Il n’a que vingt ans, vient du Québec, et son premier film est une des plus belles découvertes du Festival de Cannes 2009. Présenté à la Quinzaine des réalisateurs, "J’ai tué ma mère" est reparti avec trois des plus prestigieux prix. Interview décontractée avec Xavier Dolan, acteur/réalisateur/scénariste/producteur.

Tu es réalisateur, scénariste, acteur principal et producteur de ton film. Tout cela était-il prévu dès le départ ?

M’investir dans la production n’était pas du tout prévu. Ça s’est imposé parce que je n’avais pas envie d’attendre inlassablement après les institutions financières. Par contre, jouer le rôle principal, c’était une certitude. Déjà parce que c’est ma vie et puis je suis acteur, c’est une de mes passions. Et ce n’est pas facile de jouer, c’est toujours la même rengaine, les mêmes refus, les mêmes rejets… J’avais envie de jouer ce rôle-là et puisque c’est moi qui réalisait, il n’y avait personne pour me dire non. C’était un bon créneau.

Est-ce que ça n’a pas été trop difficile à gérer toutes ces fonctions sur un même film ?

Pas du tout. J’ai adoré tenir tous ces rôles. C’était assez simple : on tournait et puis après deux prises, trois prises, je regardais et on s’ajustait. Tout : direction artistique, jeux des comédiens, réalisation… Après trois prises, on avait assez de recul pour pouvoir s’ajuster, continuer dans la même optique en améliorant ou en changeant les choses.

Dans ta réalisation on remarque beaucoup de plans « décadrés »…

J’aime beaucoup ce qui est décadré. Je fais également de la photo et on y trouve beaucoup de choses décadrées. Dans le film cela me semblait totalement approprié : dès qu’on décadre quelque chose on a l’impression d’un bouleversement, d’une anomalie, d’un vide. Je trouvais intéressant le fait d’isoler les personnages, de donner l’impression qu’il y avait une figure manquante. Qu’à côté d’eux il y a tellement d’air, qu’il y a un espace à combler. Alors qu’ils pourraient être l’un à côté de l’autre mais la distance qui les sépare, même infime, donne l’impression qu’ils sont aux antipodes.

Avant d’être réalisateur, tu étais acteur. Comptes-tu continuer cette carrière, continuer à te mettre en scène ?

Je suis un acteur, j’adore jouer, j’ai envie de rôles de composition. Comme Anne Dorval dans mon film qui n’a rien à voir avec son personnage dans la réalité. La polyvalence, c’est très excitant pour moi. Dans mon prochain film je n’aurai qu’un tout petit rôle, je ferai une dragqueen, ça durera deux secondes. Ce sera drôle, un petit clin d’œil. J’aimerais jouer dans les films des autres en fait.

Quel serait ton « TOP 3 spontané » des réalisateurs avec lesquels tu aurais envie de tourner ?

Haneke, Paul Thomas Anderson… Sinon j’aimerais énormément jouer avec Kate Winslet. Je nous vois déjà en couple déchu, incestueux…(rires). Il faut qu’on fasse tout ! Ah, j’ai un troisième nom de réalisateur à te donner : Gus Van Sant !

Quels sont les thèmes apparents et moins apparents que l’on peut retrouver dans J’ai tué ma mère ?

Les relations mère-fils : apparent. La différence : apparent. L’incompatibilité, la nostalgie : apparents. L’ostracisme, l’homosexualité : sous-jacents.

En parlant d’homosexualité, on compte beaucoup de films en ce Festival de Cannes 2009 (dont le tien) qui ont une intrigue ou des personnages gays. Cela t’évoque quoi ?

C’est tant mieux pour ces films. Les gens remarquent toujours la variable dans le lot. Cette année, c’est l’homosexualité qui ressort. Moi mon film est l’histoire d’un jeune garçon révolté par sa mère et pas celle d’un jeune gay. On n’est pas du tout dans l’histoire d’un jeune homme qui a des problèmes vis-à-vis de sa sexualité. L’homosexualité dans J’ai tué ma mère est un simple trait de caractère.

