Fiche technique :
Avec : Ian D Clark, Marcel Sabourin, Aubert Pallascio, Jason Cadieux, Danny Gilmore, Matthew Ferguson, Brent Carver, Rémy Girard, Robert Lalonde, Gary Farmer, Alexander Chapman, John Dunn-hill, Paul-patrice Charbonneau, Michel Marc Bouchard, Khanh Hua, Benoît Lagrandeur, Pierre Leblanc, Jean Lévesque, Antoine Jobin, Alain Gendreau, Simon Simpson, Eddy Rios, Martin Stone. Réalisateur : John Greyson. Scénario : Michel-Marc Bouchard, d'après sa propre pièce. Montage : André Corriveau. Photo : Daniel John. Musique : Mychael Danna. Directeur artistique : Marie-Carole de Beaumont.
Durée : 95 mn. Disponible en V0 et VOST.

Résumé :

Québec, 1952, un évêque, monseigneur Bilodeau (Marcel Sabourin) est envoyé dans une prison afin de confesser un ancien camarade de collège, Simon Doucet (Aubert Pallascio), prisonnier et malade. Il a été condamné à perpétuité, il y a quarante ans pour un meurtre. Mais le prisonnier ne se confesse pas. Avec la complicité de ses codétenus, Simon Doucet parvient à séquestrer l'évêque dans la chapelle, où il l'oblige à regarder une pièce jouée par les prisonniers dans laquelle ils reproduisent des événements vieux de quarante ans.
Elle lui raconte l'éveil et les premières expériences homosexuelles de trois adolescents en 1912. Dès qu'il entend les noms des trois garçons: Vallier de Tilly (Danny Gilmore), Jean Bilodeau et Simon Doucet (Jason Cadieux), l'évêque reconnaît sa propre histoire et comprend que sa vie est en danger. À cette époque, au collège catholique de Roberval, Simon jouait une pièce évoquant le martyre de Saint-Sébastien dans une représentation scolaire avec son ami Vallier, dont il était éperdument amoureux. Vallier est le fils d'une excentrique comtesse française (Brent Carver) exilée dans ces lointaines contrées dans l’attente d’une hypothétique restauration de la monarchie dans son pays, seule condition pour qu’ elle puisse daigner y revenir... Bilodeau, qui essayait vainement de convaincre Simon d'aller au séminaire, était le spectateur jaloux des deux acteurs amoureux. Bilodeau, lui-même amoureux de Simon, brise leur union en provoquant un incendie qui cause la mort de Vallier. Même s'il se dit innocent, c'est Simon que la justice condamne...
Lilies noue un inextricable réseau d'intrigues, d'alliances, de trahisons et de jalousies, qui mettront à jour un secret vieux de 40 ans.

L’avis de Bernard Alapetite :

Peu de films nécessitent autant de patience. On met longtemps à se laisser envoûter par ses superbes images et pour entrer dans la complexité du dispositif narratif, mais rares sont ceux qui offrent une si belle  récompense aux pugnaces et aux patients. Bientôt l’émotion finira par les submerger.
Baroque et bouleversant, romantique et rigoureux, Lilies joue sur plusieurs registres, et gagne en chacun d'eux. On y trouvera aussi bien une brûlante histoire d'amour qu’une remarquable métaphore sur la création. Ce qui aurait pu n'être qu'un Roméo et Juliette gay, devient, grâce à l'intelligence du scénario de Bouchard et à la mise en scène inspirée de John Greyson une histoire, universelle et intemporelle, sur l'amour fou, le prix du secret et l'art de la dissimulation.

