Fiche technique :
Avec Dirk Bogarde, James Fox, Wendy Craig, Sarah Miles, Catherine Lacey, Richard Vernon, Patrick Magee et Harold Pinter. Réalisé par Joseph Losey. Scénario : Harold Pinter. Directeur de la photographie : Douglas Slocombe. Compositeur : John Dankworth.
Durée : 115 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
À Londres, Tony, un aristocrate jeune et brillant, vivant dans une luxueuse demeure du XVIIIe siècle, engage Hugo Barrett comme domestique. Ce dernier se révèle être un valet modèle, travailleur et intelligent. Mais Susan, la fiancée de Tony, n'apprécie pas le comportement de Barrett, lui trouvant quelque chose de malsain...
L'avis de Jean Yves :
Un grand film en noir et blanc
On y retrouve une manière, une atmosphère, un indescriptible qui fait l'époque. Une sorte de monotone ennui, un profond psychologisme visant à montrer la fausseté des rapports entre les êtres malgré le bien être économique de cette décennie 60.
L'histoire se passe en Angleterre. Un jeune maître, Tony, décide de prendre à son service un valet, Hugo Barrett, lequel est frauduleux, aussi malhonnête que lui, mais un peu plus réaliste, donc un peu plus vicieux. Toute l'action se déroule en vase clos : la maison ; à part quelques incartades comme celle de la réconciliation entre le maître et son valet.
Dès le début du contrat qui les lie, on sent que le rapport n'est pas celui entendu par les clauses du contrat. Un drame couve. Au début les rapports sont distants entre les deux hommes. Toutes les autres figures, ne sont, tout au long du film, que de vulgaires pièces d'échiquier, que les contractants déplacent au fur et à mesure qu'augmente « l'amour », l'adversité, la dépendance réciproque, en un mot : la connivence. C'est en ce sens qu'il faut voir la position de la fiancée du maître : pièce maîtresse oui, mais si facilement contournable pour un homme averti.
Qui du valet ou du maître est vraiment ce par quoi sa fonction le désigne ?
Toute l'analyse du rapport que fait Losey est basée sur une homosexualité latente entre les deux hommes. Elle est plus lucidement vécue de la part du valet. Leur rapport sado-maso ou maître-esclave, en sera le catalyseur : la scène de la douche, réalisée dans les limites décentes que permet l'époque, sera donc sous-entendue.
À partir de là, le lieu de l'action se resserre pour faire corps avec le lieu qui distribue le rapport de pouvoir : l'escalier. L'escalier sera la métaphore du rapport entre James Fox (Tony) et Dirk Bogarde (Hugo Barrett) : l'un dominant l'autre ; encore faut-il savoir lequel ?
Joseph Losey montre toute sa force et son talent dans ce film qui pourrait être aussi une nouvelle version de Dorian Gray, dans la mesure où le valet et son maître ne sont après tout qu'à la recherche d'une perpétuelle jeunesse que leur rapport leur interdit.
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Anne Bancroft, Matthew Broderick, Brian Kerwin, Karen Young, Harvey Fierstein et Eddie Castrodad. Réalisé par Paul Bogart.
Durée : 120 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Évocation des amours homosexuelles d'Arnold d'après la pièce semi autobiographique d'Harvey Fierstein qui obtint les Tony du meilleur acteur et de la meilleure pièce et fut à l'affiche à Brodway pendant trois ans.
L'avis de Jean Yves :
