Fiche technique :
Avec William Hurt, Raul Julia, Sonia Braga, José Lewgoy et Milton Gonçalves. Réalisé par Hector Babenco. Scénario : Leonard Schrader, d’après l’œuvre de Manuel Puig. Directeur de la photographie : Rodolfo Sanchez. Compositeur : John Neschling
Durée : 120 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Dans une prison d'Amérique du Sud, Molina, un homosexuel, évoque chaque soir de vieux films romantiques. Son compagnon de cellule, Valentin, un prisonnier politique, entre peu à peu dans cet univers fantasmagorique.
L'avis de Jean Yves :
La folle et le castriste. Le Baiser de la femme araignée d'Hector Babenco (d'après le roman de Manuel Puig) ne brille pas seulement par l'interprétation de William Hurt. Cette confrontation du pédé et du révolutionnaire est aussi un grand moment de cinéma.
Si l'on excepte le dernier quart d'heure, le film d'Hector Babenco est un huis clos d'où l'on s'échappe par moments à la faveur de ce que chacun des deux protagonistes raconte à son compagnon de cellule.
Dans Le Baiser de la femme araignée, rien, au départ, n'est plus différent de l'univers de Molina (William Hurt), la folle maniérée et quelque peu hystérique, que celui de Valentin (Raul Julia), le journaliste révolutionnaire qui combat le régime fasciste de son pays.
Hector Babenco se complaît avec une certaine jubilation dans l'affrontement caricatural de deux masques étrangers l'un à l'autre, que rien de semblable ne préoccupe, et qui pourtant, peu à peu, vont se fissurer, se désagréger, avant de tomber carrément au terme d'un duel psychologique serré, émouvant, souvent cruel.
Au sérieux de Valentin, avec sa barbe d'extrême gauche et son discours théorique que rien ne semble pouvoir ébranler, s'oppose la futilité quasiment folklorique de Molina qui se prend pour Zarah Leander, à travers la narration des amours de Leni (Sonia Braga) pour un bel officier blond, et nazi évidemment. Tout l'arsenal de la fascination de la folle pour la star de cabaret, les uniformes rutilants, les hôtels luxueux et les belles voitures avec chauffeur, sans qu'une seconde, vienne l'effleurer l'idée de la complicité avec l'assassin nazi.
Pourtant, par le biais de cette histoire (un mélo qui avait marqué Molina, au cinéma, lorsqu'il était enfant), par le biais de la sensuelle femme araignée (toujours Sonia Braga) et l'évocation de leurs obsessions respectives, les deux hommes trouvent le joint, la faille dans leurs personnalités d'apparence monolithique, et se rapprochent l'un de l'autre, révélant en eux-mêmes (et à eux-mêmes) des terrains intérieurs qu'ils ne soupçonnaient pas.
L'art de Babenco réside surtout dans sa manière intelligente et judicieuse d'amener sans heurts, comme naturellement, le dénouement. Certes, des ambiguïtés demeurent, auxquelles Babenco n'apporte pas de réponse dans le film. L'ambiguïté majeure concerne finalement Valentin : rien ne permet de dire qu'il ne s'est pas servi de l'amour que lui vouait Molina, qu'il ne l'a pas séduit par intérêt, pour s'assurer qu'une fois sorti de prison il remplira sa mission auprès de l'organisation révolutionnaire. D'un autre côté, la fidélité à Valentin n'est-elle pas un prétexte pour Molina de justifier son destin tragique et de devenir, plus ou moins inconsciemment, le héros d'un mélo vivant, bien réel cette fois ? La folle frivole qui projetait ses fantasmes sur les divas en détresse devient vraiment un autre : l'homo qui fuyait le réel dans le mythe de pacotille décroche soudain des illusions de l'imaginaire pour redescendre tragiquement dans l'engrenage fatal du destin, tandis que son compagnon resté en cellule s'apprête à endurer la cruauté des tortionnaires. Ces derniers avaient spéculé sur la trahison de Molina ; ils n'auront favorisé que l'éclosion d'une histoire d'amour.
Pour plus d'informations :

Fiche technique :
Avec Lior Ashkénazi, Knut Berger, Caroline Peters, Gideon Shemer, Hanns Zischler, Carola Regnier, Eyal Rozales et Sivan Sasson. Réalisé par Eytan Fox. Scénario de Gal Uchovsky. Directeur de la photographie : Tobias Hochstein. Compositeur : Ivri Lider.
