Fiche technique :
Avec Colin Farrell, Angelina Jolie, Val Kilmer, Jared Leto, Anthony Hopkins, Jonathan Rhys-Meyers, Rosario Dawson, Christopher Plummer et Gary Stretch. Réalisé par Oliver Stone. Scénario de Oliver Stone, Christopher Kyle et Laeta Kalogridis. Directeur de la photographie : Rodrigo Prieto. Musiques de Vangelis.
Durée : 170 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
La vie d'Alexandre le Grand, narrée par Ptolémée : de son enfance à sa mort, des cours d'Aristote aux conquêtes qui firent sa légende, de l'intimité aux champs de bataille. Fils du roi Philippe II, il soumit la Grèce révoltée, fonda Alexandrie, défit les Perses, s'empara de Babylone et atteint l'Indus pour établir à 32 ans l'un des plus grands empires ayant jamais existé.
L'avis de Samuel M. :
Superproduction destinée à engranger les bénéfices, fresque historique emplie de bruit et de fureur, le dernier film d’Oliver Stone déçoit par ses partis pris esthétiques : réalisation, musique, décors, jeu des acteurs ne brillent pas par leur originalité, et le souffle épique peine à soutenir la longueur du film. Alexandre éveille surtout l’intérêt par son portrait de l’empereur. Celui dont l’histoire a traversé les siècles et qui a inspiré de nombreux romans est présenté comme un homme complexe, rappelant quelque part les héros de John Huston, depuis son enfance instruite par Aristote jusqu’à sa mort à l’âge de 33 ans. On y voit un jeune homme peu assuré se changer en chef de guerre assoiffé de conquêtes. La narration, dévolue à Ptolémée, fait la part belle à la théorie du complot chère à Stone, et prête à Alexandre des aspirations universalistes et un discours de rapprochement des peuples qui sonnent comme anachroniques, et d’ailleurs montrés comme incompris. L’Alexandre d’Oliver Stone tente ainsi de restituer la fascination exercée par un homme empli de contradictions, au destin grandiose, mais tragique par sa brièveté. Comme l’écrit Ménandre, ceux qui sont aimés des dieux ont une vie courte... 
Le fils de Philippe de Macédoine, animé par sa mère d’une ambition dévorante, manifeste très tôt son attirance pour les garçons, en particulier pour Héphaestion. Sa mère lui reproche même de ne pas surmonter son indifférence devant les femmes pour épouser une future reine, dans un but uniquement politique, bien sûr. Par-delà les conquêtes, les trahisons et les menaces de mutinerie, jamais son affection pour Héphaestion ou son attirance pour Gaboas ne sont remises en cause par ses hommes (qui l’encouragent même à embrasser ce dernier lors d’une fête). S’il s’éprend de Roxane au point de l’épouser, et si leur nuit de noces est à peu près la seule scène érotique du film, son attachement pour Héphaestion demeure indéfectible, alors qu’il délaisse progressivement Roxane. Le gage d’amour que lui offre son amant, une bague, en est le signe très clair. Enfin, lorsque Héphaestion meurt, malade ou empoisonné, on voit Alexandre tremper ses doigts dans sa coupe et les lécher fugitivement, suggérant la volonté du héros de suivre son compagnon dans la mort. Il succombera en effet trois jours après. Le film s’ouvrait sur l’agonie d’Alexandre faisant tomber une bague sur le sol. L’image de la bague, symbole d’amour même dans la mort, encadre alors le film, et vient mettre en avant l’histoire d’amour souterraine qui parcourt toute l’œuvre. Elle fait baigner les spectateurs dans un singulier dépaysement. Celui d’être projeté dans un monde où le héros n’adhère jamais aux codes sexuels du cinéma grand public du XXe siècle, malgré la scène « gay » censurée  : hétérosexualité conquérante, virilité conventionnelle... Désarçonné ou aux anges, le public voit ses attentes trompées. Si les producteurs ont assagi les images, le scénario résiste à une représentation formatée. Un dépaysement qui n’est pas gratuit, donne un peu d’âme et d’audace à ce « blockbuster » hollywoodien et en fait autre chose qu’un pur produit commercial.
