Fiche technique :
Avec Brigitte Mira, Claudia Barry, Tally Brown, Peter Chatel, Walter Earl Haraway, Günther Kaufmann, Conrad Jennings, Evelyn Künneke, Ingrid Caven, Rainer Werner Fassbinder et Ortrud Beginnen. Réalisé par Lothar Lambert et Wolfram Zobus. Scénario : Lothar Lambert et Wolfram Zobus.
Durée : 100 mn. Disponible en VO et VOST.
Résumé :
John, G.I. noir, stationné à Berlin, quitte l'armée américaine. Il décide malgré tout de vivre à Berlin, mais son insertion sociale s'avère difficile. Son amie allemande veut, grâce à l'enfant noir qu'elle a eu, le faire « correspondre » à sa vie petite bourgeoise.
La révolte de John, face à cette situation, l'entraîne à rechercher autre chose mais il se trouve étouffé entre deux mondes : le racisme viscéral de la société allemande et l'attrait frénétique de la sexualité exotique. Il est réduit à un objet manipulable à volonté, soumis à l'emprise et aux désirs de ses partenaires aussi bien homosexuels qu'hétérosexuels. Toutes ses expériences s'enchaînent de manière dramatique et inéluctable jusqu'au moment où il est obligé de quitter précipitamment Berlin pour retourner dans son pays qu'il avait toujours pensé être le plus raciste du monde. (Résumé tiré du programme du Festival Question de Genre - Lille -1995)
L'avis de Jean Yves :
Lambert se penche sur le thème de l'absence d'amour dans une société pourrie jusqu'au trognon avec des individus « malades » que sécrète une société « malade » comme si l'amour avait toujours été le seul médicament. Le problème, c'est que l'amour, il n'y en a plus... ou alors il n'est pas à Berlin, et les personnages entretiennent l'illusion qu'ils pourront le trouver auprès d'une pureté qui existerait encore chez les immigrés. Mais ils sont à peine capables d'utiliser chez ces immigrés la seule chose qui les intéresse un peu : leur sexe. Les étrangers deviennent ainsi des objets sexuels et sont forcés de s'en accommoder dans une société où ils sont en état d'infériorité.
Incapacité d'aimer, impuissance à assumer la vie : ce n'est pas le mal, mais le malheur de vivre et la preuve que le seul désir en soi ne peut constituer une motivation suffisante.
Ces gens sont des légumes, racistes et frustrés, et j'ai du mal à avoir de la compassion pour leur misère. Je me dis que pour eux, partout et avec tout le monde, ce sera l'enfer. Ils ne semblent pas se rendre compte qu'ils sont les premiers responsables de leur souffrance et s'autodétruisent dans le cancer de leur insatisfaction. Un des rares désirs qui les excitent encore est l'humiliation : tout un programme.
Ce film souffre d'un manque évident de moyens. Il souffre aussi d'un rythme répétitif, des redites qui n'apportent rien de nouveau : pourquoi dire mal en une heure et demie ce qui aurait été beaucoup plus fort en vingt minutes ?
La recherche désespérée de bites noires par les homosexuels de Berlin-Harlem ne m'a ému pas un seul instant. Jamais je n'ai éprouvé pour tous ces personnages autre chose que de l'indifférence : mon cœur n'a pas été visé et tout s'est s'arrêté pour moi à la rétine.
Le regard de Lambert (bien qu'il s'agisse d'un film de fiction) est plus celui d'un observateur, d'un témoin, que celui d'un créateur : Berlin-Harlem est de l'ordre du documentaire sociologique, voire ethnologique : voici quelques spécimens humains observables à Berlin-Ouest dans les années 70 (j'imagine que cette observation ne devait pas être l'apanage de Berlin), et c'est à ce titre que ce film mérite ma considération.
Lothar Lambert met cependant le doigt sur des questions importantes, fondamentales même. À chacun d'en tirer ses conclusions...
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Rainer Werner Fassbinder, Karl-Heinz Böhm, Peter Chatel, Harry Baer, Ulla Jacobson, Adrian Hoven et Ingrid Caven. Réalisé par Rainer Werner Fassbinder. Scénario de Rainer Werner Fassbinder et Christian Hohoff. Directeur de la photographie : Michael Ballhaus. Compositeur : Peer Raben.
Durée : 123 mn. Disponible en dVO, VOST et VF.
Résumé :
Un jeune forain tombe amoureux d'un jeune bourgeois qui le depouille peu a peu de son argent.