Le nœud du drame, la représentation du Martyre de saint Sébastien nous ramène à l’âge d’or des collèges classiques, où l’on montait régulièrement des pièces du répertoire et où les rôles de femmes étaient tenus par des garçons. Parabole du film, le Martyre de saint Sébastien métaphorise l’amour. Le scénario, qui passe du récit de prison au drame historique, offre une structure de mise en abîme : l’évêque est spectateur de sa vie qui est transformée en une pièce de théâtre alors que le déclenchement du drame qui bouleversa son existence était justement la représentation d’une pièce ; le tout est filmé et vu in fine par nous, les spectateurs d’aujourd’hui. Cette construction en strates, l'histoire à l'intérieur d'histoires, du scénario de Michel-Marc Bouchard, dramaturge célèbre au Québec qui a adapté sa propre pièce Les feluettes , convient parfaitement à la propre démarche du réalisateur, grand amateur de dispositifs gigognes et d’aller et retour entre le passé et le présent.

Petit aparté linguistique qui me parait indispensable. Le sous-titre du film, Feluette, vient d’une déformation de l’adjectif fluet, aujourd’hui en joual (langue majoritairement parlée au Québec), il a acquis une connotation péjorative pour désigner les homosexuels.
Le film évoque une situation historique peu perceptible pour un non québécois : la continuité entre le Québec du début du XXe siècle et celui des années 50, toujours étouffé par l’obscurantisme catholique, alors que le règne de Maurice Duplessis ne soulevait pas encore suffisamment de contestation pour être renversé.

Pour la première fois avec Lilies, John Greyson ne filmait pas un de ses scénarios. Il a réussi à adapter pour l'écran une pièce qui reposait davantage sur l'évocation que sur l'illustration, sans pour autant la trahir ou diluer sa charge romantique. Il a décloisonné le huis clos d'origine en le transposant dans un lieu géographique imaginaire dans lequel des hommes, codétenus du héros, tiennent tous les rôles. Un artifice qui se fait vite oublier pour orienter les spectateurs vers l'essentiel du récit axé sur les jeux de miroirs et les faux-semblants. Greyson a privilégié les images au symbolisme appuyé, en harmonie avec la photographie aux tons chauds.

Jouant sur le réalisme, le symbolisme et l'onirisme, ce film superbe, qui allie la magie du cinéma à celle du théâtre, montre à quel point la vérité se cache derrière des masques.
Si l’on veut trouver une filiation cinématographique à Lilies, c’est dans les œuvres les plus baroques de Fellini comme E la nave va, Amarcord ou Casanova qu’on la trouvera.
La réalisation très soignée a visiblement bénéficié de gros moyens. Daniel John, chef opérateur d’un autre très beau film gay, Handing garden, virtuose du clair-obscur, a du regarder longuement les œuvres du Caravage avant d’empoigner sa caméra. Il a bien fait, il en reste quelque chose dans ses magnifiques images où néanmoins parfois, il lui arrive de perdre le point ! D’autres séquences comme celle de la mort de la mère en forêt ou encore celle de la torride scène d’amour entre les deux garçons dans la baignoire sont directement inspirées de la peinture pré-raphaélite. La photographie possède une beauté visuelle qui donne une profondeur au sentiment de perte, d'espoir et de colère qui anime toute l'œuvre de Greyson.

Nous sommes continuellement surpris par ces scènes où la toile peinte d’une représentation de patronage se transforme soudain en un cossu décor victorien tout droit sorti d’un film de James Ivory ou bien en une rue d’un village canadien du début du XXe siècle. L’inventivité du montage fait constamment douter le spectateur de l’époque qu’il découvre sur l’écran. Le lieu, même, est remis en question par le fait que les acteurs s’expriment en anglais alors que l’action est clairement située chez les canadiens français, licence habituelle au cinéma mais d’autant plus perturbante cette fois que certains comédiens parlent l’anglais avec un fort accent français.