L'avis d'Oli :
Tout d'abord, je tiens à dire que je vais donner mon avis sur un film dont UGC a maladroitement diffusé le Director's Cut de 2h50 au lieu de nous montrer la version intéressante d'1h30 nettoyée des chutes et des passages ridicules. Qu'ils sont distraits, chez UGC...
Le défi d'Oliver Stone, avoué ou pas, c'était de faire aussi bien que Gladiator. Histoire rectifiée pour les besoins du spectacle, décors exceptionnels, musique symphonique grandiose et augmentant l'effet scotchant aux moments paroxystiques, acteurs à l'aise dans leur rôle et une bonne dose d'angoisse pour que le spectateur sente son destin lié à celui du héros. Eh ben, euh, à part le premier point, c'est complètement raté. Enfin, si, les décors de Babylone, de la Porte d'Ishtar aux Jardins suspendus, sont très jolis (on y voit même deux tours de Babel tout droit sorties du tableau de Brueghel l'Ancien). Mais les moments ridicules sont légion, les scènes de combat sont un bon cran en dessous du Seigneur des Anneaux, quelques détails sont grotesques (les pétales de fleur qui surgissent d'on ne sait où pour fêter une décision fraîchement prise par Alexandre, alors que nous sommes dans un camp militaire de fortune qui n'a certainement pas que ça à faire d'emmagasiner des pétales de fleurs fraîchement coupées, ou bien Héphaïstion regardant droit dans les yeux Alexandre, ses beaux yeux bleus arborant de splendides lentilles de contact). Et puis les acteurs ont visiblement moins de mal à simuler un amour hétérosexuel qu'un amour homosexuel. Pour une chatte d'actrice bien visible, tu as le droit à une main sur l'épaule de l'acteur. Bonne mesure du décalage dans la société occidentale.
Il reste quand même l'histoire, qui n’est pas mal, mais c'est un peu imposé par l'Histoire. Et puis ça fait réviser ses classiques (comment s'appelait le précepteur d'Alexandre ? Et son cheval indomptable ?). Non, mais sinon, ce film ne mérite pas qu'on lui consacre ses trois heures, on peut allègrement faire autre chose à la place. Passez votre chemin, sans intérêt.
Pour plus d’informations :
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Voir la fiche n°1, avis de ExCalin 

Fiche technique :
Avec Larson Darrell, Ryan O’Neil, John Hurt, Bridget Fonda, Wendy Hughes et Kenneth McMillian. Réalisé par James Burrows. Scénario de Francis Veber. Producteur : Aaron Russo. Compositeur : Georges Delerue. Directeur de la photographie : Victor J. Kemper.
Durée : 98 mn. Disponible en VO et VF.
Résumé (dos de la VHS) :
Après une série de crimes dans la communauté « gay », l’inspecteur Benson se voit confier l’enquête aidé par un policier aux tendances homosexuelles.
Nouvel avis de Jean Yves et explications :
Oui, vous avez remarqué la divergence : mon premier article (pour ceux qui l’ont lu) était basé sur ce que je me souvenais de ce film... Je viens de le revoir : je me suis dit que ce premier article était trop sévère (d'autant plus pour l'époque de sa réalisation) et puis il manquait d'argumentation détaillée sur des passages du film. C'est pourquoi, j'ai décidé de le refaire, au risque de me contredire. J'ai quand même repris en partie la critique du personnage de Kerwin (trop de clichés à mon goût)...
Les deux poutres maîtresses de Partners sont beaucoup plus l'intelligence du scénario et le jeu des deux acteurs principaux que la mise en scène elle-même, soignée mais très banale. C'est Francis Veber qui est l'auteur du scénario et des dialogues de Partners : il se rachète de ses anciennes bêtises (il fut l'adaptateur pour Edouard Molinaro de La Cage aux folles d'après la pièce de Jean Poiret) et parvient à concilier le suspense policier et les problèmes psychologiques de ses personnages, de l'inspecteur Benson (Ryan O'Neal) en particulier.