Un travesti s'éprend d'un bi, vit le grand amour avec un très jeune mec, lequel se fera assassiner, et qui, au grand scandale de sa mère juive, adopte un garçon, pédé lui-même, pour l'élever en couple avec son premier amant.
Écrite dans les années 70, la pièce de Harvey Fierstein a été portée à l'écran en 1989 par Paul Bogart : Torch Song Trilogy, le film, se penche avec un certain recul sur la condition homosexuelle à New York dans les seventies.
Le comédien Harvey Fierstein, également auteur de la pièce originale et scénariste du film, a choisi d'y interpréter le rôle principal, en s'entourant des acteurs qui figuraient dans la distribution scénique, en particulier le jeune Matthew Broderick, qui jouait d'abord David avant d'être Alan à l'écran.
De cette trilogie théâtrale, démesurée, en trois actes dont la longueur imposait de les jouer séparément, il a été extrait un long métrage de deux heures. Une telle entreprise se heurtait d'emblée à un double écueil : celui de donner dans le théâtre filmé et celui de faire un film daté avant l'heure. Autant dire que ces risques ne sont pas toujours parfaitement surmontés dans Torch Song, dont le style repose, par ailleurs, sur la tradition de la grande comédie américaine : les répliques serrées et à l'emporte-pièce se renvoient comme au ping-pong. La facture du film ne ménage donc pas de grandes surprises.
S'il est vrai qu'avec l'apparition du sida, l'homosexualité a pris un accent tourmenté, Paul Bogart a délibérément choisi de ne pas sacrifier à cette tendance. Le pathétique, la violence et le drame ne sont pourtant pas évincés du film :
– Alan finira tragiquement assassiné.
– Ed (Brian Kerwin), partagé entre un obscur besoin de « normalité » et son homosexualité, aura bien du mal à choisir.
– La mère d'Arnold (Anne Bancroft) n'échappera pas aux préjugés, ceux de sa judéité et ceux de la morale publique.
Seul l'adolescent adoptif, David (Eddie Castrodad), incarne l'image sans ombre d'un jeune gay qui s'assume pleinement dans le sain environnement familial de ses deux « parents » mâles.
Harvey Fierstein peint avec un immense humour un microcosme de psychologies réalistes, de personnages concrets qui s'émeuvent, aiment, souffrent, encaissent, s'acharnent à exister. Comme tout le monde. Et une homosexualité, non pas restreinte à une sexualité ; une communauté gay non pas enfermée dans ses exclusions et ses rituels de ghetto, un imbroglio affectif assez dense, assez universel pour être largement compris. Avec une histoire drôle, sensible et chaleureuse, et surtout une authenticité morale qui sauve les grands principes : la famille, la paternité, la religion.
Un autre parti pris de ce film : celui de la pudeur, loin des outrances de Fassbinder ou de l'esprit décapant d'Almodovar. Torch Song pose de l'intérieur, sur le tabou persistant, un œil viscéral, généreux, tendre, poignant.
Torch Song, c'est le regard porté en 1990 sur la « condition » homosexuelle des années 70, la reconstitution d'un certain climat new-yorkais, devenu « exotique » : spectacles de travestis dans des cabarets glauques, baises grégaires de backrooms baptisés « Paradise » en lettres au néon, ratonnades punitives et pressions policières... Un film historique, en somme.
Pour plus d’informations :
Voir la fiche sur la pièce de théâtre