L'avis de Jean Yves :
Après avoir gagné quelques millions à la loterie, Fox prolétaire et chômeur se lie avec Eugen, jeune patron désargenté qui va profiter de cette liaison pour renflouer son entreprise, racheter meubles, voiture... pendant qu'il tente d'inculquer les belles manières à Franz. Mélodrame politique, Le Droit du Plus Fort n’a rien perdu de sa force et de sa lucidité.
Rainer Werner Fassbinder vu par Frédéric Mitterrand :  « Quand il écrit ou quand il tourne Le Droit du plus fort, l’histoire extrêmement triste d’un jeune homosexuel utilisé, spolié et méprisé par ses clients protecteurs, il décrit le mécanisme de l’exclusion sociale, celle qui amène aux camps de concentration et à la mort. »
L’amour est là encore une forme d’aliénation, et la relation de Franz et Eugen n’est rien d’autre qu’une illustration radicale de la lutte des classes. L’homosexualité du couple n’est pas en cause : c’est la notion même de couple où l’un exploite forcément l’autre que montre Rainer Werner Fassbinder.
Cette histoire de dupes et le fossé bourgeoisie/prolétariat sont montrés d'une manière un peu caricaturale. La transposition dans le milieu homosexuel n’est pas l’essentiel car Fassbinder démontre là une morale universelle. Ce qui n’a pas empêché Fassbinder de montrer la nudité masculine et la drague entre mecs, sans inhibition, dans un érotisme suggéré : courageux pour le début des années 70.

Fiche technique :
Avec Julianne Moore, Dennis Quaid, Dennis Haysbert, Patricia Clarkson, Viola Davis, James Rebhorn, Brette Henritze et Michael Gaston. Réalisé par Todd Haynes. Scénario de Todd Haynes. Directeur de la photographie : Edward Lachman. Compositeur : Elmer Berstein.
Durée : 107 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Dans l'Amérique provinciale des années cinquante, Cathy Whitaker est une femme au foyer exemplaire, une mère attentive, une épouse dévouée. Son sourire éclatant figure souvent dans les colonnes du journal local.
Cathy sourit toujours. Même quand son mariage s'effondre, même quand ses amies l'abandonnent. Quand l'amitié qui la lie à son jardinier provoquera un scandale, elle sera forcée, derrière son sourire, d'affronter la réalité.
L'avis de Mérovingien02 :
Le générique commence : musique rétro, pour ne pas dire ringarde, avec des violons mélodramatiques. Couleurs automnales, un rien saturées avec des vieilles voitures avançant tranquillement au milieu d'une rue où les figurants semblent sapés comme s'ils jouaient dans un film des années 50. Le générique apparaît, kitch à mort avec ses lettres en ruban bleu. Mais attendez voir... c'est un film des années 50 ça, non ? Tiens, ben non, y a Julianne Moore dedans ! Mais c'est quoi ce bordel, alors ??
Ce bordel, c'est Loin du Paradis, un film de Todd Haynes sorti en 2002. Le réalisateur n'a pas cherché à faire un simple film sur les années 50 mais a épousé le style visuel du cinéma de l'époque en livrant rien de moins que le film des années 50 qui n'aurait pas pu sortir dans les années 50. Un exercice de style donc, qui trouve son inspiration dans les œuvres de Douglas Sirk, cinéaste a qui l'on doit Le Secret Magnifique ou encore Mirage de Vie. Les mélodrames de Sirk, Todd Haynes les adore visiblement, au point de transformer son œuvre en authentique hommage rétro (jusqu'à faire porter au jardinier la même chemise que Rock Hudson dans Tout ce que le Ciel Permet) . Il a ainsi bâti un scénario sur le même modèle que ceux de l'époque. Son héroïne est une femme typique de la société de l'époque vivant dans un univers lisse et un rien factice et qui se trouve confrontée à des problèmes sociaux. Le décors est classique (une jolie petite banlieue WASP), le groupe de personnage clairement établi (une jolie petite famille avec la mère au foyer, les enfants bien élevés et le papa qui va au boulot) et les valeurs de l'époque totalement respectées (les domestiques noirs méprisés). Nous sommes en 1957 et Cathy Whitaker est une femme heureuse et aimable qui fait la couverture du journal. Épouse comblée, mère modèle, citoyenne engagée, elle est l'incarnation de la réussite. Souriante, vivant dans un petit monde parfait où chaque chose est à sa place, elle sera pourtant contrainte de quitter son petit paradis. Le titre du film n'a pas menti : il apparaît sur de jolies images en précisant que nous sommes loin du paradis. Et la façade proprette de dévoiler peu à peu un monde froid et intolérant.