Partners repose sur une double progression :
Premier aspect, un crime a été commis dans le milieu gay de Los Angeles : un cover boy de la revue Man's Man a été mystérieusement assassiné et l'on accuse la police de renoncer à retrouver le coupable, de faire du sexisme primaire. Le capitaine Wilkins (Kenneth McMillan) décide d'envoyer deux de ses hommes sur les lieux pour s'infiltrer dans le quartier gay, très important à Los Angeles, avec ses immeubles où n'habitent que des couples homosexuels, ses salles de gymnastique… Tout au long du film, la place de l'enquête n'est jamais négligée : les deux flics feront leur travail, recueilleront des indices, prendront des risques, démêleront l'affaire.
Deuxième aspect, c'est le rapport entre les deux policiers, où Veber a su faire preuve de sensibilité et de nuances. Benson est un homme à femmes, œil de velours et sourire conquérant qui font tomber en pâmoison les dactylos de la brigade criminelle ; son acolyte Kerwin (John Hurt) est au contraire un homosexuel refoulé qui travaille aux archives de la police ; il n'est jamais allé sur le terrain, mais, comme homosexuel, son rôle sera de servir de carte de visite à Benson.
« Je veux que vous viviez comme un couple gay», ordonne le truculent capitaine Wilkins, petit gros malicieux et même un peu pervers, aux réparties pleines d'humour qui donnent à son regard délavé une impression curieuse d'autosatisfaction. Quand Benson lui demande, exaspéré, pourquoi il a été choisi, Wilkins répond : «Parce que vous êtes vraiment un bon flic, Benson, et puis... parce que vous avez un beau cul !»
Le « comique » vient de ce que nous assistons à une situation renversée : l'hétéro tombeur de femmes qui règne et se pavane dans le monde majoritaire se retrouve soudain en minorité dans un univers homosexuel ; il est aussi mal à l'aise qu'un homo contraint de jouer le jeu de la « normalité » dans la société hétérosexuelle. Le comique vient aussi de ce que Benson demeure un flic, un professionnel qui a une mission à remplir : ses réticences sont vaincues par l'objectif à atteindre et Francis Veber a, psychologiquement, vu juste. Chaque fois que Kerwin exprime le désir de revenir en arrière, d'en rester là, de ne pas faire ceci ou cela, Benson, qui sait très bien que c'est ceci ou cela qu'il faut faire pour avancer, relève le défi et répond positivement (scène où il pose pour la couverture de Man's Man, notamment, prenant le double risque de servir d'appât à l'assassin et de passer aux yeux de tous et de toutes pour ce qu'il n'est pas). Certes, Benson aura toujours l'habileté d'éviter le corps à corps sensuel dans des amours qui ne sont pas son genre.
Cela ne l'empêche pas d'observer et de tirer certaines conclusions. Après que le tenancier d'un motel gay l'a peloté sous la table quelques instants, il prend conscience d'une réalité de la condition... féminine : « Ça ne doit pas être drôle d'être une femme, note-t-il, se faire mettre la main au cul par des types répugnants ! » Amusante aussi la scène où, pour se désintoxiquer du milieu pédé par lequel il se sent agressé, il drague une jolie fille... qui le prend pour un pédé : voulant montrer qu'il « n'en est pas », il insiste pour honorer la mignonne... mais n'arrive pas à bander.
Sans doute Francis Veber n'a-t-il pas résisté à présenter quelques caricatures outrancières : le personnage de Kerwyn est un condensé de tous les clichés les plus éculés (refoulé, tremblotant, balbutiant, il ne sait guère que cuisiner, coudre et repasser. Quand il doit manier le revolver, il est pris d'un accès de tremblement qui dure tellement qu'il en manque sa cible), de même pour le tenancier du motel et le logeur de l'immeuble gay : mais, emporté dans tout le contexte, ça passe assez bien, d'autant que cette fois le comique n'est pas à sens unique. De plus, il montre que ce fameux milieu gay n'est qu'un microcosme où les individus restent fidèles aux passions humaines traditionnelles : amour, jalousie, recherche du bonheur, tous les sentiments propres à la nature humaine y sont reproduits, ni en mieux ni en, pire ; l'homosexualité n'y apparaît ni comme une monstruosité bouffonne ni comme une dépravation malsaine. Le talent des comédiens apporte même à ce film une dimension souvent émouvante.
Globalement, Partners est un film positif : il ne provoque ni le sarcasme ni la haine latente et constitue une approche plutôt sensible de l'homosexualité grâce au comique cinématographique.