La direction d'acteurs est irréprochable. Brent Carver campe une aristocrate déchue avec beaucoup de finesse. Quant aux deux acteurs jouant les adolescents amoureux, non seulement ils sont bons, comme toute la distribution, mais ils sont aussi sublimes. Pour une fois, de manière pas trop subliminale, on peut admirer les fesses de Danny Gilmore qui nous offre leur succulent pommé, mis en valeur par la délicate cambrure des reins. L’un des plus beaux fessiers qu’il m’ait été donné de pouvoir admirer au cinéma !
Greyson convoque également la littérature. On peut voir dans le film une réminiscence de Genet dans son homo-érotisme élégiaque de la prison. Film culte dans les pays anglo-saxons Lilies n’a bizarrement jamais été distribué en France. Il a été récompensé par le prix "Génie du meilleur film", "Meilleur film 1997" au Festival du film international gay et lesbien de San Francisco, et le prix du "meilleur film canadien" au Festival des Films du Monde de Montréal.

Cette flamboyante adaptation de la pièce Les Feluettes, de Michel-Marc Bouchard, Lilies de John Greyson prouve avec éclat que le théâtre d'auteur a sa place au cinéma.
Les éditions Home screen ont édité un dvd en Belgique avec des sous-titres français mais sans le moindre supplément.

Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Riyad Echahi, Zakariya Gouram, Sihem Benamoune, Mustapha Khaddar, Mehdi Jouhar, Roschdy El Glaoui, Farid Tali et Karim Tarek. Avec la participation d'Abdellah Taïa. Réalisé par Rémi Lange.
Durée : 74 mn. Disponible en VF.
 

Résumé :

Karim, qui se dit hétéro et étudiant en sociologie, cherche, parmi les jeunes d'origine maghrébine, des gays prêts à témoigner devant sa petite caméra. Il rencontre Farid, steward décomplexé, qui est prêt à répondre à ses questions et plus si affinités. Au fur et à mesure de l'enquête, le comportement de Karim se révéle paradoxal : il vit avec sa copine, tout en s'initiant auprès de son nouvel ami.

L'avis de Fred Goutier :

Un jour, Karim fait la connaissance de Farid, un steward au regard et au sourire désarmant ! Ce dernier n’hésite pas à le draguer et Karim, non sans résistance, tombe peu à peu sous le charme.

 

Rémi Lange déjà réalisateur du cultissime film Omelette nous revient avec son premier film non autobiographique. Un docu-fiction alliant habilement reportage façon cinéma-vérité, que l’on pourrait apparenter au Dogma de Lars Von Trier, et love story romantico-kitsch.


Une mise en scène cohérente et toujours juste, soutenue par une bande son parfaite pour un film militant mais pas didactique pour un sou ! Soulignons encore la performance des acteurs non professionnels qui jouent essentiellement en impro ce qui, malgré certaines hésitations, accentue le côté spontané du film et rend les personnages attendrissants.

Le DVD présente au menu des bonus, un making of passionnant et drôle de quarante-neuf minutes sur les coulisses du film, des scènes coupées, l’interview de Mohamed, jeune gay algérien réfugié en France. Une biographie illustrée et très complète de Remi Lange ainsi qu’une galerie photos complètent cette belle édition.


L’avis de AO :
Tourné avec peu de moyens (une caméra DV), Tarik el Hob met en scène, pour la première fois, des personnages gay beur sous un autre angle que d'objet sexuel ou de la frapppe de banlieue. Dans ce film, imparfait mais très attachant, Rémi Lange suit le parcours affectif et amoureux de Farid et Karim, de Paris à Marseille, entre fiction et réalité. Au départ, ce film devait s'intituler Les noces beur beur.


Joué essentiellement en impro, mi-fiction, mi-doc, il aborde avec justesse les thèmes de l’homosexualité et de l’Islam. De la difficulté à s'accepter et à aimer.


Les deux interprètes ont été découverts aux soirées BBB, et ont bravé le tabou de leur homosexualité en donnant chair à l'écran à un amour d'autant plus touchant que cela n'a jamais été abordé au cinéma.
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec Jean-Hugues Anglade, Vittorio Mezzogiorno, Roland Bertin, Lisa Kreuzer, Hammou Graia, Gérard Desarthe, Armin Mueller-Stahl, Claude Berri et Gérard Depardieu. Réalisé par Patrice Chéreau. Scénario de Patrice Chéreau et Hervé Guibert. Directeur de la photographie : Rénato Berta. Compositeur : Fiorenzo Carpi.
Durée : 109 mn. Disponible en VF.