Car dans cette époque soi disant merveilleuse, on aimait enfermer tout le monde dans une case. Cathy est associée au salon dans lequel elle organise des réceptions et des réunions entre voisines (elle en revient constamment au canapé), Sybil est toujours dans la cuisine, Raymond est dans le jardin... Chacun a une zone délimitée de laquelle il ne doit pas s'échapper au risque de briser les règles du code de conduite en société. Frank ne doit pas entrer dans le bar homo sous peine de reconnaître qu'il l'est, Raymond ne doit pas entrer dans un lieu réservé aux blancs sinon il est montré du doigt, même chose pour Cathy qui ne semble pas à sa place dans le bar noir...
C'est en transgressant les barrières que chacun peut découvrir la vérité mais c'est aussi en se confrontant à d'autres mœurs qu'on est rejeté de son propre milieu social. En franchissant la porte du bureau de son mari, l'héroïne découvrira l'homosexualité et son univers si plat va s'effondrer, les cadrages devenant à cet instant précis de travers, comme un navire prenant l'eau. En acceptant d'accompagner Raymond en public, Cathy sera montrée du doigt par tout le voisinage qui ne comprend pas qu'elle puisse être amie avec un homme de couleur. La situation inverse sera également valable puisque la petite fille de Raymond sera agressée en guise de punition. Les trois principaux protagonistes vivent dans la frustration car la société n'accepte pas la différence. Frank ne peut afficher son homosexualité qui est considérée comme une maladie, Raymond ne peut vivre tout à fait normalement car les blancs ne comprennent pas qu'un noir puisse aussi aimer les mêmes choses qu'eux (en l'occurrence ici : l'art) et Cathy est conspuée parce qu'elle est tout simplement attachée amoureusement à un homme d'une échelle sociale et d'une couleur différente que la sienne.
En réalisant son film à l'ancienne, avec un montage tranquille (fondu enchaîné lent, peu de coupures) et des couleurs flamboyantes, Todd Haynes nous rappelle que ce qui était tabou il y a un demi siècle l'est malheureusement encore un peu aujourd'hui. Les sujets de société que sont la discrimination raciale et l'homosexualité sont introduits dans le film de manière distante, comme on n'osait pas accepter les différences. Lorsque Cathy discute des séances de psychanalyse avec son mari, celui-ci est filmé dans un miroir, sa femme lui tournant le dos. Lorsque Cathy voit Raymond dans le jardin, c'est uniquement par la fenêtre du salon. Et lorsqu'elle ira le saluer par la suite elle franchira le seuil de la porte alors que la journaliste témoin de la scène observera tout cela à distance, derrière une vitre. Loin du Paradis traite donc de la prison sociale et du conformisme de la société qui nous enferme dans des cases, telle cette Cathy qui, pour avoir renoncé à l'amour pour rassurer ses amies, sera filmée de l'extérieur de la maison, avec des barreaux aux fenêtres l'emprisonnant dans sa bourgeoisie.
Todd Haynes ne laisse guère d'espoir à ses protagonistes. Le choix des éclairages est assez révélateur car ceux-ci baignent l'ensemble du métrage dans des teintes automnales déprimantes, avec des bourrasques faisant voler les feuilles mortes en permanence. D'une certaine façon, les protagonistes sont déjà condamnés à la solitude avant même d'entreprendre quoi que ce soit. Et lorsqu'ils affronteront leurs sentiments et verront la vérité en face, ce sera toujours en se cachant dans l'ombre (les discussions nocturnes entre Karl et Cathy dans le salon). Chacun se masque derrière des apparences trompeuses, le plus bel exemple étant le sourire lumineux et trompeur qu'affiche Julianne Moore d'un bout à l'autre du récit avant de pleurer dans sa chambre, loin des regards.
Au delà de la mise en scène simple et délicate, le réalisateur décuple l'émotion de l'histoire grâce aux interprétations subtiles de ses trois principaux interprètes : Julianne Moore retrouve la grâce de Jane Wyman, Dennis Quaid brille par sa fragilité en homme n'étant pas reconnu comme tel et Dennis Hayberg confirme tout le bien qu'on pensait de lui depuis 24 Heures Chrono. En dénonçant tous les préjugés quels qu'ils soient, Todd Haynes livre un joli mélo féministe fleurant bon la naphtaline et le charme désuet des œuvres de Douglas Sirk. Intemporel, tout simplement.
