Fiche technique :
Avec : François Négret, Hito Jaulmes, Raoul Billerey, Martine Sarcey, Arlette Gilbert, Henri Serre, Jean Pemeja, Gérard Dauzat et Olivier Picq. Réalisation : Fabrice Cazeneuve. Scénario et adaptation : Pierre Dumayet, d’après la nouvelle « Alcyon » de Pierre Herbart. Musique : Michel Portal. Image : Pierre Novion.
Durée : 90 mn. Disponible en VF.
Résumé :
Au début du XXe siècle, une mutinerie éclate dans un pénitencier pour enfants installé sur une île. Les jeunes mettent le feu et s’évadent. Les gardiens, aidés par les notables de la région, organisent une chasse à l’homme pour retrouver les garçons qui courent nus dans la nuit. Certains sont repris ; quelques uns tentent de s’enfuir à la nage, la plupart se noieront. Les notables tirent sur les fuyards et l’un deux, Marceau, est blessé. L’un des gardiens (une baleine selon l’argot du lieu), le père Jules le tire de l’eau. Pour se dégager, le garçon le mord et s’enfuit à la nage malgré ses blessures. On ne retrouvera pas son corps.
Dix ans se sont passés. L’île a été désertée. Le pénitencier a été réinstallé sur le continent. Un des jeunes détenus, Fabien (François Négret) en est détaché pour travailler dans une ferme. Là, Marcel, le fils du propriétaire (Hito Jaulmes) recherche l’amitié de Fabien. Dans cette ferme se trouve un autre adolescent, Lino, (Roch Lebovici), plus âgé qui y a été placé par son père. Julien, craignant devoir retourner au pénitencier, décide de s’enfuir pour l’île en entraînant Julien. L’île devient un refuge édénique aux confins de la réalité. Les deux robinsons sont approvisionnés par Lino. Quelques temps après leur abordage, ils s’aperçoivent que l’île est habitée par le père Jules qui garde les ruines du pénitencier. Le vieux gardien à la mémoire brouillée croit reconnaître en Fabien, Marceau. Fabien, au fil des jours, s’identifie de plus en plus à Marceau. Inquiet de la transformation de son ami, Marcel décide de regagner le continent pour s’engager et faire la guerre qui a éclaté. Fabien se prend si bien pour Marceau qu’il engage un duel mental avec l’ancien garde-chiourme, amenant le vieil homme aux limites de la folie, l’incitant à tuer celui qu’il aime...
L’avis de Bernard Alapetite (Eklipse) :
Voici une brillante réalisation quelque peu trahie par ses interprètes, non qu’ils soient calamiteux, seulement un peu juste devant la lourde tâche qui leur incombaient. Voilà un constat que l’on fait très rarement pour les productions américaines, même télévisuelles, et quasiment jamais dans les britanniques. Pourquoi ? Alcyon est un film qui amène bien des questions, ce qui est la marque des œuvres fortes même lorsqu’elles ne sont pas complètement abouties. Ce film marque bien les limites des productions télévisées françaises, malgré ici le talent de son réalisateur. La première difficulté lorsque l’on veut faire jouer des adolescents dans notre pays, outre les moults entraves purement juridiques, est que l’on a presque toujours affaire à des débutants complets. Ceux-ci, à de très rares exceptions, ne lisant pas, ne sont pas habitués au respect du texte. Deux défauts qu’ont rarement les jeunes acteurs anglais, qui souvent se frottent à l’art théâtral dès huit ans et se mettent en bouche à un très jeune âge les textes de Shakespeare alors qu’ils sont certes loin de pouvoir en appréhender tous les sens, mais ils sont rompus à la musique de la langue d’un théâtre qui, en plus, demande des qualités physiques plus grandes et diverses que le théâtre classique français. Nos jeunes aspirants comédiens eux, attendent le plus souvent seize ans pour s’initier au jeu quand ce n’est pas dix-huit, après le fameux : « Passe ton bac d’abord ». En Angleterre, le métier d’acteur jouit d’une aura, d’une respectabilité qu’il n’a pas en France où l’acteur est encore considéré trop souvent comme un saltimbanque, un crève-la-faim un peu louche et vaguement bravache. Le syndrome du capitaine Fracasse est encore bien présent. La situation s’est encore aggravée par rapport à l’époque du tournage d’Alcyon. Toute une partie de la population, la moins cultivée, ne voit que la starification, ce qui ne concerne qu’une infime minorité de la profession. Les adolescents veulent être acteurs alors que pour vivre matériellement ici on ne peut être que comédien. Voilà quelques faits, il y en a bien d’autres, avérés et vérifiés qui expliquent la fréquente médiocrité des jeunes acteurs français en comparaison de leurs camarades américains et britanniques.
