Fiche technique :
Avec Julianne Moore, Dennis Quaid, Dennis Haysbert, Patricia Clarkson, Viola Davis, James Rebhorn, Brette Henritze et Michael Gaston. Réalisé par Todd Haynes. Scénario de Todd Haynes. Directeur de la photographie : Edward Lachman. Compositeur : Elmer Berstein.
Durée : 107 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
Dans l'Amérique provinciale des années cinquante, Cathy Whitaker est une femme au foyer exemplaire, une mère attentive, une épouse dévouée. Son sourire éclatant figure souvent dans les colonnes du journal local.
Cathy sourit toujours. Même quand son mariage s'effondre, même quand ses amies l'abandonnent. Quand l'amitié qui la lie à son jardinier provoquera un scandale, elle sera forcée, derrière son sourire, d'affronter la réalité.
L'avis de Mérovingien02 :
Le générique commence : musique rétro, pour ne pas dire ringarde, avec des violons mélodramatiques. Couleurs automnales, un rien saturées avec des vieilles voitures avançant tranquillement au milieu d'une rue où les figurants semblent sapés comme s'ils jouaient dans un film des années 50. Le générique apparaît, kitch à mort avec ses lettres en ruban bleu. Mais attendez voir... c'est un film des années 50 ça, non ? Tiens, ben non, y a Julianne Moore dedans ! Mais c'est quoi ce bordel, alors ??
Ce bordel, c'est Loin du Paradis, un film de Todd Haynes sorti en 2002. Le réalisateur n'a pas cherché à faire un simple film sur les années 50 mais a épousé le style visuel du cinéma de l'époque en livrant rien de moins que le film des années 50 qui n'aurait pas pu sortir dans les années 50. Un exercice de style donc, qui trouve son inspiration dans les œuvres de Douglas Sirk, cinéaste a qui l'on doit Le Secret Magnifique ou encore Mirage de Vie. Les mélodrames de Sirk, Todd Haynes les adore visiblement, au point de transformer son œuvre en authentique hommage rétro (jusqu'à faire porter au jardinier la même chemise que Rock Hudson dans Tout ce que le Ciel Permet) . Il a ainsi bâti un scénario sur le même modèle que ceux de l'époque. Son héroïne est une femme typique de la société de l'époque vivant dans un univers lisse et un rien factice et qui se trouve confrontée à des problèmes sociaux. Le décors est classique (une jolie petite banlieue WASP), le groupe de personnage clairement établi (une jolie petite famille avec la mère au foyer, les enfants bien élevés et le papa qui va au boulot) et les valeurs de l'époque totalement respectées (les domestiques noirs méprisés). Nous sommes en 1957 et Cathy Whitaker est une femme heureuse et aimable qui fait la couverture du journal. Épouse comblée, mère modèle, citoyenne engagée, elle est l'incarnation de la réussite. Souriante, vivant dans un petit monde parfait où chaque chose est à sa place, elle sera pourtant contrainte de quitter son petit paradis. Le titre du film n'a pas menti : il apparaît sur de jolies images en précisant que nous sommes loin du paradis. Et la façade proprette de dévoiler peu à peu un monde froid et intolérant.
Car dans cette époque soi disant merveilleuse, on aimait enfermer tout le monde dans une case. Cathy est associée au salon dans lequel elle organise des réceptions et des réunions entre voisines (elle en revient constamment au canapé), Sybil est toujours dans la cuisine, Raymond est dans le jardin... Chacun a une zone délimitée de laquelle il ne doit pas s'échapper au risque de briser les règles du code de conduite en société. Frank ne doit pas entrer dans le bar homo sous peine de reconnaître qu'il l'est, Raymond ne doit pas entrer dans un lieu réservé aux blancs sinon il est montré du doigt, même chose pour Cathy qui ne semble pas à sa place dans le bar noir...