Résumé :
Un père distant, une mère saoûlante par ses bavardages insipides et une soeur envahissante. À 18 ans, Henri les supporte mal. Et lorsqu'à la fin de juillet toute la famille part à la gare conduire sa soeur qui s'en va en vacances, il est comme d'habitude dans son monde, en décalage. Ainsi, pendant la longue attente qui précède le départ du train - sa mère trop prévoyante a calculé très large - erre-t-il dans cette gare, univers surprenant peuplé d'individus étranges. Suivi par un homme d'âge mûr au regard insistant - Bosmans -, Henri se retrouve par hasard dans les toilettes. Où un individu - c'est Jean - est en train d'en tabasser un autre. Violence brutale. Et irruption chez Henri d'une attirance instinctive et irrémédiable pour Jean qui l'embrasse avec passion. Le jeune homme est bouleversé. A partir de cet instant, il passe la plupart de ses nuits à rechercher Jean. En suivant Bosmans, qui, il le sait, connaît Jean, il finit par le retrouver au hasard de la gare.


Jean l'emmène chez Elisabeth avec laquelle il vit. Du moins de temps en temps. Car Jean est un personnage insaisissable. Henri, poussé par Jean, essaie de se prostituer. Mais il n'arrive pas à franchir le pas. Et Jean a disparu; Henri reprend sa quête passionnelle. En étant plus exigeant à chaque fois qu'il retrouve Jean (chez Bosmans par exemple), plus désireux de partager quelque chose avec lui. Il se laisse ainsi entraîner dans un cambriolage dont Jean lui colle toute la responsabilité avant de s'évanouir une fois encore. Henri, alors, fait un ultime parcours de place en place, chez Bosmans, chez Elisabeth, chez ses parents. Sans succès. Solitude, perpétuelle solitude. Dans une boîte de nuit, il retrouve Jean abruti de drogue. Henri le sent enfin tout à lui, mais il n'est qu'un corps inerte. Alors, il décide que personne d'autre ne l'aura jamais plus...

L'avis de Neil :
Même si c'est déjà la troisième réalisation de Patrice Chéreau, lui-même considère L'homme blessé comme sa vraie naissance au cinéma. Il faut dire qu'il s'est beaucoup investi dans le projet, commençant l'écriture du scénario dès 1977 avec l'écrivain Hervé Guibert. Il reconnaît d'ailleurs se retrouver beaucoup dans cet adolescent qui se cherche « même si je n'ai pas vécu la moitié de ce qui arrive au personnage » (dixit Chéreau).
Et heureusement pour lui en même temps. Le parcours d'Henri est pas franchement drôle faut dire. Fuyant comme la peste une ambiance familiale complètement sclérosée, ce jeune homme plein de fougue a besoin de quelque chose : oui mais quoi ? Partir en vacances, bof. C'est ainsi qu'il va être irrésistiblement attiré par la faune un peu bizarroïde qui traîne dans la gare du Nord et on commence alors une plongée dans les bas-fonds de cette gare. Si le film prend aux tripes, c'est par sa violence radicale et son refus de toute concession : glauque à souhait, il décrit sans pathos mais non sans passion (c'est du Chéreau quand même) la relation d'attirance et de répulsion mutuelle qui unit Henri et Jean, sorte d'initiateur mi ange mi démon aux fréquentations interlopes.