Fiche technique :
Avec Kirk Douglas, Jean Simmons, John Gavin, Nina Foch, John Ireland, Laurence Olivier, Tony Curtis, Charles Laughton, Peter Ustinov, Herbert Lom, Woody Strode, Charles McGraw, John Dall et Anthony Hopkins. Réalisé par Stanley Kubrick (et Anthony Mann, non crédité). Scénario : Dalton Trumbo. Directeur de la photographie : Russell Metty. Compositeur : Alex North.
Durée : 198 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
A l'époque de l'Empire romain, Spartacus, esclave et gladiateur, conduit ses semblables à la révolte.

L'avis de Jean Yves :
En l'an 73 avant Jésus-Christ, fils et petit-fils d'esclaves de Thrace, Spartacus travaille dans une mine, en Libye, lorsqu'il est remarqué par Lentulus Batiatus, qui dirige une école de gladiateurs près de Capoue.
Il découvre la dure vie des combattants de l'arène, qui apprennent à s'entretuer en donnant du spectacle.
Pour récompenser les plus performants d'entre eux, on jette une femme dans leur cellule. C'est ainsi que Spartacus rencontre Varinia, esclave comme lui. Lorsque le sénateur Marcus Licinius Crassus vient visiter l'école, il oblige Spartacus et son ami Draba, un robuste Ethiopien expert dans le maniement du filet et du trident, à combattre pour son plaisir...
Spartacus (Kirk Douglas), s'évadera de l'école de gladiateurs et, rassemblant plus de cent mille esclaves, ira jusqu'à menacer Rome. Mais Marcus Licinius Crassus mate la révolte et fait crucifier six mille hommes, dont Spartacus, sur la voie Appia.
Le film, inspiré par un best-seller de Howard Fast (1951) avec un scénario signé par Dalton Trumbo, brode sur cette fable une intrigue complexe, cryptée d'un bout à l'autre par une érotique ambiguë. Hollywood ne s'y était pas trompée qui, à l'époque, censura les séquences les plus triviales ou greffa des répliques édulcorées sur certaines expressions jugées alors équivoques.
La plus célèbre scène concerne le dialogue entre Marcus Licinius Crassus (Laurence Olivier) et son bel esclave affranchi Antoninus (Tony Curtis). Crassus alors dans son bain, fait discrètement allusion à son goût sexuel aussi bien pour les hommes que pour les femmes à travers une métaphore gastronomique.
Il convient, d'ailleurs, de reproduire la totalité du dialogue, et non pas seulement la fameuse réplique où le maître dit : « Pour satisfaire mes goûts... il me faut des huîtres et des escargots. » Car cette ultime affirmation est amenée sournoisement, dans la nuit de l'atrium par une série graduelle de propositions charnelles… Cette scène est un délice.
Crassus – As-tu jamais volé, Antoninus ?
Antoninus – Non, maître.
Crassus – As-tu jamais menti ?
Antoninus – Pas, si je peux l’éviter.
Crassus – As-tu jamais déshonoré les dieux ?
Antoninus – Non, maître.
Crassus – Te refrènes-tu de ces vices par respect des vertus morales ?
Antoninus – Oui, maître.
Crassus – Manges-tu des huîtres ?
Antoninus – Lorsque j'en ai, maître.
Crassus – Manges-tu des escargots ?
Antoninus – Non, maître.
Crassus – Considères-tu que c'est moral de manger des huîtres et immoral de manger des escargots ?
Antoninus – Non, maître.
Crassus – Bien sûr que non. Tout est une question de goût, n'est-ce pas ?
Antoninus – Oui, maître.
Crassus – Et le goût n'est pas semblable à l'appétit et donc n'a aucun rapport avec la moralité, n'est-ce pas ?
Antoninus – Cela pourrait sans doute se discuter, maître.
Crassus – Ça suffit. Mes vêtements, Antoninus. Pour satisfaire mes goûts... il me faut des huîtres et des escargots.
À la sortie du bain, sur le balcon, Marcus Licinius Crassus, couve alors du regard le jeune homme torse nu, et s'écrie :
« Là, mon garçon, c'est Rome…, la puissante, la majestueuse…, nul ne peut résister à Rome… et moins encore un jeune garçon. Il faut la servir, courber la tête devant elle, ramper à ses pieds, il faut l'aimer. ».
La fuite d'Antoninus suit directement ce dialogue, et son évasion a plutôt à voir avec sa peur d'avoir à faire face à l'homosexualité de son maître Crassus.
On trouve également, dans ce film très intelligent, une admirable dialectique du pouvoir, développée en particulier dans la bouche du vieux sénateur Sempronius Gracchus (Charles Laughton), présenté comme homosexuel de façon à peine voilée, mais aussi comme la victime lucide, impitoyable et désignée, de la raison d'État.
Les femmes, quant à elles, cèdent à une concupiscence exacerbée, névrotique ou bien, comme la jolie Varinia (Jean Simmons) délaissée par Crassus (et pour cause !), sont vouées à un amour absolu et sacrificiel. Varinia, enceinte de Spartacus, ira pleurer auprès de la croix où il est supplicié. Dénouement à connotation évangélique qui fait laïquement de la crucifixion, un pur naufrage passionnel.
Le sexe, dans Spartacus, sert d'un bout à l'autre de décodeur. C'est ce qui en fait un chef-d'œuvre de malice perverse.
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Tony Leung Chiu Wai, Leslie Cheung et Chang Chen. Réalisé par Wong Kar-Wai. Scénario de Wong Kar-Wai. Compositeur : Danny Chung.
Durée : 96 mn. Disponible en VO et VOST.

Résumé :

Space Gays est une compilation de courts-métrages d’horizons variés mais en grande partie francophones, de tous formats, qui se regroupent autour de deux thèmes centraux : la réalité homosexuelle et la Science-Fiction. Récompensés par de nombreux prix, salués par la critique spécialisée et les maîtres du fantastique contemporain comme Clive Barker, ces films, qu'ils soient expérimentaux ou professionnels, ont en commun un humour décapant, un sens inné du "kitch", tout en délivrant des messages contre l’homophobie (Les gays Envahisseurs 2 de Myriam Donnasice), ou même en critiquant certains comportements homosexuels (Suroh, l’E.T. auto-stoppeur de Patrick McGuinn).