C'est en transgressant les barrières que chacun peut découvrir la vérité mais c'est aussi en se confrontant à d'autres mœurs qu'on est rejeté de son propre milieu social. En franchissant la porte du bureau de son mari, l'héroïne découvrira l'homosexualité et son univers si plat va s'effondrer, les cadrages devenant à cet instant précis de travers, comme un navire prenant l'eau. En acceptant d'accompagner Raymond en public, Cathy sera montrée du doigt par tout le voisinage qui ne comprend pas qu'elle puisse être amie avec un homme de couleur. La situation inverse sera également valable puisque la petite fille de Raymond sera agressée en guise de punition. Les trois principaux protagonistes vivent dans la frustration car la société n'accepte pas la différence. Frank ne peut afficher son homosexualité qui est considérée comme une maladie, Raymond ne peut vivre tout à fait normalement car les blancs ne comprennent pas qu'un noir puisse aussi aimer les mêmes choses qu'eux (en l'occurrence ici : l'art) et Cathy est conspuée parce qu'elle est tout simplement attachée amoureusement à un homme d'une échelle sociale et d'une couleur différente que la sienne.
En réalisant son film à l'ancienne, avec un montage tranquille (fondu enchaîné lent, peu de coupures) et des couleurs flamboyantes, Todd Haynes nous rappelle que ce qui était tabou il y a un demi siècle l'est malheureusement encore un peu aujourd'hui. Les sujets de société que sont la discrimination raciale et l'homosexualité sont introduits dans le film de manière distante, comme on n'osait pas accepter les différences. Lorsque Cathy discute des séances de psychanalyse avec son mari, celui-ci est filmé dans un miroir, sa femme lui tournant le dos. Lorsque Cathy voit Raymond dans le jardin, c'est uniquement par la fenêtre du salon. Et lorsqu'elle ira le saluer par la suite elle franchira le seuil de la porte alors que la journaliste témoin de la scène observera tout cela à distance, derrière une vitre. Loin du Paradis traite donc de la prison sociale et du conformisme de la société qui nous enferme dans des cases, telle cette Cathy qui, pour avoir renoncé à l'amour pour rassurer ses amies, sera filmée de l'extérieur de la maison, avec des barreaux aux fenêtres l'emprisonnant dans sa bourgeoisie.
Todd Haynes ne laisse guère d'espoir à ses protagonistes. Le choix des éclairages est assez révélateur car ceux-ci baignent l'ensemble du métrage dans des teintes automnales déprimantes, avec des bourrasques faisant voler les feuilles mortes en permanence. D'une certaine façon, les protagonistes sont déjà condamnés à la solitude avant même d'entreprendre quoi que ce soit. Et lorsqu'ils affronteront leurs sentiments et verront la vérité en face, ce sera toujours en se cachant dans l'ombre (les discussions nocturnes entre Karl et Cathy dans le salon). Chacun se masque derrière des apparences trompeuses, le plus bel exemple étant le sourire lumineux et trompeur qu'affiche Julianne Moore d'un bout à l'autre du récit avant de pleurer dans sa chambre, loin des regards.
Au delà de la mise en scène simple et délicate, le réalisateur décuple l'émotion de l'histoire grâce aux interprétations subtiles de ses trois principaux interprètes : Julianne Moore retrouve la grâce de Jane Wyman, Dennis Quaid brille par sa fragilité en homme n'étant pas reconnu comme tel et Dennis Hayberg confirme tout le bien qu'on pensait de lui depuis 24 Heures Chrono. En dénonçant tous les préjugés quels qu'ils soient, Todd Haynes livre un joli mélo féministe fleurant bon la naphtaline et le charme désuet des œuvres de Douglas Sirk. Intemporel, tout simplement.
Pour plus d’informations :
Bande annonce

Fiche technique :
Avec Michael Maniatis, Dionyssis Xanthos, Katerina Helmi, Vassilis Tsaglos, George Bartis, Eleni Kourkoula et Maria Alkeou. Réalisé par George Katakouzinos. Scénario : George Katakouzinos.  Directeur de la photographie : Tassos Alexakis. Compositeur : Stamatis Spanoudakis.
Durée : 120 mn. Disponible en VO et VOST.
