Fiche technique :

Avec Guy Marchand, Françoise Fabian, Sabrina Seyvecou, Yannick Renier, François Négret, Catherine Mouchet, Sandrine Dumas, Pierre-Loup Rajot. Réalisation : Olivier Ducastel et Jacques Martineau. Scénario : Olivier Ducastel et Jacques Martineau. Image : Matthieu Poirot-Delpech. Montage : Mathilde Muyard.

Durée : 97 mn. Disponible en VF.

Résumé :

Nous sommes à la fin de l'année 1999. Une belle maison de campagne, environnée d'une forêt, sera le décor unique à l'intrigue. Depuis plus de cinquante ans Frédérick (Guy Marchand), 77 ans, plante des arbres dans cette forêt et depuis plus de cinquante ans, Frédérick vit dans le mensonge. Au retour de l'enterrement de Charles (Pierre-Loup Rajot), son fils aîné, auquel ostensiblement il n'a pas assisté, la famille se réunit dans la gentilhommière. Il y a Guillaume, le fils cadet (François Négret) et sa femme Elisabeth (Sandrine Dumas), Françoise (Catherine Mouchet), veuve du fils aîné Charles, ainsi que sa fille Delphine (Sabrina Seyvecou), accompagnée de son petit ami Rémi (Yannick Renier). Frédérick décide de leur révéler la véritable raison pour laquelle il fut déporté par les nazis alors qu'il habitait en Alsace. Il était homosexuel et a mené toutes ces années une double vie, tout en étant profondément attaché à sa femme (Françoise Fabian). Seuls sa femme et son fils aîné savaient la vérité sur son histoire.

L'avis de Bernard Alapetite :

Je suis fidèle à Ducastel et Martineau comme on est fidèle à un vieil amant ou une vieille maitresse, d'abord par respect. Voilà deux cinéastes éminemment respectables, c'est sans doute le principal défaut de leur cinéma, comme on le dirait d'un tennisman qui ne joue jamais « petit bras ». Ils empoignent des sujets plus gros qu'eux, cherchent des angles d'attaque inédits, promènent leurs thèmes de comédies musicales en mélos, concoctent des castings toujours excitants, n'hésitant pas à mêler professionnels chevronnés et amateurs. Au final cela ne donne pas des films entièrement réussis, mis à part leur premier, Jeanne et le garçon formidable, leur coup d'essai est jusqu'à ce jour leur coup de maître, mais que l'on est toujours content d'avoir vu. Il en va de même avec L'Arbre et la forêt. Après avoir avec Nés en 68 balayé quarante ans d'histoire de France avec pour pivot la libération sexuelle, cette fois c'est la déportation des homosexuels qu'ils mettent au centre de leur film. La géniale idée est d'aborder le sujet par un biais minimaliste et très borné, la réunion de famille. L'Arbre et la forêt est un huis-clos qui se résume à la confession de Frédérick et aux réactions des différents membres de sa famille devant la révélation qu'il leur fait. La science consommée du cinéma de Ducastel et Martineau réussit à rendre fluide et cinématographique ce qui n'aurait pu être que du théâtre filmé, en fractionnant la confession de Frédérick, en la distillant tout au long du film. Si du point de vue du filmage le procédé est totalement convaincant, il l'est beaucoup moins en ce qui concerne le scénario. Il n'est en effet pas très crédible que Frédérick vide son sac par épisodes et en différents tête-à-tête avec les membres de la maisonnée…

Je pense que je ne peux aller plus loin dans l'analyse du film sans parler de Guy Marchand qui fait là une composition mémorable tout en retenue et en subtilité. Guy Marchand est de ces acteurs dont on redécouvre périodiquement le talent, alors que cela devrait être une évidence depuis longtemps, que l'on se souvienne du salaud mirlitonesque de Coup de torchon, du veule adjoint de Garde à vue ou encore du père amorti de Dans Paris de Christophe Honoré... Peut-être pâtit-il d'être dans l'esprit d'une grande partie du public une sorte de macho égrillard au sourire en coin, alors qu'il peut être tout autre chose. Olivier Ducastel évoque le choix du comédien pour le rôle de Frédérick : « En regardant Guy Marchand dans le film de Christophe Honoré, nous nous sommes dit qu'il serait un formidable Frédérick. Et une chose amusante, c'était que pour écrire le personnage de Frédérick, nous nous sommes pas mal inspirés de Jean-Louis Trintignant, auquel nous avons aussi pensé offrir le rôle sans trop y croire non plus étant donné qu'il avait dit qu'il ne ferait plus de film. Mais en engageant Guy Marchand nous avions oublié un petit détail de sa filmographie, il avait joué dans Le Maître nageur, un film de Jean-Louis Trintignant justement. »