L’avis de Samuel Minne (HomoSF) :

Désireux de distribuer un cinéma « queer » indépendant, Rémi Lange propose une collection de courts-métrages qui mêlent science-fiction et homosexualité. L’ensemble se révèle, comme souvent dans les réunions de courts (voir Courts mais gays), inégal, mêlant pépites et déceptions. Ainsi, la SF peut ne servir que de prétexte à une reprise superficielle de clichés qui prétendent à la parodie (« Interstellar Cruise Control », « SPF 2000 »). Mais une connaissance profonde de la SF peut aussi apporter de vrais bijoux (« Split », « Stargay »). De la même manière, l’homosexualité peut recevoir un traitement anecdotique voire largement décevant (« Destination Saturne »), ou plus satisfaisant et même jubilatoire (« Les Gays envahisseurs », « Stargay » à nouveau).

« Les PD dans l’espace » de Rob Clarke (USA, 2005, 2 min.) est un petit clip d’animation réalisé pour internet par un dessinateur facétieux. Il entre tout à fait dans la mouvance hédoniste des comics gays.

« Les Gays envahisseurs » de Myriam Donnasice (France, 2003, 6 min.) milite de façon sympathique, vu le peu de moyens, par le biais de l’ironie. Les thèmes homophobes de l’invasion et de la contamination y sont tournés en dérision, et en musique s’il vous plaît.

« Interstellar Cruise Control 4000 » de Michael Velliquette (USA, 2005, 10 min.), malgré le travail sur les images brouillées et recolorées, ne fait pas oublier le propos xénophobe : l’extermination d’un clone, sous le prétexte de défendre les droits sexuels. C’est peu dire que l’humour tombe à plat.

« SPF 2000 » de Patrick McGuinn (USA, 1997, 11 min.), qui se déroule au bord d’une rivière, montre une scène de drague très amusante, avec une mère involontairement complice. Mais à côté de la fraîcheur et de la justesse du début, l’arrivée de l’extraterrestre apparaît comme plaquée et artificielle. L’extraterrestre qui tente d’entrer en contact revient dans l’autre court du même réalisateur, « Suroh ».

« Split » d’Erik Deutschman (USA, 1997, 12 min.) se place dans la lignée du David Lynch d’Eraserhead. Énigmatique et profondément original, avec une bande son très travaillée et une utilisation de l’image avant-gardiste et pleine de sens, ce court-métrage livre une réflexion sur le corps et les rapports entre extérieur et intérieur assez angoissante, pour ne pas dire éprouvante. « Split » arrive de plus à entrer véritablement dans une problématique gay. On ne peut que souscrire aux louanges de Clive Barker, qui encense ce film fascinant !

« Stargay » de Stephan Deraucroix (1999, 15 min.) est un film français mais il est majoritairement parlé en anglais. Dans une base spatiale isolée, les gays sont ultra-minoritaires. Pertinent et ingénieux, « Stargay » exploite avec intelligence le cadre SF, dont on ne peut extraire l’histoire, tout en rendant transposable la solitude du héros. Et en plus, c’est drôle ! Malgré des moyens limités, une réussite incontestable.

« Destination Saturne » de Carnior (Canada, 2003, 17 min.) fait sourire d’abord, car les feuilletons de SF des années 50 font l’objet d’une parodie savoureuse : filmé en noir et blanc, le court recycle les clichés. Mais l’humour montre vite ses limites, et l’homosexualité, reléguée à l’arrière-plan, est traitée avec indigence.

« Suroh, l’E. T. auto-stoppeur » de Patrick McGuinn (USA, 2000-2005, 33 min.)  semble mélanger l’esthétique du porno gay des années 80, le film de SF de série Z et le cinéma underground. Un gay S/M recueille un extra-terrestre qui s’est écrasé sur Terre. L’image est laide, les effets spéciaux artisanaux, et le discours pompeux. Propos et images hétérogènes n’apportent guère plus de crédibilité à cette confrontation de différences. On peut cependant saluer l’entreprise rarement tentée de trouver une sexualité commune entre un humain et un extraterrestre.

On peut regretter la quasi absence de lesbiennes dans ce premier bouquet : seul « Les Gays envahisseurs » les prend en compte… Initiative passionnante, cette collection permet cependant de révéler des courts-métrages souvent talentueux, novateurs ou audacieux. Ils ont le mérite de chercher leur propre langage, et ne peuvent qu’encourager de nouvelles créations. Les homos n’ont pas fini de secouer la SF, et la SF n’a pas fini d’interroger la sexualité…

Pour plus d’informations :