L'avis de Jean Yves :
L'histoire vraie d'un jeune homosexuel qui, pressé par son amant de se travestir pour se prostituer, ne peut supporter le poids de la violence et de la frustration qui empoisonne son existence.
Violence et irrationalité de la passion amoureuse
La passion d'Anguelos pour Mihalis – où la sérénité est totalement absente – est avant tout le lieu privilégié de la souffrance, de la blessure intime, de la faille qui fait plonger l'être tout entier dans le gouffre de sa solitude : sa lucidité – tout autant que sa déraison – le mène au cauchemar, et ce cauchemar devient source d'existence.
L'absence de sérénité apparaît aussi dans le cadre de vie du jeune Anguelos : milieu très populaire de la banlieue d'Athènes, ambiance familiale insupportable, besoin effréné de tendresse, d'amour, de passion. Besoin de donner sans réserve, besoin de se donner corps et âme. Anguelos (Michael Maniatis) est impliqué dans une quête impossible, impossible parce que disproportionnée : l'homme qu'il aime et en qui il a placé toute sa foi dans un abandon quasiment religieux ne peut donner plus que ce dont il est capable : comme Mihalis (Dionyssis Xanthos) est un « traître », un médiocre, un raté, il ne peut donner que de la trahison et de la médiocrité : en cela, ce film ressemble étrangement à la passion d'Henri pour Jean dans L'homme blessé de Patrice Chéreau.
Ces valeurs négatives deviennent grandes et pathétiques, parce qu'il y a l'amour, ce ciment ravageur, qui les transforme et les sanctifie. C'est ce « miracle » qui fait peur, car le véritable visage de l'amour échappe ainsi aux barrières, aux garde-fous patiemment construits par la raison pour créer un semblant de sécurité. La passion amoureuse révèle une fois encore son pouvoir indéfini d'irrationalité et de subversion.
La force physique de Mihalis est un facteur supplémentaire de fascination sur Anguelos : Katakouzinos a utilisé (comme Chéreau d'ailleurs) le décor d'une fête foraine où Mihalis exhibe la force de son coup de poing sur un punching-ball.
Mihalis évolue dans un milieu interlope et trempe dans des affaires de prostitution. À la fin, Anguelos l'égorge dans son sommeil : le meurtre de Mihalis participant de la punition, du ressentiment, de l'illustration émouvante et mélodramatique d'un fait divers authentique.
Personnellement, je n'ai pas ressenti que ce meurtre participe à une métaphore ni qu'il s'inscrive dans une vérité des tréfonds de l'âme humaine qui dépasserait une simple histoire d'homosexualité : ce qui fait que ce film n'a pas réussi à me transmettre des émotions intenses.
Le réalisateur n'a pas à mené à terme le voyage ambigu où le spectateur aurait pu s'interroger : celui au pays de ses démons car ce sont eux qui dérangent le plus.
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Charles berling, Mehdi Dehbi, Alexis Loret, Abbec Zahmani, Julia Maraval, Clotilde de Bayser, Ouassani Embarek, Lofti Abdelli, Fathi Heddaoui et Hichem Rostom. Réalisé par Abdelkrim Bahloul. Scénario de Abdelkrim Bahloul, Charlotte Guigue et Jean-Pierre Peroncel-Hugoz. Directeur de la photographie : Charlie Van Damme.
Durée : 85 mn. Disponible en VF.
Résumé :
Ce film tourne autour de la figure de Jean Sénac, poète pied-noir qui après l’indépendance de l’Algérie, a choisi d’y rester. Dans tout le pays, un large public écoute alors son émission radiophonique « Poésie sur tous les fronts ». Tout se passe bien les premières années. Puis le nouveau régime va le stigmatiser, le persécuter pour sa différence parce qu’il est d’origine française, catholique, et en plus homosexuel, dans un pays qui s'appuie sur l’Islam. Sa rencontre avec deux étudiants Hamid et Belkacem, dont la pièce vient d’être refusée par le Festival de Théâtre Algérien, car écrite en français sera l'occasion de suivre son combat pour amener le peuple algérien à la conscience de sa propre identité jusqu'à son assassinat en 1973.