Une des qualités du film est de ne pas insister lourdement, même si c'est un des sujets essantiels du film, sur le caractère homosexuel de la relation entre ces deux là : ce qui intéresse avant tout Patrice Chéreau est le trouble que ressent le personnage principal et sa fureur de vie toute juvénile. C'est à Jean-Hugues Anglade que revient le lourd rôle d'incarner ce quasi double cinématographique du réalisateur. Il est saisissant de naturel, réussissant à montrer très justement les faiblesses et le désarroi du personnage. Pour un premier grand rôle c'est épatant, d'autant que vu son âge à l'époque (28 ans) il n'était pas forcément évident qu'il soit convaincant dans la peau d'un adolescent. À noter les seconds rôles très justes de Roland Bertin et du couple Annick Alane/Armin Müller-Stahl en parents dépassés par les événements. Vivement critiqué lors de sa projection à Cannes, L'homme blessé est certes sulfureux mais ne se réduit pas à ce qualificatif trop simpliste : Chéreau y pose déjà les jalons de sa filmographie future, faite de passion et de larmes, de bruit et de fureur.


L'avis de Jean Yves :
Ce film raconte l'histoire d'une passion adolescente : Henri (Jean-Hugues Anglade), adolescent, s'ennuie. Lors d'un passage à la gare, il rencontre Jean (Vittorio Mezzogiorno) un homosexuel qui le pousse à commettre un acte de violence sur un homme plus âgé. Immédiatement, Henri éprouve une immense passion pour Jean et décide de le suivre dans son univers interlope. La passion naïve d'Henri vient butter contre le cynisme de Jean.
Film initiatique sur un jeune homme de 18 ans qui découvre un monde trouble et sans pitié, en même temps que son homosexualité. Pour la première fois dans l’hexagone (1983), une histoire homosexuelle est représentée explicitement, sans fard. Et quelle histoire ? Quelle homosexualité ? Celle de l’errance et de la dérive, celle des étreintes fugaces au détour d’un urinoir, des regards appuyés dans les halls de gare, celle que l’on trouve, en littérature, dans les romans de Jean Genet.


L'homme blessé provoqua quelques émois à Cannes. Le scénario (récompensé par un César en 1984) est le fruit d'une collaboration étendue sur six années avec Hervé Guibert. Patrice Chéreau y a projeté, dit-il, le sentiment d'une homosexualité non réalisée qui lui est très proche.
Dans ce film, si l’acte homosexuel est figuré [deux hommes se désirent en un regard, se dévorent, s’étreignent... nus, ils se contemplent avec fascination, avec attirance] le cadre cinématographique, tributaire du contexte social de l'époque, ne permet quand même pas encore la représentation de la jouissance, et encore moins celle du bonheur. L'interprétation de Jean Hugues Anglade est exceptionnelle, de même que celle du formidable Vittorio Mezzogiorno, grave à souhait. Patrice Chéreau plonge sans pathos les spectateurs dans cette relation tumultueuse crue mais non vulgaire. Un film qui prend au ventre et au cœur, à voir ou à revoir : fort et puissant !
Pour plus d’informations :

Fiche technique :
Avec James Duval, Debi Mazar, Rachel True, Chiara Mastroianni, Nathan Bexton, Kathleen Roberston, Christina Applegate, Ryan Phillippe et Heather Graham. Réalisé par Gregg Araki. Scénario : Gregg Araki. Directeur de la photographie : Arturo Smith.
Durée : 82 mn. Disponible en VO, VOST et VF.

Résumé :
L'histoire d'un voyage en apnée dans la journée banale d'un adolescent de Los Angeles âgé de dix-huit ans, Dark Smith, hanté par la fin du monde et la quête de l'amour pur.