C'est dans ce choix à contre-emploi que l'on mesure combien les membres du tandem sont des pros du casting, maestros du contrepied. Il faut également dans ce registre souligner la bonne idée d'employer le toujours bon Yannick Renier dans un registre lisse et solaire, alors que jusqu'à présent on ne l'a connu qu'interprétant des personnages sombres et tourmentés. Le duo ne rechigne pas parfois néanmoins à aller vers l'évidence, comme de faire incarner un personnage d'alcoolique raté à François Negret quand on sait que cet ancien espoir du cinéma français a ruiné sa carrière à grand coup de rasades de whisky. On l'avait quitté il y a 20 ans en adolescent rebelle, on le retrouve émacié par l'alcool. Certains humains sont séchés par l'alcool comme les harengs par le sel ! Le casting peut être un métier cruel... Le couple formé par Guy Marchand et Françoise Fabian est si crédible qu'on les croirait ensemble à la ville. Et puis quel plaisir de retrouver Catherine Mouchet, en vieille petite fille aussi formidable que dans Pigalle.

Puisque j'en suis aux acteurs, force est de constater qu'ils sont tous bien distribués et que leur qualité est le grand atout du film, d'autant qu'ils réussissent à donner de l'épaisseur à des personnages qui en manquent un peu sur le papier.

Quitte, comme c'est encore le cas dans ce film français, à jouer le naturalisme, faudrait-il aller au bout de cette démarche et doter les personnages d'un métier… Une fois de plus l'argent dans cette famille semble tomber du ciel et ces gens, si l'on excepte Frédérick qui subsiste grâce à la sylviculture, s'ils ont des loisirs ne semblent pas subir de contraintes sociales. Alors que Ducastel et Martineau sont fort habiles pour inscrire leur film dans une temporalité précise (la menace de la grande tempête de 1999 plane sur le film), et suggérer les opinions politiques de Frédérick (enfin un homosexuel de droite, voilà qui est bien contraire à la doxa communautariste), on s'étonne qu'encore une fois ils ne parviennent pas à doter leurs personnages d'une surface sociale crédible. Je pense qu'il y a un petit manque de travail sur le scénario. Il eut été bon également de supprimer les trois courtes scènes dans lesquelles le fantôme du fils défunt apparaît. Elles enlèvent au film du mystère sans pour autant lui apporter un surcroît de densité.

De densité le personnage de Marianne n'en manque pas et fait apparaître une figure neuve dans le cinéma français. Elle nous dit que l'amour peut se dissocier du sexe. On peut penser que Frédérick et elle ont une vie sexuelle ténue, mais pourtant ils nourrissent l'un pour l'autre un amour très fort. C'est Marianne qui a choisit Frédérick, puis a continué de vivre avec lui et de l'aimer en connaissant la vérité sur ses goûts sexuels. Françoise Fabian, avec son talent et son expérience, sait exprimer toute la richesse du personnage de Marianne qui culmine dans la remarquable scène dans laquelle elle se confie à sa belle-fille, interprétée par la toujours parfaite Catherine Mouchet.

Dans Drôle de Félix, puis dans Ma vraie vie à Rouen, Ducastel et Martineau avaient démontré leur talent de cinéastes paysagistes. Ils le confirment avec les belles images de forêt sur musique wagnérienne de L'Arbre et la forêt. La photographie est signée Matthieu Poirot-Delpech, qui a travaillé sur tous les films du duo Ducastel-Martineau.

Alors que Jeanne et le garçon formidable était un modèle de légèreté sur un sujet on ne peut plus grave, la mort par le sida, cette fois encore comme dans Nés en 68, Ducastel et Martineau n'ont pas su faire taire les militants qui sommeillent, jamais profondément, en eux. Le sujet de L'Arbre et la forêt est assez fort, il pouvait se passer d'une poussée d'activisme et de didactisme qui ne fait qu'alourdir le propos.