Le scénariste, Pierre Dumayet qui fut un des grands inventeurs de la télévision française en son âge d’or et que l’on est un peu surpris de retrouver au générique, a été trop timoré. Il n’a pas voulu rendre trop explicite l’attirance sexuelle entre les deux garçons qui est suggérée dans le livre, dans lequel il faut beaucoup lire entre les lignes. On peut penser à la lecture que ce désir est consommé lors de la dernière nuit que les deux garçons passent ensemble dans l’île. Dans le film, elle est escamotée. Il n’a pas voulu non plus s’engager plus avant dans la voie du fantastique qui, elle aussi, est en filigrane du texte. Fabien est-il possédé par le fantôme de Marceau ? Lorsque Marcel découvre une cicatrice près de la lèvre de Fabien endormi, marque qu’il n’avait jamais remarquée jusqu’alors et qui serait apparue soudainement…
Si l’époque est précisément située, les deux garçons abordent l’île dans les premiers jours de l’été 1914, le lieu en revanche est indéfini. Sont-ce les tonalités de l’image, très belles, ou parce que l’on sait que le seul bagne pour enfants sur une île était celui de l’île de Ré, que l’on est persuadé d’être au bord de l’Océan. Alors que le film a été tourné dans les îles d’Hyères à Port Cros et à Porquerolles et que la nouvelle d’Herbart est située dans les Maures.
On sent chez Fabrice Cazeneuve un vrai bonheur à filmer la nature mais plus encore les corps adolescents. On entrevoit leur nudité éclairée à l’incendie du pénitencier.
Pierre Herbart est un grand méconnu de la littérature française du XXe siècle. Ses livres ont un ton, un style et un parfum uniques qui font regretter qu'il soit si oublié et qu'il ait, finalement, si peu produit. On y parle de garçons et de putains, de ports, de bateaux étranges et de voyages incertains, de nuits brumeuses, de solitudes urbaines illuminées par le seul fait d'exister, de corps radieux aimés dans d’impérieux désir. "L'Âge d'or" est l'un des plus beaux récits gays qui soient, sans discours de légitimation ni pathos. "Le Rôdeur", "'La Ligne de force" ou "'Alcyon" produisent le même envoûtement. L’écrivain avait entrepris, avec Jean Grémillon qui devait tourner le film, de tirer un scénario d’Alcyon.
Un bagne d’enfant est aussi le sujet de La révolte des enfants de Gérard Poitou-Weber et devait être celui de La Fleur de l’âge que Marcel Carné n’a jamais terminé.
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Fiche technique :
Avec River Phoenix, Keanu Reeves, James Russo, William Richert, Rodney Harvey, Chiara Caselli et Jim Caviezel. Réalisé par Gus Van Sant. Scénario : Gus Van Sant. Directeur de la photographie : John J. Campbell et Eric Alan Edwards. Compositeur : Bill Stafford.
Durée : 105 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Scott et Mike sont prostitués et amants. Mais si Scott, dont le père est très riche et qu'il déteste, a un avenir tout tracé, Mike, quant à lui, traqué par ses souvenirs, sombre dans des crises de narcolepsie. Au cours d'un voyage en Italie, Scott tombe amoureux de Carmella et abandonne Mike.
L'avis de Jean Yves :
Est-ce un rêve ou est-ce le réalisme cru des bas-fonds urbains et de la prostitution ? Le film de Gus Van Sant, My Own Private Idaho, navigue subtilement entre ces deux univers. Un itinéraire indispensable pour décrypter l'aventure du jeune héros Mike Waters (River Phoenix), tapin à l'enfance brisée, ado en quête d'un futur moins amer.
Le film de Gus Van Sant s'ouvre sur le visage de River Phoenix, un ancien duvet clairsemé sur ses joues d'enfant glabre, le cheveu en bataille. Le garçon bat des paupières, il a le souffle court, il paraît en transe : on croit à une épilepsie, sa tête se renverse et le râle s'enfle.
Et puis l'image recule, la caméra prend dans son champ la silhouette d'un homme très laid qui se retire furtivement. On comprend que Mike Waters vient d'éjaculer. Avec cette fellation proprement expédiée, on entre dans le vif du sujet.