A titre d'information, mon premier avis :
Avec Partners, nous retombons dans le marécage des lieux communs hétérosexistes. Le scénario est d’un ennui à périr. Pour débusquer un assassin de pédés, la police envoie un couple d’inspecteurs infiltrer le milieu gay : le bon flic, Benson (Ryan O’Neil), sera piloté dans cette exploration par une « honteuse », Kerwyn (John Hurt), qui évidemment tombera amoureux de son collègue.
Le personnage de Kerwyn est un condensé de tous les clichés les plus éculés : refoulé, tremblotant, balbutiant, il ne sait guère que cuisiner, coudre et repasser. Quand il doit manier le revolver, il est pris d’un accès de tremblements qui dure tellement qu’il en manque sa cible. Quant à l’univers pédé, il est grotesque.
Le seul intérêt de cette sinistre pantalonnade est de nous rappeler la dose de bêtise et de clichés que certains trimballent encore. Précisons enfin que ce pauvre Kerwyn trouvera son salut dans la mort. Vision tout à fait optimiste de l’homosexualité. Comme si, in extremis, il fallait faire la preuve qu’un pédé peut avoir du courage et se « conduire en homme ». Happy end…
Ce n’est bien sûr pas ici qu’il faut chercher une quelconque interrogation sur les rôles sociaux : pour James Burrows, les pédés ne peuvent que sautiller en mitonnant des petits plats, les femmes sont des salopes qui ne pensent qu’à ça…

Fiche technique :
Avec Isabelle Carré, Catherine Frot, Melvil Poupaud, François Berléand, Julie Depardieu, Claire Nebout, Eva Ionesco, Marc Andreoni, Emmanuelle Riva et Jacques François. Réalisé par Danièle Dubroux. Scénario de Danièle Dubroux et Pascal Richou. Directeur de la photographie : Jean-Marc Fabre. Compositeur : Reno Isaac.
Durée : 106 mn. Disponible en VF.
Résumé :
Une fille de bonne famille bisexuelle en ménage avec une jeune critique de cinéma, un mari maso relégué au garage qui espère reconquérir sa femme, un jeune homme fougueux que les situations tordues excitent un peu trop...
Une mystérieuse maison close vient d'ouvrir et propose des traitements de choc, menés par des dominatrices, « pour soulager tous les problèmes de libido ». Les voilà bientôt tous embarqués dans une thérapie intensive qui va les mener au bout d'eux-mêmes.
L'avis de Samuel M. :
Danièle Dubroux, qui nous avait ravis avec Le Journal du séducteur, intrigant conte sur le désir tissé d’humour noir, fait débuter son dernier film au sein d’un couple de lesbiennes, Catherine (Isabelle Carré) et Agnès (Catherine Frot). Cette dernière voit débarquer son ex-mari, Adam (François Berléand), qui se prétend amnésique et qui, pour s’installer chez elles, prétexte ne pouvoir recouvrer la mémoire que dans les lieux de son passé. De son côté, Bruno (Melvil Poupaud) tombe amoureux de Catherine au premier regard. Apprenant l’infortune d'Adam, il décide de faire d’une pierre deux coups : conquérir Catherine et rendre Agnès à son légitime époux.
Sous les yeux ahuris du spectateur, Dubroux filme l’implacable victoire du stratagème pourtant transparent et de la mise en scène grossière de Bruno : l’intrigue toute entière obéit à la loi du désir masculin hétérosexuel, et tout se passe comme prévu. La scène finale, où Adam (au prénom prédestiné) coule des jours paisibles entouré de sa femme et de la nouvelle maîtresse de celle-ci, ne dissipe pas la lourde impression d’arrangement en faveur de l’homme, qui retire tous profits de la situation finale. Les critiques qui parlent de « subversion » semblent trouver le couple lesbien traditionnel au possible, et l’hétérosexisme furieusement tendance...
Devant tant de roublardise, on ne peut se rattraper qu’à l’idée que la réalisatrice a été aveuglée par son scénariste. Restent la satire de la critique de cinéma underground, savoureuse, la description hilarante du milieu SM où évolue Bruno (mention spéciale pour la trop rare Claire Nebout, excellente en dominatrice), et la part d’autobiographie. En effet, l’histoire, dans ses grandes lignes et aussi invraisemblable qu’elle soit, est réellement arrivée à l’auteure. Il est regrettable qu’elle n’en ait pas tiré quelque chose de plus original et inspiré.  