Durée : 1O4 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Eyal est un agent du Mossad. Sa mission est de retrouver la trace d'un ancien officier nazi, Alfred Himmelman. Pour mener son enquête, il va servir de guide touristique au petit-fils d'Himmelman, Axel, venu en Israël rendre visite à sa soeur. Celle-ci vit en effet dans un kibboutz depuis qu'elle s'est brouillée avec sa famille. Axel veut essayer de la convaincre de revenir avec lui en Allemagne pour l'anniversaire de leur père. Malgré leurs personnalités contrastées, Eyal sympathise avec Axel. Même si parfois le machisme et le conservatisme d'Eyal se heurtent aux vues libérales d'Axel, en particulier quand ce dernier lui révèle qu'il est homosexuel. S'installent alors des relations tendues entre les deux hommes.
Alors qu'Axel rentre en Allemagne sans sa sœur, le Mossad suspecte l'ex-nazi Himmelman de vouloir refaire surface pour la fête d'anniversaire du père d'Axel.
L'avis de Paula :
Ces dernières années, la France a pu découvrir un cinéma israélien polymorphe, peu consensuel, une brèche ouverte par le cinéaste Amos Gitaï. Le cinéma d’Eytan Fox s’inscrit dans cette volonté d’innovation. Son nouveau film Tu marcheras sur l’eau navigue entre le policier, la comédie et le drame psychologique. Inclassable.
Quel point commun entre un agent du Mossad et un jeune allemand ouvertement homosexuel ? Le poids du génocide. La mère d’Eyal, juive d’origine allemande, a péri dans les camps. Le grand-père d’Axel en a été le bourreau. Les deux personnages appréhendent la tragédie de la même manière : ils n’en parlent jamais. L’émotion n’a pas cours. Eytan Fox, le réalisateur a été jusqu’à tarir les yeux d’Eyal, le pourvoyant d’une maladie lacrymale qui l’empêche de pleurer. La seule eau qui réunit Eyal et Axel, c’est celle de la mer Morte, où personne ne peut couler, dans une scène de baignade particulièrement émouvante.
Au-delà de l’aspect historique, Eytan Fox a également réussi un film sur la société israélienne telle qu’elle est aujourd’hui : moderne, plus ouverte. La population vit au rythme des attentats kamikazes mais continue d’aller danser la nuit. Axel entraîne Eyal dans une boite gay, lui qui n’a jamais côtoyé que des hommes de son milieu. Pia, horrifiée par le passé de sa famille, est partie en Israël dans l’espoir avoué d’une rédemption, elle qui sait tout de la fuite de son grand-père. Au terme de ce parcours : la libération. Eyal, hanté par les images de sa femme, n’arrive plus à tuer froidement, comme son métier l’exige. Axel prend conscience de son lourd héritage familial sur un air de Festen.
Le film mêle donc plusieurs thèmes sans jamais perdre le fil de l’eau. Plutôt rare. Rythmé, ponctué de dialogues sarcastiques, il révèle un duo d’acteurs épatants : Lior Ashkénazi et Knut Berger. Le dénouement pourra dérouter. Peu importe, vous aurez déjà été touché.
L'avis de Jean Yves :
Le cinéma israélien est en pleine effervescence, questionnant avec acuité ce pays né à la fois d'une utopie et de la Shoah ; terre promise pour les opprimés et puissance colonisatrice pour ses voisins. Le personnage de Eyal symbolise ces contradictions : agent du Mossad, il porte la mort au nom de la défense d'Israël, plus enclin à l'efficacité qu'au doute. Mais une enquête, d'apparence routinière, sur un ancien nazi ébranle ses certitudes. Voilà le dur obligé de jouer les faux guides touristiques auprès de deux jeunes Allemands, petits-enfants du criminel recherché. L'action cède la place au dialogue, la posture virile se fait plus humble, le passé occulté avec ses fantômes resurgit, et le droit de tuer devient tout relatif. Eytan Fox brasse là des questions essentielles et ose regarder droit dans les yeux son pays, mais sans nous assommer de grands discours. Son film court, efficace comme un thriller.
Un film captivant, quasi métaphysique, mais non dénué d'humour, où l'on apprend que marcher sur l'eau, c'est à la portée de chacun. Avec un peu de volonté.
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Bande annonce

Fiche technique :
Avec Hugo Weaving, Genevieve Picot, Russel Crowe, Heather Mitchell, Jeffrey Walker, Daniel Pollock et Frankie J. Holden. Réalisé par Jocelyn Moorhouse. Scénario : Jocelyn Moorhouse. Directeur de la photographie : Martin McGrath.