Voilà pour le réel, à ras de terre. Puis l'image s'envole vers les nuées, dans un accéléré fuligineux, celui de la mémoire du héros, qui peuple malgré lui ses rêves fugaces, car Mike s'évade, par intermittence, dans de brusques accès de narcolepsie (ne pas rater le prélude, qui nous en donne la définition, dans le dictionnaire : sommeil transitoire et irrésistible). Cette pathologie, dans le film, n'a rien de purement accessoire : l'histoire se développe tout entière à travers le prisme de cette conscience brouillée, vulnérable, qui dans ses visions s'échappe vers son enfance brisée, vers cette mère absente et la violence lacunaire d'un passé trop amer.
L'Idaho du titre, c'est celui de la terre natale (« my own private... »), mais surtout le paysage intérieur du héros dont le film n'est jamais que la projection. Le réel y traverse le rêve, plutôt que l'inverse.
Un autre registre du film n'est pas moins frappé d'irréalité : c'est celui des bas-fonds urbains, revisités par une caméra virevoltante, instable. En plus, le réalisateur force parfois outrancièrement la couleur.
C'est dans la mouvance de Bob Pigeon (William Richert) et de sa colonie de paumés que Scott Favor (Keanu Reeves) a pu faire sécession d'avec son milieu d'origine, représenté par un père acariâtre, veuf en chaise roulante qui persiste à protéger son fils du haut de ses fonctions municipales. Par défi, le jeune homme s'est lancé dans la prostitution – comme on monte une entreprise d'import-export. Rien à voir avec Mike, pour qui c'est une question de survie matérielle et de traumatisme moral.
Scott et Mike sont deux largués qui, chacun à leur manière, n'en finissent pas de courir après une famille improbable. Aux refuges cataleptiques de Mike répondra le vagabondage de Scott. Leur périple en Italie, sur les traces d'une mère introuvable, est comme un voyage de noces raté. C'est bien sur ce sentiment d'exclusion que se fonde leur complicité.
Le vrai sujet du film est là, dans l'intimité de cette relation entre deux garçons qui partagent leur exil dans la prostitution : ils ne vendent leur corps que pour garder leur âme. Le tapin, dans les hôtels de Portland, n'est pas vécu par eux comme une dégradation. C'est un spectacle : d'où la séquence incroyable ou Hans, l'industriel allemand, fait son show dans la chambre du palace.
Entre Mike et Scott, la relation culminera dans ce tête-à-tête noctambule, auprès d'une énorme flambée : sans aucun doute une des plus belles déclarations d'amour de tout le cinéma. Cette scène est la plus forte du film. Répliques maladroites, voix nouées, le dialogue se suspend autour de quelques mots arrachés au silence, pour chuter dans une étreinte muette. À cet endroit du film, l'émotion passe, plus que partout ailleurs.
« Deux mecs peuvent pas s'aimer... », lâchera Scott, « Moi, je crois que je pourrais aimer quelqu'un, même si c'est pas pour le fric... » L'amour tâtonne vers son aveu. Et le lent cheminement de la trahison est le parcours le plus profond de cette histoire hybride, baroque, où s'imbriquent sans faux-semblants les transactions du sexe et les échanges du désir.
Gus Van Sant a fait un film illuminé d'une formidable générosité, et d'une grande tendresse vis-à-vis de son héros, Mike, cet ado valétudinaire, errant entre deux songes tétanisés.
Au détour de leur périple italien à la recherche de la mère de Mike, Scott ramasse pour finir une Carmella (Chiara Caselli) des faubourgs. À cette rencontre, il sacrifie brutalement son compagnon.
La caméra repart à la poursuite de Mike, seul, dépouillé de tout, dans son « own private Idaho » échevelé, sans horizon.
Dans la dernière image, en contre-plongée, une ultime voiture stoppe, vue de très loin, une silhouette se penche sur le corps de Mike évanoui sur la chaussée, le soulève, l'emporte : chaque spectateur peut s'identifier à ce hasard secourable.
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Fiche technique :
Avec Thomas Ian Griffith, Daphné Ashbrook, William R. Moses, Andrew Robinson, Thion Mathews, Michael Ensign et Matthieu Carrière. Réalisation : John Nicolella. Scénario : Dennis Turner, d’après l’ouvrage de Phyllis Gates. Images : Newton Thomas Sigel. Musique : Paul Chihara. Son : Tom Hartig. Montage : Peter Parasheles.