L'avis de Jean Yves :
Ce film au scénario fictionnel (les deux étudiants sont inventés) conserve une majorité de faits réels et n'est jamais caricatural.
Le réalisateur, Abdelkrim Bahloul, a eu la bonne idée de ne jamais exagérer la diabolisation du poète, excellemment joué par Charles Berling. Au contraire, il s'attache à seulement montrer la suite de ses désillusions face aux tracasseries imposées par le régime. A aucun moment, on ne voit les ordres donnés par le pouvoir pour contrer le poète : cette répression, qui semble venir de nulle part, impalpable, exacerbe la cruauté qui lui est faite.
Le réalisateur a très bien intégré la poésie de Jean Sénac. Elle est même le moteur nullement artificiel du film puisque chaque passage permet d'insister sur sa vision humaniste. Ce qui rend le film plutôt optimiste.
Jean Sénac est l'emblème de celui qui devient étranger dans son propre pays (sa famille était pourtant là depuis cinq générations et il s’est battu au sein du F.L.N pour l’indépendance). Le film montre à plusieurs reprises la césure qui peut exister entre un peuple et son régime : la gêne du concierge à qui on a ordonné de ne plus donner au poète les clés du studio de radio où il travaille d'habitude ; l’embarras du public face à Sénac quand ce dernier doit justifier son amour des garçons. On sent bien avec cette scène comment le régime a pu utiliser l'homosexualité de Sénac pour le discréditer aux yeux de ses auditeurs.
Un film qui parle tout à la fois d'espoir et de la difficulté d’un pays à vivre avec sa diversité. Le titre Le soleil assassiné résume bien cette dualité.
Pour plus d’informations :
Bande annonce

Fiche technique :
Avec Gael Garcia Bernal, Javier Camara, Fele Martinez, Daniel Gimenez Cacho et Lluis Homar. Réalisé par Pedro Almodovar. Scénario de Pedro Almodovar. Directeur de la photographie : José Luis Alcaine. Compositeur : Alberto Iglesias.
Durée : 110 mn. Disponible en VO, VOST et VF.
Résumé :
En 1980, à Madrid. Enrique Goded (Fele Martìnez), sémillant metteur en scène de 27 ans, cherche une histoire pour son nouveau film. Le sort lui amène un visiteur muni d’un remarquable scénario écrit sous forme d'une nouvelle « La visite ». L’inconnu, par ailleurs fort à son goût, n’est autre qu’Ignacio Rodriguez (Gael Garcia Bernal), son ami d’enfance au collège des jésuites, mais aussi son premier amour. Le destin lie à nouveau les deux garçons par une sorte de providence divine, mais Enrique, intrigué par cet Ignacio qu’il ne reconnaît pas vraiment, va peu à peu s’apercevoir que la réalité de leurs retrouvailles est beaucoup moins idyllique qu’il n’y parait.
L'avis de Jean Yves :
Un film sur les effets d'une éducation sans ridiculiser le sujet. Un film qui traite de la transsexualité et de la pédophilie sans verser dans le voyeurisme et/ou le larmoyant. Un film qui fait passer des sentiments tout en dissertant sur le cinéma. Réalité, fantasme et fiction se mêlent allègrement dans cette histoire tantôt vécue par Ignacio et Enrique, tantôt rêvée, écrite par le premier, ou filmée par le second. Un intelligent écheveau où s'enroulent les souvenirs d'enfance, avec ces fameux « films dans le film » dont Pedro Almodóvar a le secret.
Il ne faut en aucun cas rater le générique de début qui donne une clef pour procéder à la lecture du film : des lambeaux d'affiches et de photos anciennes sont arrachés afin de découvrir chaque fois qu'il y a un dessous. On réalise alors que l'on va avoir affaire à un scénario à la structure narrative et filmique complexe. Avec ses nombreuses mises en abîmes et l'éclatement de ses temporalités, ce film donne le vertige : récit dans le récit à l'intérieur duquel s'inscrira une troisième histoire plus ancienne.
