pis si les personnages n'ont aucune raison d'y être) et les déclarations d'amour se font dans un immense musée parce que c'est plus impressionnant et romantique. Quand on prie, il neige dehors mais aussi dedans ; quand on pleure, il pleut dans l'appartement. Délire total assumé.
Mais l'ingrédient essentiel, celui qui attire en premier lieu les spectateurs, ce n'est pas le plaisir masochiste de se taper trois heures de film d'amour glucosé. Non, on vient avant tout pour le spectacle musical. Les longues chansons sur lesquelles se déhanchent les héros dans un feu d'artifice de paillettes, on doit bien reconnaître qu'on aime ça, surtout quand il y a un décor immense pour pouvoir foutre la caméra n'importe où et la faire voler à la moindre occasion. Vous y ajoutez environ 150 figurants en T-shirt moulants et voilà le travail. Pas de doute, New-York Masala tient ses promesses de ce côté-là. On commence sur une reprise de Pretty Woman version curry qui éclate sa mère aux clips de Britney en se foutant ouvertement de la gueule de l'américanisme béat (voir le drapeau américain qui sert parfois de toile de fond), puis on enchaîne sur une reprise musclée du Chale Chalo de Lagaan avant de faire un saut dans une boîte de nuit telle qu'on les rêve (pleine de mecs huilés et de vraies filles sachant danser – rien à voir avec les pétasses blanches dandinant du cul sur du Rn'B comme on les voit dans la vraie vie – le tout dans une ambiance survoltée).
On l'aura compris, tout ce qui fait le cinéma Bollywoodien se retrouve une nouvelle à l'écran. Les morceaux musicaux vertigineux, le sentimentalisme outrancier et même le ridicule hindi qui veut que l'on parle de l'exaltation des sentiments sans que jamais les personnages ne fassent l'amour ni même, pire, que les comédiens s'embrassent. Alors si le film comporte déjà tout ce que l'on a pu déjà voir dans ce cinéma bien trop balisé (franchement, au bout d'une dizaine de Bollywood, vous avez fait le tour complet du genre au moins trois fois), quel intérêt trouve-t-on à voir New-York Masala ?
Et bien finalement, pour un peu toutes les raisons citées plus haut. Parce que c'est Bollywood donc c'est la fête pendant trois heures un rien longuettes (surtout sur la fin) et que le film a le mérite de réussir dans chacun des domaines clefs du genre. Pas de nunucheries au rabais, de vrais tourbillons de musiques et de bulles multicolores...
Mais là où le métrage marque des points, c'est dans son étonnante modernité dans un cinéma qui n'aime pas spécialement le changement. Les danses se font plus contemporaines, possédant une puissante dynamique insufflée par la grande chorégraphe Farah Khan, enchaînant les mouvements simples à un rythme si frénétique que ça en devient complexe. Par chance, la mise en scène ne réduit jamais ces temps forts à une esthétique MTV de pacotille. Les longues robes de princesses et les tuniques des hommes ont disparu au profit de jeans moulants, de débardeurs et de Gel Vivel Dop. Le tout sous des spots flashy qui tendent à faire valider l'hypothèse selon laquelle New-York Masala est un film furieusement gay. On connaît l'aversion de l'Inde pour l'homosexualité mais il se pourrait bien qu'en délocalisant l'action aux États-Unis, le producteur et le réalisateur du film aient tenté de décoincer des mœurs fermement vautrées dans des traditions ancestrales et réacs. À voir les lumières fluo tendance queer ou les tenues affolantes des personnages masculins, impossible de ne pas voir l'orientation du film ! Et à ceux auraient encore quelques doutes sur la sexualité ambiguë du métrage, on les renverra aux multiples scènes où les deux héros s'endorment ensemble et sont surpris par une vieille femme paniquée, croyant voir là un couple gay. Ce n'est qu'un exemple parmi tant d'autres où une allusion homo vient offrir un supplément d'âme à un mode de pensée occidentalisé. New-York Masala, militant pour l'ouverture des mœurs ? C'est déjà ça !
Cerise sur le gâteau : le script aussi épais qu'un ticket de ciné est sauvagement dynamité par une mise en scène chargée jusqu'à la gueule de trouvailles visuelles et narratives lorgnant vers Sex and the City et Friends. La présentation des personnages avec ralentis et arrêts sur images, les conversations téléphoniques en split-screen ou encore une leçon de drague en 6 leçons avec des figurants présentant chaque jour finit de tirer le film vers le sitcom de luxe en scope.
New-York Masala est donc un digne représentant de l'école du cinéma indienne. Il excelle dans les passages obligés tout en marquant certaines innovations contemporaines dans ce type de productions. Alors si en plus on a le droit à une vision de New York qui n'a jamais été aussi romantique et coloré, difficile de ne pas se laisser tenter malgré la durée. Enivrant, furieusement kitsch et romantique ! Encore !!!