Durée : 100 mn. Disponible en VO et VF.
Résumé :
Première biographie de Rock Hudson (1925-1985) (Thomas Ian Griffith) plus axée sur sa vie privée que sur sa carrière cinématographique. Elle nous montre comment sous les hospices intéressées d’un agent pygmalion (Andrew Robinson), un beau chauffeur-livreur, à force de travail et du reniement de son homosexualité devient une grande star dans le Hollywood des années 50 et, ironie du sort, la coqueluche de toutes les femmes américaines. En 1955, il épouse Phyllis Gates (Daphné Ashbrook), une employée du studio. Ce mariage arrangé lui permet d'échapper aux tabloïdes qui menacent de révéler son homosexualité. Il divorce quelques mois plus tard. Le film montre l’envers du décor de la gloire. Le constant déchirement que Rock Hudson vivait entre l’envie de vivre au grand jour son homosexualité et la contrainte que lui imposait Hollywood. Après une carrière bien remplie au prix d’une vie privée en contrebande, lorsqu’il est atteint du sida son homosexualité est révélée au grand jour.
L’avis de Bernard Alapetite (Eklipse) :
Le film est basé sur le livre de Phyllis Gates, son épouse, et sur les minutes du procès post-mortem que lui a intenté son ancien amant, Marc Anthony (William R. Moses).
Il est tourné par John Nicolella, décédé en 1998, surtout connu pour ses réalisations à la télévision, en particulier de nombreux épisodes de la série Miami vice. Il redonnera la vedette à Thomas Ian Griffith dans son denier opus, une héroïc fantasy, Conqueror (1997). Plus que par sa réalisation sans aspérité, le film vaut par son interprétation. Les acteurs, tous des vieux bons routiers de la télévision, dont certains interprètent des célébrités de Hollywood comme Doris Day, Raoul Walsh ou Robert Stark sont bien choisis. Le film, à ce propos, nous amène à une première interrogation : comment expliquer qu’un acteur aussi convaincant ici que Thomas Ian Griffith, certes aidé par une incontestable ressemblance avec son modèle, soit cantonné dans des série B d’action ? Question d’époque ?
Andrew Robinson, qui joue l’agent mentor, figure également dans une autre biopic d’une personnalité gay, Liberace, dans lequel il interprète le rôle titre. Une curiosité dans la distribution, pour nous Français, la présence fugitive en médecin de Matthieu Carrère qui jadis en a émoustillé plus d’un.
Un autre film a été tourné sur la vie de Rock Hudson : Rock Hudson Home Movies (1992) de Martin Rappaport. Lui aussi met en évidence l’homosexualité de l’acteur mais pour tirer le film vers la comédie caustique.
Plus intéressant que le film lui-même sont les réflexions qu’il engendre. Un jeune spectateur d’aujourd’hui, qui la plupart du temps ignorera tout de Rock Hudson, jusqu’à son nom et totalement le contexte de l’époque, portera sans doute un jugement sévère sur l’homme. Il ne verra en lui qu’un opportuniste, qui obéissant aveuglément à son agent, est parvenu, à force de travail et du reniement de son homosexualité, avec comme tout bagage son physique avantageux, à se hisser au sommet de la hiérarchie hollywoodienne et devenir, ironie du sort, la star préférée des femmes. Alors que je serais plus enclin à voir dans le parcours de l’acteur un chemin de souffrance d’un homme qui a toujours choisi sa passion du cinéma au détriment de son moi profond, au prix d’un déchirement de chaque instant. En dépit de tout, il faut être admiratif pour un homme, qui au début peu doué, a appris son métier à force de volonté et de travail pour devenir un grand professionnel. Il a su non seulement amuser dans les nombreuses comédies auxquelles il a participé mais aussi émouvoir dans de grands films comme Écrit sur le vent de Douglas Sirk.
Il ne faudrait pas croire que de telles vies relèvent du passé. Comptons les premiers rôles, et même les deuxièmes, du cinéma américain qui vivent ouvertement leur homosexualité (par charité, ne parlons pas du cinéma français). Nous arrivons à... zéro. Qui peut croire qu’aujourd’hui parmi les grands noms du box-office il n’y ait pas d’homosexuels !
Le film est édité chez Optimale avec comme seul bonus la bande annonce du film et sans même une filmographie de Rock Hudson. Plus grave, on a juste le choix entre la version américaine non sous-titrée et la version française, plutôt passable.
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