Autre élément à saisir : trois personnages importants ont une personnalité double : Juan se fait d'emblée passer pour Ignacio, son frère, mais tient à se faire appeler Angel. Son frère, Ignacio, est devenu « une » autre sous le nom de Zahara. Le père Manolo, autrefois prêtre et enseignant au collège d'Ignacio, est devenu monsieur Berenguer, marié et père de famille. Seul Enrique, jeune réalisateur, assume totalement son identité, unique, et son homosexualité. Enrique va être ballotté dans le jeu du « Qui est qui ? », entraînant lui-même et le spectateur dans une fiction qu'il tourne et qui devient un film dans le film.
La duplicité est ce qui caractérise le mieux le personnage d'Angel qui a tout de la femme fatale. Froid, calculateur, immoral, le sexe représente pour lui un moyen d'arriver à ses fins. Ce troublant imposteur est-il ange ou démon ? Le mystère qui l'entoure participe de son pouvoir érotique sur son entourage. Notamment avec M. Berenguer avec qui il formera un couple d'amants criminels.
Le père Manolo aime Ignacio qui aime Enrique qui va aimer plus tard le frère d'Ignacio : Angel. Et au final, le prêtre, devenu entre temps éditeur, aimera ce dernier. On a là un étrange jeu de translations entre les personnages. Ce qui me fait penser aux « lignes » qui saturent l'écran et qui sont un élément récurrent du film : la scène où Ignacio enfant se fend le crâne est emblématique ; un mince filet de sang s'écoule sur son visage, le partageant en deux (l'image à l'écran se déchire à ce moment là). Cette coupure va alors sans cesse contaminer intimement toute l'existence des personnages.
Ces « lignes » qui saturent l'écran sont aussi une métaphore de la césure où vivent les personnages et où sont plongés les spectateurs. Métaphore du trouble des identités des personnages mais aussi métaphore du mensonge découvert juste au milieu du film et qui fait découvrir au spectateur qu'il s'est trompé : ce qui avait été perçu jusque là comme un retour dans le passé, initié par la lecture de la nouvelle « La visite », était en fait une mise en scène mentale, entre fantasme et réalité, projection des désirs d'Enrique pour son acteur, une représentation annonçant l'œuvre qu'il réalisera ultérieurement.
C'est encore dans les « lignes » du portail « se découpant » que le mot PASSION en lettres géantes, envahit l'écran à la fin du film. Il exprime peut-être la « confession » du cinéaste qui envisage son œuvre comme un espace cathartique. Ce mot recèle sans doute aussi la part intime de La Mauvaise éducation, prétendument bonne au sein d'un établissement catholique où interdits religieux et sociaux et sexualité s'opposent, tourmentant le prêtre pédophile et les adolescents en quête d'identité.
Pour plus d’informations :
Bande annonce
Site du film

Fiche technique :
Avec Laurent Lucas, Clara Choveaux, Thiago Teles, Célia Catalifo, Lou Castel, Alex Descas, Marcelo Novais Teles, Olivier Torres et Fred Ulysse. Réalisé par Bertrand Bonello. Scénario de Bertrand Bonello. Directeur de la photographie : Josée Deshaies.
Durée : 115 mn. Disponible en VF.