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Fiche technique :
Avec Charles berling, Mehdi Dehbi, Alexis Loret, Abbec Zahmani, Julia Maraval, Clotilde de Bayser, Ouassani Embarek, Lofti Abdelli, Fathi Heddaoui et Hichem Rostom. Réalisé par Abdelkrim Bahloul. Scénario de Abdelkrim Bahloul, Charlotte Guigue et Jean-Pierre Peroncel-Hugoz. Directeur de la photographie : Charlie Van Damme.
Durée : 85 mn. Disponible en VF.
Résumé :
Ce film tourne autour de la figure de Jean Sénac, poète pied-noir qui après l’indépendance de l’Algérie, a choisi d’y rester. Dans tout le pays, un large public écoute alors son émission radiophonique « Poésie sur tous les fronts ». Tout se passe bien les premières années. Puis le nouveau régime va le stigmatiser, le persécuter pour sa différence parce qu’il est d’origine française, catholique, et en plus homosexuel, dans un pays qui s'appuie sur l’Islam. Sa rencontre avec deux étudiants Hamid et Belkacem, dont la pièce vient d’être refusée par le Festival de Théâtre Algérien, car écrite en français sera l'occasion de suivre son combat pour amener le peuple algérien à la conscience de sa propre identité jusqu'à son assassinat en 1973.
L'avis de Jean Yves :
Ce film au scénario fictionnel (les deux étudiants sont inventés) conserve une majorité de faits réels et n'est jamais caricatural.
Le réalisateur, Abdelkrim Bahloul, a eu la bonne idée de ne jamais exagérer la diabolisation du poète, excellemment joué par Charles Berling. Au contraire, il s'attache à seulement montrer la suite de ses désillusions face aux tracasseries imposées par le régime. A aucun moment, on ne voit les ordres donnés par le pouvoir pour contrer le poète : cette répression, qui semble venir de nulle part, impalpable, exacerbe la cruauté qui lui est faite.
Le réalisateur a très bien intégré la poésie de Jean Sénac. Elle est même le moteur nullement artificiel du film puisque chaque passage permet d'insister sur sa vision humaniste. Ce qui rend le film plutôt optimiste.
Jean Sénac est l'emblème de celui qui devient étranger dans son propre pays (sa famille était pourtant là depuis cinq générations et il s’est battu au sein du F.L.N pour l’indépendance). Le film montre à plusieurs reprises la césure qui peut exister entre un peuple et son régime : la gêne du concierge à qui on a ordonné de ne plus donner au poète les clés du studio de radio où il travaille d'habitude ; l’embarras du public face à Sénac quand ce dernier doit justifier son amour des garçons. On sent bien avec cette scène comment le régime a pu utiliser l'homosexualité de Sénac pour le discréditer aux yeux de ses auditeurs.
Un film qui parle tout à la fois d'espoir et de la difficulté d’un pays à vivre avec sa diversité. Le titre Le soleil assassiné résume bien cette dualité.
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Avec Gael Garcia Bernal, Javier Camara, Fele Martinez, Daniel Gimenez Cacho et Lluis Homar. Réalisé par Pedro Almodovar. Scénario de Pedro Almodovar. Directeur de la photographie : José Luis Alcaine. Compositeur : Alberto Iglesias.
Durée : 110 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
En 1980, à Madrid. Enrique Goded (Fele Martìnez), sémillant metteur en scène de 27 ans, cherche une histoire pour son nouveau film. Le sort lui amène un visiteur muni d’un remarquable scénario écrit sous forme d'une nouvelle « La visite ». L’inconnu, par ailleurs fort à son goût, n’est autre qu’Ignacio Rodriguez (Gael Garcia Bernal), son ami d’enfance au collège des jésuites, mais aussi son premier amour. Le destin lie à nouveau les deux garçons par une sorte de providence divine, mais Enrique, intrigué par cet Ignacio qu’il ne reconnaît pas vraiment, va peu à peu s’apercevoir que la réalité de leurs retrouvailles est beaucoup moins idyllique qu’il n’y parait.
L'avis de Jean Yves :
Un film sur les effets d'une éducation sans ridiculiser le sujet. Un film qui traite de la transsexualité et de la pédophilie sans verser dans le voyeurisme et/ou le larmoyant. Un film qui fait passer des sentiments tout en dissertant sur le cinéma. Réalité, fantasme et fiction se mêlent allègrement dans cette histoire tantôt vécue par Ignacio et Enrique, tantôt rêvée, écrite par le premier, ou filmée par le second. Un intelligent écheveau où s'enroulent les souvenirs d'enfance, avec ces fameux « films dans le film » dont Pedro Almodóvar a le secret.