L’avis d’Oli :
Mauvais signe, j'ai du mal déjà à vous expliquer l'intrigue du film. En gros, Melvil Poupaud va aider François Berléand à retrouver son ex-femme, Catherine Frot, qui vit maintenant avec Isabelle Carré, laissant François Berléand vivre dans le garage aménagé pour l'occasion. Et Melvil Poupaud bosse pour un cabinet de relaxation psychologie par réalisation de fantasmes sexuels. Et Eva Ionesco, en couple lesbien, veut que Melvil Poupaud lui fasse un gosse (aucun rapport avec le reste de l'histoire, une incongruité de plus dans ce film).
La caution humoristique de ce film semble être la dimension sexuelle perverse. On sourit facilement à voir des consuls se déguiser en soubrette pour se destresser. Après, ben, c'est flou. Une construction en (deux) tableaux très très capillotractée, des rebondissements pas nécessaires, des acteurs qui tentent tant bien que mal de relever le niveau (mais même Catherine Frot a du mal à rendre son personnage attachant, tellement le scénario ne s'y prête pas). La mise en scène manque singulièrement de chaleur et ne vient donc même pas donner un coup de main au scénario anémique. Et puis voilà, quoi. On se dit que l'histoire ne valait pas le coup d'en faire un film, que faut y aller seulement pour voir comment de bons acteurs se dépatouillent, et qu'on aurait mieux fait d'aller voir Mensonges et Trahisons si on tenait absolument à aider le cinéma français. Ou de finir sa nuit tranquillement chez soi.
C'est plat, c'est sans intérêt, très décevant.
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Bande annonce

Fiche technique :
Avec Mika Okuno, Chika Fujimura, Toshiya Nagasawa et Hidetoshi Nishijima. Réalisé par Kaze Shindo.
Durée : 78 mn. Disponible en VO et VOST.
L'avis de Bastian Meiresonne (Eiga go go !)) :
Portant sur ses épaules le lourd héritage de son génial grand-père réalisateur et scénariste Kaneto Shindo et de son influent père producteur Jiro Shindo, la jeune Kaze fait preuve d'un réel talent prometteur dans son premier long métrage. S'attaquant au difficile et tabou sujet du lesbianisme, elle signe une première œuvre sensible et aboutie.
Chinatsu et Kyoko sont deux amies inséparables, logeant sous un même toit et partageant jusque le même lit. Vivant au jour le jour, gagnant quelques yens en travaillant dans des bars de nuit, leur amitié sera mise à rude épreuve le jour où Chinatsu tombe amoureuse de sa co-locatrice.
Née en 1978, Kaze Shindo intègre la prestigieuse école de cinéma Visual Shooting and Lighting Course of Nihon Eiga Gakko créée par Shohei Imamura. Se spécialisant dans la réalisation et l'éclairage, elle attire une première fois l'attention en réalisant un fort remarquable documentaire (Oji-Chan/My Grandfather) concernant son illustre grand-père durant ses années d'études. Après quelques travaux d'assistanats, elle signe le scénario et la réalisation de son premier long métrage, tourné avec un budget très peu élevé. Si sa famille a certainement pu jouer un rôle important dans son parcours personnel, Shindo en démontre pourtant aux plus envieux détracteurs. S'imposant comme la plus jeune réalisatrice actuellement en activité au Japon, elle ose également relever le défi de s'attaquer à un sujet particulièrement épineux au sein de la communauté japonaise : l'homosexualité des femmes. Suivant les traces de Ryosuke Hashiguchi, qui compte parmi les rares cinéastes à s'être ouvertement attaqué au sujet à travers ses Grains de Sable et Hush!, elle aborde le thème avec une légèreté et un naturel déconcertants ; pourtant l'homosexualité est peu admise au sein de la population japonaise et seules les représentations caricaturales ou faussement exagérées trouvent quelque grâce aux yeux des spectateurs.