L'avis de Petit Ian :
Si Tiresia n'est pas le meilleur film de cet automne [l’article a été écrit à la sortie du film, note de Daniel] , il est de loin le plus original. Face à la beauté formelle de Ken Park et d'Elephant, une splendeur d'outre-tombe apparaît comme un autre manifeste du 7^e art. Ce projet franco-canadien est l'un des plus troublants poèmes qu'ait produit le cinéma. Voilà sept nuits que la chanson de Tiresia illustre mes rêves et, à l'heure où j'écris ces mots, Navajo Dream de Venus tourne sur ma platine. Dans cet extrait de Vertigone (un magnifique album dont la couverture représente un homme nu comme empêché par une force invisible d'accéder à la surface de l'eau sombre dans laquelle il est immergé), Marc A. Huyghens évoque la soumission d'un être à une population. Poursuivi par une femme armée, le héros perd peu à peu son humanité jusqu'à devenir chat, mais répète obstinément "Everything's ok". Dans l'œuvre de Bertrand Bonello, transposition à la fois actuelle et intemporelle du mythe de Tirésias, une prostituée brésilienne (Tiresia) est captive d'un poète (Terranova) qui ne possède pas les hormones dont elle a besoin pour rester femme. D'abord hystérique, Tiresia consent progressivement à aimer, ou feindre d'aimer, son geôlier. Cependant, le caractère mâle regagnant ce corps enchaîné répugne le poète, qui lui crève les yeux et l'abandonne au bord d'une rivière. Redevenu homme, Tiresia est pris sous la protection d'une fille muette, développe des capacités divinatrices et suscite notamment l'intérêt d'un prêtre.
Découpé en deux parties (Tiresia femme, jouée par Clara Choveaux ; Tiresia homme, par Thiago Telès), le film exploite comme moyen de transition, mais aussi d'ouverture, l'image d'un volcan en éruption. Tiresia est née des entrailles de la terre, a été tour à tour femme et homme [1], et est passée de l'une à l'autre par un état intermédiaire, qui est aussi celui de son origine : créature. Toute l'œuvre est tiraillée entre des thèses ennemies, le mythe (Tiresia créature) et la réalité (Tiresia trans), le profane (l'oracle) et le sacré (le père François), la femme (Clara Choveaux) et l'homme (Thiago Telès), la cécité (Tiresia aveugle) et la voyance (Tiresia devin), le démon (Laurent Lucas bourreau) et le saint (Laurent Lucas prêtre). Difficile de savoir si cela est le fruit du hasard, mais déconcertant est le doublé de toutes les initiales : B (Bertrand Bonello), C (Clara Choveaux, Célia Catalifo), L (Laurent Lucas), T (Thiago Telès, Tiresia/Terranova)... que faut-il décrypter ?! En duel ou en duo, Tiresia est organisé sur un mode binaire et pourtant ni manichéen ni rationnel. L'exemple le plus intéressant n'est d'ailleurs pas donné expressément : d'abord méfiant, le père François se laisse ensuite convaincre par les dons de l'oracle, mais ce changement s'opère de façon latente, tout comme Tiresia femme peut affirmer sa virilité plus ou moins secrète en un rien de temps (lorsqu'on la prive de ses hormones).
Pas de poésie sans esthétique. Il y a dans Tiresia de magnifiques plans, longs et contemplatifs, sur une éruption volcanique, sur les prostituées du bois de Boulogne, sur la toilette du corps féminin-masculin de Tiresia, sur une scène d'amour à trois répétée deux fois (l'homme, la femme, le trans, des seins, des fesses, l'érection d'une verge imposante : la caméra caresse la peau, la lisse, la lèche), sur l'agonie de Tiresia (ses yeux crevés, ensanglantés, éclairés par intermittence, c'est-à-dire lorsque la voiture en croise une autre ou passe sous un lampadaire, et sa voix qui hurle, puis s'affaisse : une terrible séquence), sur la découverte de cette dépouille par Anna au bord d'une rivière (arbres morts, eaux troubles, ciel gris : une froideur qui plairait à Tim Burton)... Une bande-son éclectique (Beethoven, Albin de la Simone, Alberto Iglesias [2], la fameuse complainte de Tiresia...) accompagne ces images en profondeur, rappelant que le cinéma est un autre monde et plongeant le spectateur dans son obscurité (la première heure se déroule de nuit et la plupart du temps à huis clos, la deuxième de jour mais Tiresia est désormais aveugle). « Le soleil s'est noyé dans son sang qui se fige... », écrit Baudelaire dans Les Fleurs du mal [3]. C'est l'image qu'il nous reste de Tiresia, une beauté ensanglantée contemplée par un étrange poète.