La force de L'Arbre et la forêt est qu'il parvient à évoquer la déportation comme dans Shoah  de Claude Lanzmann sans aucune image de reconstitution, mais uniquement par le biais de la parole de Frédérick. Jacques Martineau s’'explique sur ce choix : « Le film a toujours reposé sur ce principe. Il était clair pour nous qu'il n'y aurait aucun flashback ni de reconstitution historique, nous avons toujours été dans le témoignage présent ou plutôt dans le non témoignage. En insistant sur un seul témoignage intime, nous soulignions que la déportation pour raison d'homosexualité pendant la guerre n'avait jamais été clairement évoquée. On est face à un mur de silence sur le sujet. Le film n'est pas là pour mettre le public face à ce fait historique, pas pour ouvrir une page d'Histoire mais pour se poser la question de la raison de ce silence pesant. Nous abordons cela en observant le comportement d'une famille en particulier. Il y a évidemment des facteurs historiques à ce silence mais surtout des facteurs sociaux. Cette page historique s'ouvre par l'entremise du secret familial. Nous avons en effet mis un peu plus longtemps à développer ce projet, mais ce long développement nous a permis de nous concentrer davantage sur le domaine de l'intime, du cercle familial. »

Le projet de Ducastel et Martineau de faire un film sur la déportation homosexuelle, thème qui apparaît fugitivement à la fin de leur précédent film, était ancien. Olivier Ducastel raconte la genèse de L'Arbre et la forêt : « Il y a eu deux facteurs qui expliquent le délai qu'il a fallu pour que le film voit le jour. Le premier était le sujet même du film, un sujet délicat qui s'est imposé à nous dès que Crustacés et coquillages fut terminé. On avait eu une première mouture du scénario assez rapidement mais le projet a mis du temps à évoluer et a connu différents producteurs. Le second facteur est arrivé lorsque le film était en production, prêt à tourner. Au même moment, deux producteurs nous ont demandés de reprendre un projet au pied levé pour la chaîne Arte, une fiction en deux parties sur laquelle ils étaient en développement depuis très longtemps. La réalisatrice pressentie venait de jeter l'éponge. Ce projet, c'était Nés en 68. En se concertant avec Philippe Santos, le producteur de L'Arbre et la forêt, il nous a dit que ce n'était pas possible de décliner une telle offre de double fiction. Cela nous permettait aussi d'avoir plus de temps pour affiner le montage financier du film. »

Ducastel et Martineau se sont inspirés pour écrire leur scénario du témoignage de Pierre Seel, seul triangle rose français à avoir parlé de sa déportation en tant qu'homosexuel.

Le film a été sélectionné au Festival de Berlin 2010 et a reçu le Prix Jean Vigo en 2009. Il bénéficie d'une superbe affiche signée Pierre Le Tan.

Pour plus d’informations :

Fiche technique :

Avec Colin Firth, Julianne Moore, Nicholas Hoult, Matthew Goode, Jon Kortajarena, Paulette Lamori, Ryan Simpkins, Ginnifer Goodwin, Teddy Sears et Paul Butler. Réalisation : Tom Ford. Scénario : David Scearce et Tom Ford, d'après le livre de Christopher Isherwood. Image : Eduard Grau. Montage : Joan Sobel. Compositeur : Abel Korzeniowski et Shigeru Umebayashi.

Durée : 100 mn. Disponible en VO, VOST et VF.

Résumé :

Los Angeles, 1962. Depuis qu’il a perdu son compagnon Jim dans un accident, George Falconer, professeur d’université Britannique, se sent incapable d’envisager l’avenir. Solitaire malgré le soutien de son amie la belle Charley, elle-même confrontée à ses propres interrogations sur son futur, George ne peut imaginer qu’une série d’évènements vont l’amener à décider qu’il y a peut-être une vie après Jim.

L’avis de Frédéric Mignard :

Le styliste Tom Ford devient réalisateur. Le résultat est un drame personnel virtuose, avec Colin Firth et Julianne Moore.

Adaptation sans modestie du roman de Christopher Irshwood, Un homme au singulier, A single man est un film de styliste, celui de Tom Ford, célèbre pour son travail novateur au sein du groupe Gucci. Le couturier playboy signe ici sa première œuvre en tant que réalisateur. Avec un regard privilégiant le papier glacé, il pare son essai d’une photographie exceptionnelle, entre jeu de couleurs, reflets subtils et poses avantageuses. Il habille son récit de quelques gueules dignes de couvertures de magazine, notamment dans les seconds rôles, et situe son action dans quelques prestigieux pavillons américains qui ne déplairaient pas à Franck Lloyd Wright. Jusqu’aux vêtements, conçus par la styliste de Madonna, Arianne Philips, tout est d’une beauté fulgurante, d’une classe décadente à l’imagerie hallucinée.