Love/Juice est un drame intimiste très simple. À travers le quotidien de deux amies inséparables, passablement fêtardes la nuit tombée et souvent fauchées, elle brosse le sensible portrait criant de vérité de tout un pan de jeunes de ces dernières années. Elle réussit en quelques plans à esquisser une juste représentation d'une génération bien trop mal assimilée dans de nombreux films par ailleurs. Fêtardes, glandeuses, les deux amies n'en sont pas moins des jeunes tout à fait normales, en pleine transition entre une adolescence s'achevant et le monde adulte les guettant.
L'homosexualité de Chinatsu est abordée sans fausse pudeur dès la séquence d'ouverture du film. Les filles sortant en boîte, la lesbienne se plaint de ne trouver chaussure à son pied parmi les filles présentes et de regretter de ne pas être née garçon. Cette frustration sera un véritable leitmotiv tout au long du film et démontre l'admission d'une sexualité encore fragile : Chinatsu souffre véritablement de ne pas être un garçon. Sa coupe, son visage poupin, ses habits et ses attitudes trahissent de véritables manières d'un garçon manqué ; mais moins aspirant à changer véritablement de sexe, son comportement trahit une identité encore mal assimilée. Kyoko, de son côté, subit la phase de sa propre recherche sexuelle. Plutôt attirée par les garçons, elle est curieuse de la sexualité de son amie. Elle ne ressent aucune répulsion à l'embrasser et n'exclut – du moins au début – de coucher un jour avec elle. Déçue par ses expériences sexuelles passées, elle demande même conseil quant à comment avoir un orgasme et sera irrémédiablement excitée par une démonstration d'onanisme de la part de sa co-locatrice.
Toutes ces annotations sexuelles ne sont jamais exploitées de manière spectaculaire ou voyeuriste par la réalisatrice, mais témoignent – au contraire – d'une rare sensibilité et d'un respect particulier. Au-delà de la simplicité de l'histoire, Shindo intègre quelques éléments parfaitement auteurisants. Le besoin régulier de prendre Kyoko en photo démontre un certain côté possessif ; au contraire, les clichés pris par Kyoko ne représentent qu'un jeu pour la jeune fille, mais est mal vécu par Chinatsu. Tel un homme, elle cherche à dominer dans une relation où elle est autrement soumise par ses sentiments amoureux non retournés par l’objet de son désir. Elle est tel un prédateur, cherchant sa proie, représenté par les nombreuses séquences de poissons rouges dévorés : dès qu'ils sont mis dans un même bocal avec un poisson d'une autre espèce, ils se font dévorer tout cru. Poissons rouges qui servent également de métaphore à la relation même des deux filles : mis dans un étroit verre (aussi petit que l'appartement partagé par les filles), l'un meurt au moment de la « rupture » des deux amies et de la menace de suicide de Chinatsu. Métaphore certes facile, mais une nouvelle fois juste et étonnant pour un premier métrage réalisé par une jeune femme de 22 ans.
Métrage centré tout entier autour des deux filles, la gente masculine n'a que peu de place dans leur univers ou est représentée de façon médiocre : un vendeur de poissons exotiques renfermé et indécis, un barman rendant visite avec force alcool et un patron violeur. D'après l'aveu de Kaze Shindo elle-même, elle a cherché à décrire un univers qui lui était intimement familier et proche ; elle ne semble en tout cas pas porter beaucoup d'affection pour la gente masculine.
Premier film tout à fait réussi, ne souffrant que d'une fin par trop démonstrative et appuyée, le talent de Kaze Shindo est très prometteur. Disposant de la même fraîcheur que les premiers métrages de Sofia Coppola, son premier métrage mérite d'être découvert par un large public et donne envie de suivre ses futurs pas derrière la caméra.
Pour plus d’informations :
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Fiche technique :
Avec Takeshi Ito, Simon Kumai, Kiyomi Ito et You Suzuki. Réalisé par Hisayasu Sato.
Durée : 60 mn. Indisponible en VO et VOST.