Le site des Films de l’Ange

Fiche technique :
Avec Kevin Kline, Joan Cusak, Matt Dillon, Debbie Reynolds, Wilford Brimley, Bob Newhart et Glenn Close. Réalisé par Frank Oz. Scénario : Paul Rudnick.   Directeur de la photographie : Rob Hahn. Compositeur : Marc Shaiman.
Durée : 90 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Howard Brackett enseigne la littérature et la poésie anglaises au lycée de Greenleaf, une paisible bourgarde de l'Indiana où il a passé son enfance. Célibataire desinvolte, il est fiancé depuis trois ans à la timide Emily Montgomery, qui attend avec impatience leur mariage, comme sa mère. C'est alors qu'un de ces anciens élèves, devenu comédien, recoit un Oscar à Hollywood. Filmé par la télévision, il rend un hommage public à son ancien professeur et inspirateur, Howard Brackett... qui est gay.
L’avis de Olivier Loncin (Cinopsis) :
Howard Brackett, honorable prof d'anglais d'une non moins honorable bourgade typiquement US, est sur le point de se marier. Mais ne voilà-t-il pas que lors de la cérémonie des oscars, Cameron Drake, ancien élève de Howard et désormais meilleur acteur, dédie son oscar tout frais à son professeur et à l'homosexualité de ce dernier. Émoi dans la bourgade ! Émoi dans le moi d'Howard ! Être gay ou ne pas être gay, telle est la question.
Nous voici en présence d'un pur produit hollywoodien qui, sur le ton de la comédie, nous apprend qu'être homosexuel n'est pas une maladie honteuse. Quoi ? Comment ? On peut être homosexuel et être un type bien ? On peut être pédé et ne pas être rejeté par son papa et sa maman ? Quelle découverte ! Quel choc ! Ironie à part, ce qui est effarant, au-delà des maigres qualités comiques de la chose, c'est qu'en 1998, Hollywood se sente encore le devoir moral d'expliquer ce genre de trivialités au bon peuple américain. Bien sûr, les scandales répétés liés aux supposées relations extra-conjugales de monsieur Clinton nous laissaient entrevoir le virulent regain de puritanisme au pays de l'oncle Sam. Mais tout de même, Tom Hanks était sorti oscarisé pour Philadelphia, qui avait de surcroît rencontré un réel succès public.
Remettre pareillement le couvert pour un combat (à savoir, l'acceptation de l'homosexualité dans notre société occidentale) que l'on aurait souhaité être définitivement d'arrière-garde, fait froid dans le dos.
Il est de certaines avancées sociales et/ou culturelles que l'on aimerait pouvoir tenir pour définitivement acquises, du genre le droit de vote pour tous, la gratuité de l'enseignement, le droit des femmes à la contraception, l'abolition de la peine de mort. Le respect des inclinations affectives et sexuelles de chacun fait partie de ces avancées. L'existence même d'un film comme In & Out ne fait que prouver qu'en ces matières les retours en arrière sont toujours possibles et que, tel le Phénix, l'obscurantisme puritain sera toujours capable de renaître de ses cendres.
Sombre constat que ne vient même pas égayer la présence de Frank Oz à la réalisation. L'autrefois jubilatoirement burlesque réalisateur de The Little Shop of Horror, de Dirty Rotten Scoundrels ou encore de What About Bob ? a laissé sa verve au vestiaire pour assurer une rassurante mise en boîte. Et ce ne sont pas les quelques vannes lancées à l'encontre de la cérémonie des oscars et des top models (bien que le coup du téléphone soit authentiquement génial !) qui relèveront ce brouet par ailleurs bien peu pimenté.
Ah oui, pour ceux qui s'inquiétaient de savoir ce que Tom « Magnum » Selleck était devenu, le voici de retour, peigné et sans moustache, dans le rôle d'un journaliste touille crotte.
L’avis de Q. B. :
Charmante comédie sur un sujet pas toujours facile à traiter, In & Out de Frank Oz permet à Kevin Kline de jouer le rôle d'Howard Brakett, un professeur de littérature qui va devoir se retrouver malgré lui confronté à son homosexualité et ce juste au moment où il va se marier. On vous laisse alors imaginer les gags de circonstance qu'une telle situation peut entraîner. Oz évite la vulgarité de certains films sur ce sujet pour aborder l'histoire avec sensibilité et humanité, même si l'on pourra reprocher au réalisateur d'un peu trop « marcher sur la pointe des pieds » et ne de pas trop prendre de risque. On évite pas évidemment certains clichés comme la scène finale lors de la remise des diplômes qui rappellent un peu le style de la fin de Dead Poets Society de Peter Weir (Le Cercle des Poètes Disparus).
Pour plus d’informations :