Tous ces éléments de l’artifice auraient pu considérablement desservir le travail de Tom Ford. Pourtant, au-delà d’une simple extension de son univers personnel, sa démarche artistique se justifie peu à peu. Attisant une émotion qui se noue à la gorge, elle creuse les artères de la dépression. Cette dernière s’exprime à travers le sentiment de solitude accablant d’un professeur d’université érudit, depuis la mort de son compagnon.

L’homosexuel vieillissant dans une Amérique puritaine, à peine anobli aux yeux de la société par son statut de prestige, a perdu le goût de l’amour et de la vie. La perte de sa moitié, magnifiquement recomposée de manière onirique en début de métrage, est systématiquement contrastée par le monde qui l’entoure. À cette perte de la passion, s’appose celle de la jeunesse, de son entrain d’autrefois, ce qui entame considérablement son désir de survie et le mène à la préparation minutieuse de son propre suicide.

Décrivant un monde qui se régénère automatiquement en beauté, où le moche, comme la mort, est socialement oublié par tous (sauf par l’amant esseulé et les autres post quadras qui vivent dans l’ombre), où la jeunesse, à la fraicheur insolente d’une éternelle publicité, reprend systématiquement le dessus, attisant les désirs, les frustrations, la mélancolie et les regrets de ceux qui ont dépassé cette étape, Tom Ford esquisse un univers cruel, s’intéressant surtout aux parias ou has-been de cette société d’apparat.

À côté du personnage littéraire de George Falconer en route pour la mort, incarné par l’impérial Colin Firth (prix d’interprétation à Venise et nominé à l’Oscar pour ce rôle), l’on trouve sa voisine et meilleure amie depuis des décennies, jouée par Julianne Moore, tout aussi impressionnante. Ancienne beauté royale, abîmée par les aléas de son existence et l’alcool, cette femme pathétique, en quête d’une nouvelle dignité, qui pourtant ne cesse de se fourvoyer toujours un peu plus, est dévorée par sa propre solitude. Le temps d’une soirée, les deux êtres se rapprochent et se désirent devant la caméra de Tom Ford. Lui a décidé de cesser le combat quand elle essaie vainement de s’accrocher à quelques espoirs en revenant davantage au passé qu’au futur (elle essaie notamment de raviver la flamme qu’elle a pu faire briller en lui un soir de leur jeunesse).

Heureusement, dans ce sentiment de dépression généralisée, où l’homme pense ne plus pouvoir aimer ou être aimé, quelques moments colorés viennent le ramener progressivement à la vie. Des rencontres imprévues, un échange avec l’un de ses étudiants qui s’élève, fort heureusement, bien au-delà de l’académisme du Cercle des poètes disparus... Le réalisateur, dont on sent l’implication personnelle dans le cheminement psychologique du personnage principal, réserve de sublimes moments de cinéma, notamment dans les décors (une scène en technicolor avec en fond une toile gigantesque de Hitchcock). Son sens mélangé de l’habillage de l’image et de la dramatisation intimiste nourrit des instants d’émotions intenses. Le créateur de mode prouve ainsi que la beauté peut générer au cinéma autre chose que l’ennui poli face à des archétypes a priori superficiels.

À l’instar d’un Wong Kar Wai pour In the mood for love (dont on retrouve le compositeur, Shigeru Umebayashi, au générique), Ford transcende l’univers clinquant de son propre microcosme professionnel pour s’insinuer au plus près de la douleur humaine, celle, universelle, de la prise de conscience de sa propre mortalité. Peut-on en ressortir autrement que bouleversé ?

L’avis de Voisin blogueur :

Conditions de visionnage : vu en projection presse. Ce qui m’a poussé à bien me tenir et à ne pas gémir à la vision du défilé de beaux mecs qui se présentait à l’écran.

Los Angeles, 1962. George (Colin Firth), professeur d’université britannique, doit faire face à un terrible drame : son compagnon Jim (Matthew Goode) a trouvé la mort dans un accident de voiture. Après seize années de bonheur passées ensemble, George redevient un homme célibataire, foudroyé par le chagrin et la solitude. Son amie Charlotte (Julianne Moore, parfaite en fille à pédés, glamour et désillusionnée) a beau être là pour lui, il ne voit plus la vie qu’en noir. C’est décidé : il va se suicider. Il organise soigneusement sa dernière journée : il écrit des lettres, dit à sa bonne qu’elle est merveilleuse, range son bureau, achète des balles pour son flingue, va donner son dernier cours à l’université et compte voir sa meilleure amie Charlotte le soir. Mais le hasard va un peu bousculer ses plans et à l’infinie tristesse qui l’habite vont s’opposer des rencontres de hasards, des instants rares…