Comptes-tu explorer dans ta filmographie à venir la question de l’homosexualité, du genre ?

Le thème qui m’est cher, c’est la différence. C’est ce dont j’ai envie de parler toute ma vie. Dans J’ai tué ma mère, c’est la différence entre deux personnes. Dans Laurence any ways, mon prochain film, ce sera plutôt le regard que la société porte sur la différence. Il sera question d’un couple, un homme et une femme. Lui décide de devenir une femme. Elle, au lieu de le laisser, le suit. Une histoire sur vingt ans. Une recherche, une passion constamment renouvelée, un rapport d’amour/haine. J’aimerais tourner ce film le plus vite possible, ça me brûle, j’ai envie de me remettre à tourner. J’espère que mon passage à Cannes facilitera les choses pour tout mettre en place…

Merci à Xavier Dolan et Sophie Bataille d’avoir permis cette interview.

« Nous sommes mâles et femelles, adultes et enfants, gouins, gouines et pédés, baiseuses, baiseurs, enculées, enculeuses. » Jean Baudrillard, De la séduction (1979).

« Les juifs orthodoxes ne disent même pas que l'homosexualité est mauvaise, ils considèrent qu'elle n'existe pas. (…) Ils dénient votre essence, votre identité, votre capacité à aimer quelqu'un. » Haim Tabakman, réalisateur israélien de Tu n’aimeras point, au festival de Cannes, dans un entretien à l'AFP.

« Je ne veux pas faire mon artiste qui est d'accord... Mais ce devrait être une évidence, évidemment, d'accepter le mariage gay et l'adoption par deux parents du même sexe. Quant aux débats autour de l'orientation du gosse, ses repères, je crois que c'est une profonde branlette, une thèse ancrée avant même que les premiers experts aient commencé leurs études. Donc, si j'étais président de la République (...) j'aurais accepté que les gays puissent adopter, que les lesbiennes puissent adopter, que tout le monde puisse se marier. » Julien Doré, Têtu, septembre 2009.

(Some like it Camp)

par  Tom Peeping

Tom Peeping (T.P. pour les intimes, comme Tippi Hedren) aime se promener sur les chemins de traverse du 7ème art et de la télé et s’arrêter pour soulever des pierres. Les films qu’il y déniche, la plupart méconnus ou oubliés, méritent pourtant leur place près de l’arc-en-ciel. Camp, kitsch, queer ou trash, ils racontent une histoire du cinéma des marges. Gays sans l’être tout en l’étant, ils espèrent retrouver dans cette rubrique leur fierté d’être différents.

Tom Peeping, quand il ne visionne pas quelque rareté de derrière les fagots, est conférencier en histoire de l’art et fréquente assidûment les musées parisiens pour y gagner sa vie de vive voix. Il est né dans les Sixties, la décennie du Pop Art, des Yéyés et des Go-Go Girls. Et il rejoint, pour notre (et votre) plus grand plaisir, l'équipe du blog Les Toiles Roses.

Fiche technique :

Avec Al Pacino, Meryl Streep, Emma Thompson, Mary-Louise Parker, Jeffrey Wright, Patrick Wilson, Justin Kirk, Ben Shenkman. Réalisation : Mike Nichols. Scénario : Tony Kushner, d’après sa pièce de théâtre. Compositeur : Thomas Newman.

Durée : 2 fois 150 minutes. Disponible en VO, VOST et VF.

Résumé :

Dans les années 80, l'Amérique est touchée par le SIDA qui apparaît à l'époque comme le cancer des homosexuels. Les symptômes physiques obligent les gays à faire leur "coming out". Montrés du doigt, les malades doivent cependant faire face...