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Nigel Terry, Andrew Tiernan, Tilda Swinton, Steven Waddington, Jerome Flynn et Jody Graber. Réalisé par Derek Jarman. Scénario : Derek Jarman, Ken Butler, Steve Clark-Hall, Stephen McBride et Anthony Root, d’après l’œuvre de Christopher Marlowe. Directeur de la photographie : Ian Wilson.
Durée : 90 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Du fond du donjon où il est prisonnier, le roi Edward II se remémore les événements qui ont provoqué sa chute, son amour immodéré pour son favori Piers Gaveston.
L'avis de Jean Yves :
Passion, érotisme, trahisons, violence forment la trame de ce film exceptionnel.
Dans la même veine que Caravaggio (1985), Edward II est une tragédie écrite par un contemporain de Shakespeare mort poignardé à 29 ans : Christopher Marlowe.
L'histoire ? Edward II (Steven Waddington), monarque follement épris de son giton Gaveston (Andrew Tiernan), s'aliène la cour et sous la contrainte bannit son amant. Ourdi par son épouse et Mortimer (Nigel Terry), chef des armées, un complot rappelle Gaveston pour mieux l'assassiner, semer la guerre civile et triompher du roi, quitte à jeter contre lui son propre frère. Isabella, la reine (Tilda Swinton), et Mortimer célèbrent leur victoire sur sa dépouille : le fer rouge est prêt pour empaler Edward.
Le synopsis ne dit pas grand chose du climat tout ensemble visionnaire et réaliste, vertigineusement cru, délicat et sarcastique où Jarman atteint ici le sommet absolu de son art. Sous son objectif, cette pièce ancienne, admirablement dite par d'impeccables comédiens devient un jet de soufre contre l'intolérance, une supplique amoureuse, un acte d'insurrection. Edward II montre la maîtrise éblouissante d'une esthétique dont Jarman, plasticien et poète, a su explorer toutes les ressources. La plus spectaculaire étant le perpétuel télescopage temporel, qui récuse tout réalisme historique : souverain en débardeur sur son trône, barons et pairs en tenue de ville, reine en tailleur de star hollywoodienne. Sans oublier la somptueuse langue élisabéthaine, ornée, maniériste, que Jarman dans ses dialogues restitue avec exactitude.
Le réalisateur exprime, dans ce film, sa rage, sa foi, en vrai poète : intraitable et radical.
Magnifique film-manifeste qui est en même temps un drame amoureux pantelant de poésie et un réquisitoire acide contre la société britannique.
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Gil Frank, Hanoch Re’im et Tzofit Elyashiv. Réalisé par Eytan Fox. Scénario : Nathan Brand et Eytan Fox. Directeur de la photographie : Avi Karpik. Compositeur : Yehuda Poliker.
Durée : 45 mn.
Résumé :
Hiver 1983. Avant de partir pour le front de la guerre du Liban, un groupe de jeunes soldats israéliens passe quelques heures de permission à Jérusalem. Yonatan erre dans la ville, aperçoit soudain son commandant, le suit et découvre un secret qui changera sa vie.
L'avis de Jean Yves :
Un jeune soldat subit les brimades de son supérieur. Lors d'une permission, ils vont se révéler l'un à l'autre. Le premier court métrage (45 minutes) du réalisateur de Yossi & Jagger et de Tu marcheras sur l'eau.
Ce film met en scène un lieutenant macho et homo, un appelé troublé par le spectacle de son chef dans une pissotière de Jérusalem et une femme-soldat qui joue les figurantes souriantes.
Le service militaire est une expérience très forte pour tout jeune Israélien. En mêlant l'identité sexuelle (l'homosexualité) à celui de l'armée (particulièrement parlant en Israël), Eytan Fox pose, dans son court métrage, la question suivante :
« Qui suis-je face à la société qui m'entoure ? »
La période où l'appelé fait ses classes, est particulièrement difficile. Il ne faut pas oublier que les jeunes soldats sortent à peine de l'adolescence, qu'ils viennent du lycée, qu'ils quittent papa-maman et tombent d'un coup dans cette société de machos sous la dictature d'un lieutenant et la présence étrange d'une femme en treillis.
Cette jeune fille n'est pas une invention du réalisateur, elle existe réellement dans l'armée israélienne : chaque unité militaire a « sa » femme qui est supposée être douce, sympathique avec tout le monde, dorloter les appelés, les soutenir, leur remonter le moral alors que le lieutenant incarne la discipline, la dureté, la virilité. La jeune fille s'occupe des repas, distribue le courrier et les journaux, collecte le linge sale... Pourtant ce poste est considéré comme un titre de prestige parce que la femme-soldat suit l'unité partout lors des exercices militaires.
Dans La perm, cette femme est jolie, elle tourne autour du lieutenant homo. En fait, elle lui sert de couverture bien malgré elle, et, à la fin elle se retrouve seule.