Il ne faut en aucun cas rater le générique de début qui donne une clef pour procéder à la lecture du film : des lambeaux d'affiches et de photos anciennes sont arrachés afin de découvrir chaque fois qu'il y a un dessous. On réalise alors que l'on va avoir affaire à un scénario à la structure narrative et filmique complexe. Avec ses nombreuses mises en abîmes et l'éclatement de ses temporalités, ce film donne le vertige : récit dans le récit à l'intérieur duquel s'inscrira une troisième histoire plus ancienne.
Autre élément à saisir : trois personnages importants ont une personnalité double : Juan se fait d'emblée passer pour Ignacio, son frère, mais tient à se faire appeler Angel. Son frère, Ignacio, est devenu « une » autre sous le nom de Zahara. Le père Manolo, autrefois prêtre et enseignant au collège d'Ignacio, est devenu monsieur Berenguer, marié et père de famille. Seul Enrique, jeune réalisateur, assume totalement son identité, unique, et son homosexualité. Enrique va être ballotté dans le jeu du « Qui est qui ? », entraînant lui-même et le spectateur dans une fiction qu'il tourne et qui devient un film dans le film.
La duplicité est ce qui caractérise le mieux le personnage d'Angel qui a tout de la femme fatale. Froid, calculateur, immoral, le sexe représente pour lui un moyen d'arriver à ses fins. Ce troublant imposteur est-il ange ou démon ? Le mystère qui l'entoure participe de son pouvoir érotique sur son entourage. Notamment avec M. Berenguer avec qui il formera un couple d'amants criminels.
Le père Manolo aime Ignacio qui aime Enrique qui va aimer plus tard le frère d'Ignacio : Angel. Et au final, le prêtre, devenu entre temps éditeur, aimera ce dernier. On a là un étrange jeu de translations entre les personnages. Ce qui me fait penser aux « lignes » qui saturent l'écran et qui sont un élément récurrent du film : la scène où Ignacio enfant se fend le crâne est emblématique ; un mince filet de sang s'écoule sur son visage, le partageant en deux (l'image à l'écran se déchire à ce moment là). Cette coupure va alors sans cesse contaminer intimement toute l'existence des personnages.
Ces « lignes » qui saturent l'écran sont aussi une métaphore de la césure où vivent les personnages et où sont plongés les spectateurs. Métaphore du trouble des identités des personnages mais aussi métaphore du mensonge découvert juste au milieu du film et qui fait découvrir au spectateur qu'il s'est trompé : ce qui avait été perçu jusque là comme un retour dans le passé, initié par la lecture de la nouvelle « La visite », était en fait une mise en scène mentale, entre fantasme et réalité, projection des désirs d'Enrique pour son acteur, une représentation annonçant l'œuvre qu'il réalisera ultérieurement.
C'est encore dans les « lignes » du portail « se découpant » que le mot PASSION en lettres géantes, envahit l'écran à la fin du film. Il exprime peut-être la « confession » du cinéaste qui envisage son œuvre comme un espace cathartique. Ce mot recèle sans doute aussi la part intime de La Mauvaise éducation, prétendument bonne au sein d'un établissement catholique où interdits religieux et sociaux et sexualité s'opposent, tourmentant le prêtre pédophile et les adolescents en quête d'identité.
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Fiche technique :
Avec Parker Posey, Don McKellar, Sarah Polley, Jane Leeves, Brent Carver et Olympia Dukakis. Réalisé par Thom Fitzgerald. Scénario : Thom Fitzgerald, Steven Hillyer et Tim Marback. Directeur de la photographie : Tom Harting. Compositeur : Christopher Beck.
Durée : 114 mn. Disponible en VO et VOST.
Résumé :
Matt Shapiro est mort. New York compte une victime de plus du SIDA. Mais un de ses amis a appelé les urgences. L'assistante du procureur Nicole Devivo doit interroger tous les témoins pour clore l'enquête. L'étrange attitude des proches et de la famille de Matt, à propos des circonstances du décès, sème le doute chez Nicole. Est-il mort du SIDA ? S'est-il suicidé ? Quelqu'un l'a-t-il aidé ?
L’avis de Tati :
Il y a bien longtemps que je ne m’étais pas pris une telle claque ! The Event est un film absolument bouleversant.