L'avis de Martin Vieillot (Eiga go go !) :
S'il est bien un réalisateur qui divise, il s'agit assurément de Hisayasu Sato. Fer de lance du renouveau du pinku-eiga au milieu des années 80 qui entraîna dans sa suite des cinéastes plus classiques, son univers reconnaissable entre mille provoque autant de fascination que de dégoût. Films ouvertement sulfureux brassant érotisme déviant et déprime urbaine avec un net attrait pour l'expérimentation visuelle, les œuvres de Sato ressassent à l'infini les mêmes obsessions morbides jusqu'au malaise. Plus connu en Occident pour son célèbre Naked Blood, une œuvre à part qui l'a malheureusement vite catalogué au rayon des auteurs gores, son impressionnante filmographie dégage une thématique autrement passionnante et fascinante. Souvent qualifié de prétentieuses esbroufes, il convient de replacer ses travaux dans leur contexte originel pour mieux en apprécier leur singularité. Muscle, une de ses premières réalisations, fait partie de sa série de barazoku-eiga (films gay), un sous-genre incontournable du pinku eiga. La sexualité chez Sato, c'est surtout l'expression des pulsions cachées. Souvent violentes et morbides, ici cette thématique ne diffère guère de celle de ses films hétérosexuels. Les actes sexuels n'y tiennent d'ailleurs qu'une place secondaire, s'effaçant vite derrière les traumas de ses personnages. Muscle illustre d'ailleurs bien cette orientation qui confine à l'obsession maladive.
Ryuzaki est photographe pour Muscle, un magazine de body-building. Il tombe amoureux de Kitami, un jeune homme rencontré lors d'une exhibition culturiste avant-gardiste. Fascinés par la douleur, leur relation tourne rapidement aux pratiques sadomasochistes. Un jour, lors d'une séance photo, Ryuzaki pris d'une pulsion incontrôlée tranche le bras de son amant. Libéré après un an de prison, Ryuzaki retrouvera l'air libre et ne pourra s'empêcher de retrouver son ancien partenaire.
Habitué aux scénarios complexes mêlant flash-back et onirisme, Sato s'appuie ici sur un canevas somme toute linéaire. Muscle illustre la dérive d'un homme à la recherche désespérée de l'homme qu'il aimait. Une structure qui donne au film un arrière goût de thriller lorsque Ryuzaki s'enfonce la nuit dans les ruelles glauques de Tokyo. L'esthétique résolument eigties s'accorde ici parfaitement à l'univers dépeint. Filtres bleuâtres, néons à la lumière blafarde et mortifère, Sato déréalise les lieux qu'il filme, les teintant d'une inquiétante et souterraine noirceur renforcée par l'emphase de Sato sur l'univers fantasmé de l'homosexualité. Peu d'expérimentations visuelles, mis à part son attrait prononcé pour les reflets en tout genre. Film-monde donc, où l'ambiance prime avant tout.
La thématique sadomasochiste reste malheureusement superficielle, la relation entre les deux amants peine à faire ressentir leurs tourments intérieurs. Comme souvent chez Satou, ses films sont résolument hermétiques. Le moteur du récit manque ici d'intensité et se résume aux déambulations paranoïaques de Ryuzaki dans divers lieux tels docks, salles de cinéma ou ruelles désertes. L'adjonction purement gratuite d'un couple hétero au récit n'en donnera pas pour autant le rebond espéré. Heureusement comme tout pinku-eiga, Muscle est court (une heure) ce qui l'empêche de s'effondrer faute de corps. Cinéphile averti, Sato double son film d'une réflexion cinématographique. Le personnage central est tenancier d'une salle obscure avant-gardiste, il est question de Pier Paolo Passolini et de son Salo. Las, ces références prétentieuses ne sont que pures citations sans aucun travail de ré-appropriation ou hommage.
Reste que Muscle comporte de belles et fortes visions singulières qui font tout son intérêt. L'étrange scène d'introduction où culturistes se mêlent à un danseur de buto décharné, le bras tranché que Ryuzaki conserve dans du formol telle une relique qui causera sa perte, la rencontre finale des deux amants dans une salle de cinéma au pied d'une toile nue entourée des protagonistes masqués comme un bal costumé macabre, la danse en bout de quai portuaire entre un manchot (Kitami) et un aveugle (Ryuzaki qui s'est crevé les yeux avec son sabre), les surprenantes et froides mélodies synthétiques.
Typique du travail de Sato, Muscle manque de maturité et reste malheureusement trop creux pour convaincre Néanmoins, l'univers fascinant et déprimant qu'il dégage saura satisfaire les amateurs de cinéma différent. Étrange et maladif.
Pour plus d’informations :
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