Yonathan, le soldat du film n'a pas encore d'identité solide de « soldat-héros national ». En plus, il découvre l'homosexualité de son chef qui lui en fait baver au service... la scène de baise très forte à laquelle il assiste lui fait prendre conscience de sa propre ambiguïté sexuelle. Yonathan est encore un enfant. Il n'est pas sûr de ce qu'il pense politiquement, il n'est pas encore concerné. Seule compte sa guitare. L'expérience de La perm montre qu'il est troublé. Il hésite entre la fille et son lieutenant. Cet épisode va sans doute déterminer ses choix, sa vie future.
Le spectateur peut penser que Yonathan découvre son homosexualité en voyant son supérieur faire l'amour dans les toilettes situées dans un lieu de drague de Jérusalem. Eytan Fox ne le dit pas et a conservé l'ambiguïté jusqu'au bout du film.
Autour de l'identité sexuelle de son héros, jeune soldat-voyeur, Eytan Fox signe un film autobiographique, puissant et dérangeant.
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec William Hurt, Raul Julia, Sonia Braga, José Lewgoy et Milton Gonçalves. Réalisé par Hector Babenco. Scénario : Leonard Schrader, d’après l’œuvre de Manuel Puig. Directeur de la photographie : Rodolfo Sanchez. Compositeur : John Neschling
Durée : 120 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Dans une prison d'Amérique du Sud, Molina, un homosexuel, évoque chaque soir de vieux films romantiques. Son compagnon de cellule, Valentin, un prisonnier politique, entre peu à peu dans cet univers fantasmagorique.
L'avis de Jean Yves :
La folle et le castriste. Le Baiser de la femme araignée d'Hector Babenco (d'après le roman de Manuel Puig) ne brille pas seulement par l'interprétation de William Hurt. Cette confrontation du pédé et du révolutionnaire est aussi un grand moment de cinéma.
Si l'on excepte le dernier quart d'heure, le film d'Hector Babenco est un huis clos d'où l'on s'échappe par moments à la faveur de ce que chacun des deux protagonistes raconte à son compagnon de cellule.
Dans Le Baiser de la femme araignée, rien, au départ, n'est plus différent de l'univers de Molina (William Hurt), la folle maniérée et quelque peu hystérique, que celui de Valentin (Raul Julia), le journaliste révolutionnaire qui combat le régime fasciste de son pays.
Hector Babenco se complaît avec une certaine jubilation dans l'affrontement caricatural de deux masques étrangers l'un à l'autre, que rien de semblable ne préoccupe, et qui pourtant, peu à peu, vont se fissurer, se désagréger, avant de tomber carrément au terme d'un duel psychologique serré, émouvant, souvent cruel.
Au sérieux de Valentin, avec sa barbe d'extrême gauche et son discours théorique que rien ne semble pouvoir ébranler, s'oppose la futilité quasiment folklorique de Molina qui se prend pour Zarah Leander, à travers la narration des amours de Leni (Sonia Braga) pour un bel officier blond, et nazi évidemment. Tout l'arsenal de la fascination de la folle pour la star de cabaret, les uniformes rutilants, les hôtels luxueux et les belles voitures avec chauffeur, sans qu'une seconde, vienne l'effleurer l'idée de la complicité avec l'assassin nazi.
Pourtant, par le biais de cette histoire (un mélo qui avait marqué Molina, au cinéma, lorsqu'il était enfant), par le biais de la sensuelle femme araignée (toujours Sonia Braga) et l'évocation de leurs obsessions respectives, les deux hommes trouvent le joint, la faille dans leurs personnalités d'apparence monolithique, et se rapprochent l'un de l'autre, révélant en eux-mêmes (et à eux-mêmes) des terrains intérieurs qu'ils ne soupçonnaient pas.
L'art de Babenco réside surtout dans sa manière intelligente et judicieuse d'amener sans heurts, comme naturellement, le dénouement. Certes, des ambiguïtés demeurent, auxquelles Babenco n'apporte pas de réponse dans le film. L'ambiguïté majeure concerne finalement Valentin : rien ne permet de dire qu'il ne s'est pas servi de l'amour que lui vouait Molina, qu'il ne l'a pas séduit par intérêt, pour s'assurer qu'une fois sorti de prison il remplira sa mission auprès de l'organisation révolutionnaire. D'un autre côté, la fidélité à Valentin n'est-elle pas un prétexte pour Molina de justifier son destin tragique et de devenir, plus ou moins inconsciemment, le héros d'un mélo vivant, bien réel cette fois ? La folle frivole qui projetait ses fantasmes sur les divas en détresse devient vraiment un autre : l'homo qui fuyait le réel dans le mythe de pacotille décroche soudain des illusions de l'imaginaire pour redescendre tragiquement dans l'engrenage fatal du destin, tandis que son compagnon resté en cellule s'apprête à endurer la cruauté des tortionnaires. Ces derniers avaient spéculé sur la trahison de Molina ; ils n'auront favorisé que l'éclosion d'une histoire d'amour.
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