On ne nous aurait pas dit que Tom Ford était couturier qu’on l’aurait deviné. A single man sera probablement un des films les plus élégants, les plus soignés de 2010. Photographie léchée à l’extrême, mise en scène sensuelle et qui abuse des ralentis, garde robe à se damner : le réalisateur apporte un soin tout particulier à chacun de ses plans, semble en constante recherche de beauté. Le résultat est bluffant, nous donne la sensation de déambuler dans un étrange rêve où à tous les coins de rue un beau mec, tout droit sorti d’une couverture de Vogue, pourrait nous demander une cigarette. Défunt compagnon aux allures de gendre idéal, jeune étudiant minet supra méché et imberbe, latino bad boy : le moins qu’on puisse dire, c’est que George plait à de très beaux garçons. Tom Ford les filme avec envie, sans complexes. Et on a ainsi l’impression d’assister à l’éloge de la beauté masculine. Même Colin Firth a le torse imberbe, ferme, saillant : rien, non rien de rien n’est laissé au hasard. Avis aux garçons sensibles et aux filles : A single man est LA grande occasion de se rincer l’œil au ciné.

Alors oui, tout est magnifique au point que ça en devient surréaliste. Et Tom Ford ne craint pas de tomber dans le piège de la pose, il s’y engouffre avec jubilation. Cela pourra donner un côté artificiel voire superficiel au projet. Des premiers aux seconds rôles, tout le monde semble sorti d’un défilé de mode et évolue dans des décors de rêve. A single man pourra alors agacer, pouvant apparaitre comme snob ou prétentieux (tout est extrêmement premier degré et la bande originale raffinée mais très appuyée vient enfoncer le clou). En tout cas, force est de constater que pour un premier long, le cinéaste témoigne d’une maitrise tout bonnement hallucinante. Et quand on gratte un peu le très épais vernis, on trouve bel et bien des émotions, une sensibilité, un regard.

George a beau vivre dans un monde de toute beauté, de perfection, il a perdu celui qu’il aimait et ne s’en remet pas. Tout le film est un cheminement vers la mort, on baigne dans une ambiance singulière, où tout est sensuel, où tout tourne au ralenti, où des détails anodins deviennent soudainement des apparitions qui pourraient bien être les dernières images d’une vie. C’est un voyage cinématographique très plaisant qui nous est proposé, malgré la beauté un peu glacée de l’ensemble. Un peu de modestie ne ferait sans doute pas de mal à Tom Ford mais après tout, quand on est doué comme lui, pourquoi se priver de le montrer ?

Pour plus d’informations :

« Même si nous n’entendons pas éluder notre responsabilité, engagée par les propos de l’un des nôtres  [Karim Fall, alias Lefa], nous ne pouvons accepter qu’ait été ajoutées à des paroles réellement prononcées des formules imaginaires, destinées à les aggraver et à donner l’apparence trompeuse d’un discours construit. Il n’a par exemple jamais été question au cours de l’interview d’« une déviance qui n’est pas tolérable », et la retranscription complète de la réponse aurait fait apparaître une position beaucoup plus nuancée que celle qui a été publiée.

Restent des paroles irréfléchies, dont l’ensemble des membres de Sexion d’Assaut tient à s’excuser auprès de ceux qui en ont été blessés ou choqués. Ces excuses, certains pourraient être tentés de les regarder comme un aveu de faiblesse, une lâcheté, un manquement à l’obligation de virilité qu’exigerait notre appartenance musicale. Nous considérons au contraire comme une invitation au courage la remise en cause et la réflexion déclenchées par cette polémique. Nous sommes conscients de la responsabilité que nous confèrent notre notoriété soudaine et l’adhésion d’un public élargi. C’est la raison pour laquelle nous n’avons pas voulu réagir collectivement sans prendre le temps d’en discuter sérieusement entre nous, les yeux dans les yeux.

En réalité, si chacun veut bien y regarder de plus près, les propos qui nous sont reprochés, tenus sans haine mais avec une grande légèreté et une ignorance certaine de ce sujet, participent d’une homophobie ambiante, souvent inconsciente d’elle-même, qui traverse tous les milieux sociaux et s’exprime quotidiennement à travers le pays dans les cours d’école, les entreprises, les enceintes sportives, sur la voie publique, et jusque dans les assemblées parlementaires.

Il n’y a pas sur cette question, d’un côté, une France civilisée et vertueuse et, de l’autre, les barbares, mais une réalité qui concerne la société dans son ensemble.