Empreinte de compassion, d'humour et de fantastique, cette saga ne peut laisser personne indifférent. Portrait critique d'une Amérique en proie à d'inextricables paradoxes touchant aussi bien à la sexualité qu'à la morale.

L’avis de Tom Peeping :

Angels in America, un téléfilm de 6 heures réalisé par Mike Nichols, a raflé en 2004 le record de 11 trophées à la cérémonie des Emmy Awards (record précédemment détenu par Racines en 1977 avec 9 trophées). Était-ce vraiment mérité ?

Ce téléfilm HBO d'un budget colossal de 60 millions de dollars, tiré de la pièce de théâtre homonyme de Tony Kushner (qui avait reçu le Prix Pulitzer et le principal Tony Award en 1993), raconte les conséquences personnelles et collectives du SIDA dans le parcours de plusieurs américain(e)s de la seconde moitié des années 1980. C'est aussi et surtout un manifeste politique gay et une œuvre américaine archétypique (faite par et pour les américains).

Le téléfilm (mais compte-tenu de son budget, de son ambition, de ses acteurs et de son réalisateur, on peut le considérer comme un film à part entière) est constitué de deux parties de 3 heures chacune : « Le Millénaire Approche » et « Perestroïka ». Le casting, étincelant, est mené par Al Pacino (over the top en avocat à succès homophobe qui se meurt du SIDA), Meryl Streep (trois rôles à elle seule, dont ceux de la mère mormone d'un gay mal dans sa peau et... d'un rabbin), Emma Thompson (trois rôles, dont celui d'un Ange hystérique). Streep et Pacino ont remporté un Emmy. Deux révélations : Patrick Wilson (un mormon dans le placard) et Jeffrey Wright (un infirmier flamboyant). Le réalisateur Mike Nichols (Qui a Peur de Virginia Woolf, Catch-22, Le Lauréat) a aussi reçu un Emmy.

Angels in America (Emmy du meilleur Téléfilm), dont le scénario a été écrit par Tony Kushner lui-même (un Emmy aussi), mélange tous les genres : c'est un drame, un mélodrame, un film fantastique, un pamphlet politique, un manifeste social, sexuel, culturel et religieux, une fable, un conte de fées (ou de sorcières)... La dizaine de personnages principaux (des gays principalement et quelques femmes périphériques) se croisent, se perdent, se recroisent, vivent, meurent ou survivent.

Au début, les méandres du film peuvent faire craindre un fourre-tout de la pire espèce. Il faut avouer que c'est un peu ça. La structure du scénario, tiré d'une pièce très bavarde, est d'une impressionnante complexité : la fin du film essaye de raccorder ensemble toutes les pièces du puzzle sans y parvenir complètement. Beaucoup d'effets spéciaux (plus ou moins réussis) et de très nombreux clins d'œil à l'histoire du cinéma (notamment les « women's pictures » de Davis et Crawford et au Musical) en font une expérience visuelle assez étonnante. Hommage probable à la France, les références à Jean Cocteau sont très présentes.

Évidemment, Angels in America sera loin de plaire à tout le monde, notamment en France où ce genre de méli-mélo n'a jamais été apprécié (on pourra aussi lui reprocher sa démesure baroque, l'utilisation abusive de la musique, les métamorphoses de Meryl Streep, l'outrance d'Emma Thompson en Ange...). Il y a aussi un écueil, assassin : le texte foisonnant qui devient vite épuisant et qui tient assez souvent l'émotion du sujet à distance. La toute dernière scène, elle, est vraiment bouleversante, mais comment pourrait-il en être autrement ?

Malgré ses quelques défauts, il faut saluer le projet fou d'Angels in America. Produite par la chaîne HBO (Six Feet Under, Les Sopranos, Sex & the City...), voilà une œuvre télévisuelle audacieuse dans son thème et sa forme qui n'a rien à envier aux films à thèse du grand écran. Une fresque puissante, baroque et littéraire qui part de l'histoire de quelques individus pour dresser un portrait de la résilience de l'Humanité.

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