Durée : 86 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Martin, jeune photographe aveugle de naissance, est partagé entre son amitié pour Andy, jeune plongeur du restaurant qu'il fréquente et l'amour exclusif que lui porte Célia, terriblement jalouse de cette nouvelle amitié.
L'avis de Jean Yves :
Martin est aveugle, Célia est sa béquille, son regard sur le monde. Entre elle et lui, un témoin : Andy qui aime Martin mais qui ne le sait pas. Jeux de mots et de passion entre ces deux êtres et les Polaroïds que prend l'aveugle. Instantanés d'amour volés à la vie, cruelle.
Dans Proof (La Preuve), premier film de l'Australienne Jocelyn Moorhouse, la vue a partie liée avec le sexe. « On ne touche pas les gens comme ça. Un doigt n'est pas un œil. », tancera Celia (Geneviève Picot), s'adressant à Martin (Hugo Weaving), aveugle de naissance dont elle reste depuis des années la féroce mais indispensable femme de ménage.
Elle est pour lui le monde ; en retour il est, pour elle, le seul au monde. Passion dévorante et dévorée... L'aveugle hait cette femme dont il a besoin ; elle n'aime en lui que ce besoin qu'il a d'elle. Entre eux, il y a Andy (Russell Crowe) : gentil plongeur du restaurant où l'aveugle a ses habitudes.
Martin ne croit personne, à commencer par Celia. « Seules les photos ne mentent pas. » Alors il prend des Polaroid, et le jeune Andy lui en fait la description. L'un palpe, l'autre voit : leur complicité est une alliance des sens. Et pour Martin, la vérité repose dans la parole que pose Andy sur ces épreuves muettes.
Faut-il en croire ses yeux ? Ce que l'on voit est-il la sanction du vrai ? Pour Martin, complexé, vulnérable, sensible, la preuve du réel se confond bientôt avec la foi illimitée qu'il accorde à cette « seconde vue », de plus en plus exigeante et fidèle – comme l'amour. Un amour qui ne dira jamais son nom.
Il y a dans le film une scène « d'agression » inouïe, où Martin et Andy, sur un malentendu (l'aveugle, laissé à lui-même, exhibe une capote devant un beauf hétéro, qui prend la mouche) à la fois pathétique et burlesque, sont pris pour un couple d'homosexuels, et donc pour ce qu'ils sont sans le savoir eux-mêmes, sous l'œil monstrueux de la « normalité ».
Et le film développe sa cruelle parabole : très vite, entre les deux garçons, il y a cette femme pour détruire cette relation qui l'évince virtuellement. Elle n'hésitera pas à coucher avec Andy, pour l'arracher à Martin.
D'un côté, la voracité sexuelle hétéro, le stratagème sans scrupule de la passion. De l'autre, la pureté, la virginité du sentiment (homo, mais précisément pas sexuel, ou pas encore) que les photos font mentir.
La Preuve est un petit chef-d'œuvre d'articulation : la force du film de Jocelyn Moorhouse repose sur un scénario impeccable qui transgresse, sur la question de l'homosexualité, toutes les conventions, tous les clichés.
À noter, qu'il est difficile d'aller plus loin dans la noirceur malfaisante, dans l'abomination libidinale du modèle féminin. Quand Martin comprend enfin, preuve à l'appui, de quoi la femme est capable, il la congédie. Andy, quant à lui, l'a déjà sacrifiée. La place est libre pour l'amour fou. Entre hommes.
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Gérard Lanvin, Christian Clavier, Jean-Pierre Bacri, Philippe Khorsand, Louise Portal, Jean-Pierre Darroussin, Marie-Anne Chazel, Didier Pain et Jacques François. Réalisé par Jean-Marie Poiré. Scénario : Jean-Marie Poiré et Christian Clavier. Directeur de la photographie : Claude Agostini. Compositeur : Michel Goglat
Durée : 110 mn. Disponible en VF.
Résumé :
Quelques amis de jeunesse approchant de la quarantaine se retrouvent à l'occasion de la venue à Paris d'une rock star québécoise, Bernadette Legranbois, qu'ils ont connu durant leur jeunesse. C'est l'occasion pour Jean-Michel, Richard, Guido, Antoine et Dany de régler quelques vieux comptes et de faire un bilan mi-doux, mi-amer de ce qui reste de leurs rêves d'adolescents.
L'avis de Jean Yves :
Que se passe-t-il quand quelqu'un qui a réalisé son rêve retrouve ses anciens complices qui, eux, ne l'ont pas réalisé ?