Oui, c’est vrai, nous avons, comme l’immense majorité de nos concitoyens, grandi dans un schéma de pensée hétérosexuel et tranquillement machiste, insensible voire réfractaire à la diversité des orientations sexuelles. Nous avons repris à notre compte, sans distance critique, un discours, un regard, des attitudes, des non-dits tout aussi présents dans les cités que dans les beaux quartiers.

Mais nous ne voulons pas que cet épisode se limite à l’écriture d’une chronique supplémentaire dans le feuilleton très ancien du refus de la différence. Nous souhaitons au contraire qu’il soit l’occasion, pour nous et pour tous, de poser notre regard sur ce que nous ne voulions pas voir, d’écouter celles et ceux que nous ne voulions pas entendre et de nouer avec eux un dialogue jusqu’alors inexistant. » Communiqué de presse du reste du groupe Sexion d’Assaut, 28 septembre 2010.

Relisez l'interview de notre ami Halim Corto sur Les Toiles Roses

« T'as froid dans le dos quand un travelo te dit “vas-y viens”. Car tu sais que l'homme ne naît pas gay mais qu'il le devient » Sexion d'Assaut dans le morceau « A 30% » sur l'album L'écrasement de tête, distribué par le label Because (écouter).

« Bien trop de gays qui s'aiment et en plus se marient » dans « Vous aussi » par Maître Gims du même groupe (écouter).

« Toujours anti-homos » par Adams dans Rescapé (écouter)…

Lire l'article complet de nos amis de Têtu.com (merci à Paul Parant)

Par la voix de Lorianne Dimosi (contactée par Les Toiles Roses), responsable de la communication de Sexion d’Assaut chez Sony Music, nous apprenons que : « Lefa [le membre du groupe responsable de ces propos homophobes] a dérapé, il ne le pensait pas du tout. (…) Sony Music n’a rien à dire, c’est une affaire personnelle, nous sommes la maison de disque et nous n’intervenons jamais officiellement quant aux dires de nos artistes. (…) Je vous mets en copie le communiqué de presse du tourneur du groupe et de Lefa (qui a tenu ces propos injurieux) envoyé à toutes les salles de la tournée. » (24/09/2010).

Lefa © D. R.

COMMUNIQUÉ DE PRESSE

(envoyé à Les Toiles Roses)

Paris le 24 septembre 2010

Lefa du groupe Sexion d’Assaut et Eric Bellamy, leur producteur de spectacle, ont souhaité s’exprimer de manière commune suite aux propos tenus par le groupe dans le magazine « International Hip Hop ».

Eric Bellamy : « Si je défends par principe la liberté d’expression des artistes, ce que je continuerai à faire, je ne peux accepter personnellement certains propos qui vont à l’encontre de mon éthique personnelle. Suite aux propos de Lefa, nous avons eu plusieurs discussions avec le groupe pour clarifier les choses et décider si les conditions étaient requises pour faire la tournée ou non. Je suis aujourd’hui serein sur l’état d’esprit du groupe et je ferai la tournée ».

LEFA : « Je me suis exprimé lors d’une interview, pour le lancement de l’album, sur l’homosexualité, ce qui a déclenché depuis plusieurs semaines beaucoup de réactions de la part de la maison de disques, de notre tourneur, et en interne dans le groupe… Les propos, que je reconnais avoir tenus, ne sont effectivement pas acceptables et je tiens avant tout à m’en excuser auprès des gens que j’aurais pu blesser.

Je me suis rendu compte en vérifiant la signification du mot « homophobie » que j’avais sorti une connerie plus grosse que moi. C’est vrai que j’ai grandi dans l’ignorance de ce que ce terme signifie vraiment. Mais ni moi ni le groupe ne sommes homophobes. L’homosexualité est quelque chose qui est très loin de nous, qui avons grandi dans un milieu macho, et on utilise des mots qui s’y rapportent à tout bout de champ, sans forcément tous les maitriser.

Le groupe a eu beaucoup de succès très vite, et c’est vrai que nous prenons conscience que nos paroles ont désormais un retentissement important, c’est la raison pour laquelle je voulais revenir là-dessus et clarifier les choses. »

Jean-Louis Garac vit à Nice et est passionné par la littérature et la poésie, l'art et le cinéma. Il aime également écrire sur des sujets divers des « billets d'humeur ». Il possède une maîtrise de lettres modernes et son sujet de mémoire a été consacré à Colette. Il tient un blog personnel d’une excellente qualité et participe au fonctionnement de plusieurs associations. Jean-Louis, qui n’est pas responsable du titre de sa chronique (c’est un mauvais jeu de mots, spécialité du chef Daniel C. Hall), entre avec classe dans la grande famille du blog Les Toiles Roses…

07.