[1] « sa nature est d'être d'abord une femme, puis un homme » (Thiago Telès, TéléCinéObs n°2032)
[2] compositeur pour Almodóvar
[3] Harmonie du soir. On pense également à Une charogne.
Pour plus d’informations :
Bande annonce
Secrets de tournage

Comme pour Robson et Philippe, Les Toiles Roses s’associent au combat de Taoufik et Etienne.
Voici le résumé de Philippe qui était à Lyon, vendredi, pour soutenir Taoufik :

Ce soir, je suis de nouveau sous le coup d'un choc terrible, après la deuxième mésaventure en moins de 6 semaines, qui tend à renforcer l'idée de l'acharnement bien « présumé » des Préfectures vis-à-vis des couples HOMOS BINATIONAUX !...
Jeudi après-midi, je vous faisais part de ma colère en apprenant la mise en rétention de Taoufik, ce jeune Marocain de 22 ans pacsé avec Etienne qui, à plusieurs reprises, avait néanmoins fait une demande de Titre de séjour auprès de la Préfecture de Côte d'Or (et non du Rhône, excusez l'erreur de « parti pris » à l'encontre de M. le Préfet du Rhône !)... Et qui s'était vu par deux fois, opposé un refus.

Soutien au Tribunal Administratif de Lyon

Vendredi matin, à 9 heures, nous étions donc une petite dizaine à le soutenir (il est difficile de mobiliser plus de monde au dernier moment, surtout un jour de semaine à cette heure-là).
Parmi les Lyonnais présents, il y avait David, Président de la LGP Lyon, mais aussi Olivier, Vice-Président de la LGP Lyon, Trésorier de Moove!, Association lyonnaise de jeunes gays, lesbiennes & ceux qui les comprennent, Trésorier adjoint de mOules frItes... Gilia, membre actif de Moove!... Eddy, qui a déjà témoigné sur mon blog (lire son histoire) nous avait également rejoints, juste avant d'aller bosser...
Michel CHOMARAT, chargé de mission pour la Mémoire de la Ville de Lyon et interlocuteur privilégié sur les questions LGBT, s'était aussi mobilisé.
Côté Médias : un journaliste de 20 Minutes, que j'avais rencontré pour notre histoire, ainsi que TLM, chaîne de télévision locale.
Le jugement me semblait en bonne voie, puisque le Tribunal administratif de Lyon avait invalidé l'arrêté de reconduite à la frontière pour Robson.
L'avocate de Taoufik nous a semblé à tous, à la fois défensive et offensive, plaidant avec force arguments, pièces, cas de jurisprudence...
Ainsi, quittant le Tribunal, tout le monde semblait confiant...

Nous sommes allés prendre un café, en attendant l'assignation à résidence du Juge des Libertés. Dans cette attente, Taoufik a été reconduit en Centre de rétention, encadré et menotté (!)
Peu avant midi, Etienne nous rejoints au café plus détendu... Son compagnon sera libéré dans l'après-midi. Une bonne nouvelle accompagnée de sérénité...
Mais avant-hier matin, le résultat de l'Audience est tombé comme un couperet par voie de fax :
Le Tribunal administratif de Lyon a confirmé l'arrêté de reconduite à la frontière notifié par la Préfecture de Côte d'Or !!!...
Étienne et Taoufik n'ont donc pas d'autre choix que de faire appel de cette décision...

Amour « choisi » ?... Amour « subi » ?

Ainsi, après deux ans de vie commune pour Étienne et Taoufik, trois ans pour Robson et moi-même, davantage pour d'autres... Voilà vers quoi l'on veut conduire les couples homosexuels binationaux : à « s'expatrier » ailleurs !
Doit-on renoncer à s'aimer, lorsque l'on n'est pas de la même culture, de la même nationalité, de la même couleur de peau ?
Doit-on « subir » tous nos compatriotes, pour reprendre les mots de Nicolas Sarkozy, et faire plaisir à notre « Mère Patrie » ?
N'est-il donc pas plus normal de « choisir » librement son conjoint ?
Répondez-moi, M. le Ministre !

Philippe