Dans Mes meilleurs copains, Jean-Marie Poiré imagine les retrouvailles d'un groupe de copains avec une copine qui est devenue star de rock au Canada. Peu après 68, ces gauchistes de circonstance et de pacotille avaient formé un groupe « pop », mais seule Bernadette (Louise Portal) avait intéressé les professionnels du show-biz.
Vingt ans après, tandis que les garçons sont restés liés comme à la belle époque de leur jeunesse, Bernadette vient à Paris pour un récital à l'Olympia, et ils vont tous se retrouver, le temps d'un week-end mouvementé, dans la maison de Richard (Gérard Lanvin).
La présence de Bernadette est le prétexte idéal pour que chacun fasse le bilan de sa vie, justifie son évolution des idées révolutionnaires au comportement petit-bourgeois. Elle est le révélateur des non-dits enfouis depuis tant d'années, et les révélations vont effectivement aller bon train, sur le ton du psychodrame comique.
Il y a ainsi, dans le film de Jean-Marie Poiré, un parcours des protagonistes vers la connaissance de soi, vers la prise de conscience de la vérité de leurs relations. Les personnages sont parfaitement emblématiques de l'itinéraire d'une génération prise dans la contradiction de ses rêves et de sa progressive intégration au système qu'elle condamnait.
L'itinéraire de Guido (Jean-Pierre Bacri) est particulièrement intéressant à suivre : on voit comment il profite des ambiguïtés de la révolution sexuelle pour affirmer dans le groupe son homosexualité, pour l'imposer même face à ses copains réticents mais coincés par le sceau de l'amitié. Guido révèle aux autres ses goûts par l'intermédiaire d'un petit film en super 8 comme il en fleurissait dans les années 70, et où il s'affiche ouvertement avec un éphèbe italien dénudé à la manière des modèles du baron de Gloeden. Guido avouera ensuite ne plus baiser depuis 1983 et avoir tout transféré sur une dépense sportive forcenée, tandis que Bernadette exige de Jean-Michel (Christian Clavier) une capote pour s'envoyer en l'air.
Guido apparaît comme un personnage sérieux, un peu aigri, mais au regard juste et quand même assez drôle. À l'époque du groupe, c'était lui le plus éclaté, et en 1989, c'est lui le plus strict, le plus rigoureux. Il reste que Guido n'est accepté qu'en partie : il vient toujours seul chez ses copains, il n'amène jamais un autre homosexuel avec lui. Cela correspond sans doute à une réalité sociologique de l'époque.
Par des raccourcis qui visent juste, par une mise en scène qui joue avec le temps et les modes, par des dialogues acérés, Jean-Marie Poiré a réussi cette fresque comico-sociologique qui mène de l'explosion débridée de 68 aux années sida.
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Fiche technique :
Avec Nigel Terry, Nigel Davenport, Michael Gough, Dexter Fletcher, Sean Bean, Tilda Swinton et Robbie Coltrane. Réalisé par Derek Jarman. Scénario : Derek Jarman. Directeur de la photographie : Gabriel Beristain. Compositeur : Simon Fisher-Turner.
Durée : 93 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Artisan majeur de la Renaissance italienne, Michelangelo da Caravaggio a marqué le XVIe siècle et l'histoire artistique du pays.
L'avis de Jean Yves :
Après avoir fait son apprentissage, le peintre Caravaggio se rend à Rome où il mène une vie misérable en vendant ses tableaux dans la rue.
Alors qu'il est hospitalisé, Caravaggio reçoit la visite du Cardinal Del Monte qui le prend sous sa protection. Mais le peintre va succomber au charme d'un jeune modèle vénal et de sa jeune femme, une belle prostituée. Pris au piège de cette relation triangulaire, Caravaggio est mêlé à de sombres intrigues et finit par poignarder son modèle.
Avec Caravaggio, Derek Jarman nous propose une lecture de la vie du Caravage. Le décor est truffé d'accessoires anachroniques ou parasites : ampoules électriques, machine à écrire, moto et camion des années 40, etc.
Ainsi, le réalisateur orchestre le film selon deux modes : d'un côté les événements de la vie du peintre, de l'autre leur interprétation, immédiate dans un contexte déplacé. Ce qui permet au spectateur de s'égarer dans des rencontres visuelles inattendues.
Rencontres que l'on retrouve dans les compositions et le clair-obscur des tableaux du Caravage et qui sont parfois mises en scène dans le film : scènes devenant elles-mêmes de possibles tableaux. À la réflexion sur le peintre se mêlent ainsi les désirs du cinéaste : désir d'Italie, de garçons...
Pour plus d’informations :