Il nous conte l’histoire de Matt, un gay atteint par le VIH. Après maints essais thérapeutiques, son médecin lui annonce qu’il se retrouve en plein échappement. Il décide alors qu’il ne veut plus subir de dégradations physiques. Matt ne souhaite pas que la maladie puisse l’amener jusqu’à un état végétatif et veut continuer à reconnaître ses proches. C’est alors qu’il fait le choix de réunir ses amis et sa famille à l’occasion d’une grande fête durant laquelle il tirera sa révérence.
C’est un film qui traite intelligemment et brillamment le sujet de l’euthanasie, du droit à mourir dignement et surtout, de l’amour au-delà de tous les… maux.
Si l’on fait l’impasse sur les vingt dernières minutes du film, The Event est un film très drôle car les amis du protagoniste sont hauts en couleur (pédés, gouines, trans, trav, drags, et même... hétéros !).
Par contre, pour la fin, prévoyez votre boîte de mouchoirs. C’est véritablement et terriblement éprouvant…
L'avis de Christian Collin :
Donner la mort par amour. Nick doit enquêter sur une série de suicides de sidéens, tous patients du même médecin. Il s'attarde au cas de Matt et se fait peu à peu une idée précise du drame de ces malades. L'euthanasie, ce douloureux et controversé thème de société est traité par deux films, Mar adentro et The Event. Tous deux aboutissent aux mêmes conclusions, après s'être attardés longuement sur les obstacles légaux à l'interruption sollicitée de la vie. La fin de The Event est bouleversante et déborde d'un amour auquel il est difficile de ne pas être sensible. La mort y est apportée comme un cadeau d'un élan collectif d'affection et la charge émotionnelle qui submerge les scènes finales a une force rare.
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Fiche technique :
Avec Jacques Nolot, Patrick Ferry. Réalisé par André Techiné. Scénario : Philippe Du Janerand, Jacques Nolot, Laurent Perrout et André Téchiné. Directeur de la photographie : Pascal Marti.
Durée : 48 mn. Disponible en VF.
Résumé :
Jean-Claude, jeune comédien parisien, retourne dans son village natal après dix ans de silence. Il retrouve son frère, marié à une fille du pays, la Matiouette. Les retrouvailles seront difficiles.
L'avis de Jean Yves :
La Matiouette ou le face à face de deux frères
La Matiouette a d'abord été une pièce de théâtre (1) écrite par Jacques Nolot, jouée sur scène en 1981 puis filmée par André Téchiné en 1982.
Un salon de coiffure comme on en fait plus. Une échoppe pièce de musée où croupit un phallocrate bon cru. Venu d'on ne sait où, surgit l'étranger. Un client ?
Non, le frère du coiffeur, de passage au village natal après dix ans d'absence. La surprise passée, s'affrontent alors deux histoires opposées, toutes deux nées du même creuset : la famille. D'un côté l'héritier aveugle de la France silencieuse en butte aux singularités du marginal, de l'autre celui qui est monté à Paris, le suspect.
L'arrivée éclair du frère prodigue ravive les incidents de parcours : gosse, il tricotait, avait des barrettes dans les cheveux, aujourd'hui il porte un foulard de pédé, fume des cigarettes de gonzesse...
Bref il est anormal. De là à penser que...
Au-delà du propos caricatural super phallo qui provoque rires et sourires grinçants, l'essentiel de la « Matiouette » (c'est le surnom de l'épouse du coiffeur) que Jacques Nolot, l'auteur, porte de bout en bout avec une verve contenue, jamais vulgaire, constamment vrai, se trouve dans le non-exprimé, dans le non-dit que suggère sans jamais le nommer, le discours phallo. L'anormal est-il homosexuel, fou, drogué ?
Qu'importe ! Il dérange.
Son salut n'a tenu qu'à son départ forcé et c'est parce qu'il n'était pas comme les autres qu'il a quitté le pays. Le coiffeur, dans les normes, est resté, sans une lueur de révolte, le système sécrétant son propre enfermement.
La Matiouette est le deuxième volet d'une trilogie : le premier volet J'embrasse pas réalisé aussi par André Techiné en 1991 racontait le départ du « héros » adolescent de son village natal. Le troisième volet L'Arrière-pays réalisé par Jacques Nolot en 1997 raconte le second retour du « héros » dans son village après avoir « réussi » à Paris : il n'est plus regardé - comme dans la Matiouette - en anormal du fait de sa réussite sociale, même s'il reste et restera toujours différent.

(1) ■ Editions Actes Sud, Collection Papiers, 1992, ISBN : 2869432461
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