LE CORPS MASCULIN

BLASON DE LIBERTÉ  !

Notre littérature a peu célébré le corps masculin, à part quelques auteurs, connus uniquement d’un public gay et perdus dans leur tour d’ivoire, nous ne sommes guère riches en ce domaine.

De plus, les textes grecs et latins se sont lentement dissous dans un oubli regrettable ! Nous avons encore quelques poèmes de Straton de Sardes par exemple et peu de choses à côté ; c’est qu’il en va des textes comme des monuments humains : ici une colonne, un chapiteau, une entrée sans murs, là un morceau de phrase, une allusion mystérieuse, quelques vers tombés d’une fresque épique à tout jamais perdue !

Il me semble qu’il y avait là, dans cette antiquité quasi mythique, une richesse inouïe en matière de célébration du corps, déjà par la merveilleuse statuaire de ces siècles de marbre, encore avec les rares peintures qui nous restent, et surtout par les délicates représentations sur les multiples vases, poteries et orfèvreries de l’époque !

Et puis les siècles nous ont assommés de leur monotonie, de leurs fades mythes chrétiens, de leurs chapelets de chapelles dédiées à tous les martyres embrochés par la folie humaine ! À la Nature, aux exploits, aux conquêtes, on a préféré les croyances, les superstitions, les dérives métaphysiques... Le corps nu s’est retrouvé habillé, torturé, renié, détruit, oublié sous la pluie des prières comme derrière le rideau d’une cascade sans fin !

Retrouver le corps c’est déjà se retrouver soi-même ! Là encore notre triste monde chute dans de nouvelles convulsions : comment être et se nier, comment annoncer sa présence et la dérober à tous, comment se cacher dans les plis d’un autre univers... Les chats aiment bien se mettre dans des cartons et observer l’espace autour d’eux, il faut croire qu’il doit exister des « chats » humains, la malice et le goût du jeu en moins !

La femme nue, déesse mère, a été célébrée de tous temps, on a toutefois toujours idéalisé son corps, stylisé son sexe, et révélé une perfection presque immatérielle : nous avions « l’idée » de la femme comme les tribus d’Afrique concevait des masques d’animaux en suggérant leur « esprit ».

Certes, on doit à de courageux artistes le privilège d’avoir osé montrer des carnations éloignées des tons ivoires éthérés traditionnels, des poses naturelles et sans concession, des sexes réellement féminins et une vie palpable qui appelait autant l’attention que les caresses et le besoin d’amour !

L’homme a été un peu oublié dans tout cela, d’abord parce que la sexualité et les rôles imposés dans le monde chrétien faisait de lui quelque chose de très sérieux : un père de famille à l’image de Dieu le Père, portant le Droit et la Responsabilité et pendant très longtemps tous les droits et toutes les responsabilités...

On ne batifole donc pas avec des corps où s’inscrivent en résumé les desseins de Dieu et de son Histoire ! La bagatelle devenait sujet de poètes et de troubadours autour du corps de la femme (déjà porteuse du pêché originel) : amour courtois (courtois certes mais amour qui peut le dire ?), blason du corps féminin servant d’aiguillon à l’imagination et à la rivalité de tous les plumitifs, relayés par tous les courtisans en quête d’émulations viriles et d’actions à réaliser à la fois par imitation et pour échapper à l’ennui de leur vie. On parlait donc du corps mais en prenant le prétexte du corps de la femme, inaccessible objet de tous les désirs travestis.

La « Laure » de Pétrarque et la « Béatrice » de Dante, deux femmes à peine entrevues et qui devinrent les « phares » de toute leur vie, sont les images mythiques et symboliques du Moyen Âge, rejoignant dans un monde presque parfait et hors du temps les chevaliers de la table ronde et les autres légendes de ces siècles.

Inaccessible point de convergence et à la fois point de rencontre pour tous ceux qui relevaient les mêmes défis en finissant par aimer les mêmes cibles ; ce que nous connaissons encore aujourd’hui à travers les personnalités mises en lumière par les médias.

Que d’oubli dans tout cela et que de temps perdu pour l’homme comme pour la femme, chaque fois vus ou non vus, compris ou laissés dans l’ombre, analysés ou englués dans un rôle, dépeints ou ignorés pour ce qu’ils n’étaient pas ! Il y a donc une urgence à nous réapproprier ce corps masculin et féminin et jamais la conjonction de coordination « et » n’a eu autant d’importance car c’est un « et » qui fond, éclaire, mélange, renvoie, capte et révèle.

Dans notre monde en crise perpétuelle : monétaire, naturelle, sociétale, guerrière, identitaire etc., de nombreux artistes à travers le prisme de leur sensibilité ont déjà commencé ce travail de reconquête du corps, essentiel à l’épanouissement de chacun car il est la clef d’une forme de délivrance devant les cadenas mentaux que nos sociétés produisent. Cependant, ce n’est peut-être pas encore suffisant tellement ces « réflexes » sont restés gravés profondément dans notre inconscient. Le monde gay a tenté à sa façon une approche du corps qui demeure trop souvent sans génie et sans émotion autre que celle très conformiste aussi du « jeunisme ».

Ces réflexes, malgré les scandales et les horreurs d’un récent passé et le sang même de la Liberté offert par des millions d’humains, dictent encore des pudeurs et des interdits religieux, des attitudes stéréotypées et animales dans la distribution des rôles entre « mâles » et « femelles » puisque la vision est réductrice, des incapacités donc à se concevoir comme Homme ou Femme au delà d’un schéma simpliste, le tout couronné d’une absence de culture et de connaissance.

Les Dieux, qui étaient d’abord les plaisirs de la vie, en abandonnant le monde ont abandonné les hommes, et ces derniers, tels des titans prisonniers, retombent toujours au même stade n’ayant compris ni le sens de la vie, ni le sens de la nature, ni leur propre personne qui n’a jamais été pour la plupart qu’une molle argile livrée au plus fort prêt à la modeler.

Peut-être faut-il laisser simplement la parole aux poètes, capables de dire en mots simples ce renouveau du corps, de nos corps ensevelis sous la poussière des siècles et rouillés par tous les a priori de la machine infernale humaine.

J’aime les teints dorés ou bien couleur de miel

Ou de neige... Les beaux yeux bruns, les beaux yeux clairs.

Mais je préfère à tout, pareil au sombre ciel,

D’étincelants yeux noirs pleins d’ombre et pleins d’éclair. 

Yourcenar, La Couronne et la Lyre, Straton de Sardes, aux éditions Gallimard.

(...) Leurs yeux francs et matois crépitent de malice

Cordiale et des mots naïvement rusés

Partent non sans un gai juron qui les épice

De leur bouche bien fraîche aux solides baisers ;

Leur pine vigoureuse et leurs fesses joyeuses

Réjouissent la nuit et ma queue et mon cul ;

Sous la lampe et le petit jour, leurs chairs joyeuses

Ressuscitent mon désir las, jamais vaincu.

Cuisses, âmes, mains, tout mon être pêle-mêle,

Mémoire, pieds, cœur, dos et l’oreille et le nez

Et la fressure, tout gueule une ritournelle,

Et trépigne un chahut dans leurs bras forcenés. (...)

Verlaine, Hombres, Mille et tre, aux éditions H&O.

« La lèvre retroussée de Pétrole, la ligne si fraîche de sa mâchoire, ses yeux très légèrement obliques, toujours un peu clignés et dont l’iris du bleu pervenche était marqué de deux points sombres, tout ce visage enfin, je ne pouvais le contempler sans un incompréhensible déchirement, un sentiment de paradis perdu. »

Herbart, L’Âge d’or, éditions Le Promeneur.

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« Le vrai problème, c'est le soldat hétérosexuel qui hait le soldat gay. (…) Il faut renvoyer les homophobes chez eux ! (…) Si vous n'êtes pas assez brave pour vous battre sans préjugés, rentrez à la maison ! Ce n'est pas normal que ceux qui entretiennent de la haine envers les gays aient le droit de se battre pour leur pays. Il faut renvoyer ces soldats qui ont une mauvaise influence sur la cohésion de leur unité. (…) Les soldats (homophobes) se battent pour certaines égalités mais pas celle des gays. Pourtant notre constitution n'est pas une cafétéria où l'on choisit de défendre certains droits ! Le principe d'égalité est non-négociable. » Lady Gaga, lundi 20 septembre 2010, à un meeting dans le Maine pour demander la réforme de « Don't ask, don't tell », et qui propose de faire voter une nouvelle loi « If you don't like it, go home » (si vous ne supportez pas [l'homosexualité], rentrez chez vous).