L’avis d'Olivier Nicklaus :
Dernier volet de la trilogie consacrée par Gregg Araki à "l'apocalypse adolescente", Nowhere passe au Karcher MTV le quotidien teenage californien.
Circa 95, à l'heure où Larry Clark passe de la photo au cinéma en faisant de Kids la pierre inaugurale de son autel filmique à l'adolescence américaine white trash, sort en France The Doom Generation, d'un dénommé Gregg Araki, deuxième volet d'une trilogie baptisée en toute décomplexion Teen Apocalypse, et dont ce Nowhere est le point final. Historiquement, Araki est donc l'un de ces cinéastes qui ont rendu à l'adolescence perdue sa place centrale parmi les thèmes fétiches du cinéma américain indépendant. Mix hardcore de zapping MTV (des couleurs criardes sursaturées jusqu'à la bande originale sans aucun déchet : Radiohead, Chemical Brothers, Massive Attack, et notre super chouchou Two of Hearts de Stacey Q), de teenage movie déluré (obsession de la baise, de la fête, de la musique et de "qui a les ecstas ?"), de la littérature de Dennis Cooper ou de Bret Easton Ellis (zéro problème d'argent, et beaucoup de garçons n'ayant qu'une idée en tête : bouffer des culs, encore et encore, que ce soit celui de filles ou de garçons, peu importe), de sitcoms à la Beverly Hills (on disserte pendant des heures sur qui va sortir avec qui, ou si Untel va m'inviter ou pas à sa fête, en se repeignant les ongles), d'hypnose télévangéliste, de série B avec monstre tirant sur tout ce qui bouge, de viol hardcore, etc.

A l'arrivée, on pourrait craindre la bouillie immangeable. Or, non, Araki garde son cap. Il filme des adolescents qui ont traversé le miroir coctalien de leurs fantasmes, si bien qu'on ne sait jamais si on est dans leur réalité ou leur imaginaire. Et c'est très bien comme ça.

L’avis de Matoo :
Il fallait absolument que je parle de ce film, j’y pense depuis que j’ai évoqué Mysterious skin, qui a déjà presque deux ans. C’est un film de 1997 (putain dix ans !!), et ceci explique sans doute en partie pourquoi ce film est si important pour moi. Bah ouais, j’avais 21 ans quand je l’ai vu, et il incarnait avec une perfection redoutable tout ce que j’avais dans la tête. Je me souviens qu’il avait été taxé par la critique « d’épisode de Beverly Hills sous acide », ce qui correspond formellement assez bien à la réalité. Mais il y a plus à mon avis qu’un simple pastiche.
J’avais déjà été conquis par le savoir-faire incroyable du réalisateur pour son précédent film, Doom generation, où l’on pouvait déjà loucher sur son (bel) acteur fétiche : James Duval. Ce film était dingue et superbe, un road-movie plus que déjanté qui vitriolait déjà allègrement la société américaine. On retrouve son talent de cinéaste pour Nowhere, et notamment dans la manière sensuelle et photographique avec laquelle il filme les corps et les visages de ses comédien(ne)s.


Nowhere se passe à Los Angeles, et on suit les tribulations d’une bande de lycéens californiens « standards ». Il y a notamment Dark, adolescent taciturne et arty, qui sort avec Mel, une superbe black bisexuelle et insatiable. Dark va vivre quelques événements forts et décalés qui vont lui faire remettre en question ses credo et son sens de la réalité. Il rencontre notamment Montgomery qui va bien le troubler, tandis qu’en présence d’un étrange lézard géant extraterrestre, tout semble se détraquer autour de lui.
Le film ressemble bien à un épisode de Beverly Hills car il en possède quelques attributs esthétiques, et Araki se plait surtout à récupérer tous les codes des soaps et de notre univers consumériste actuel (enfin, celui de l’époque car le film est déjà extrêmement daté). Le film pullule de personnages secondaires plus ou moins liés les uns aux autres (petits copains, frères, sœurs, amis, potes de classe etc.), et il déroule toute une série d’intrigues qui mettent en place l’ambiance générale.
En outre, le casting est exemplaire avec des comédiens ou comédiennes qui n’étaient pas forcément très connus à l’époque, ou d’autres qui ont accepté de jouer dans des rôles quasi-parodiques. C’est comme cela qu’on trouve pêle-mêle : Chiara Mastroianni, Kathleen Robertson (qui joue dans Hollywoodland), Christina Applegate, Ryan Phillippe, Heather Graham, Mena Suvari, Denise Richards, Jaason Simmons (une pauvre star d’Alerte à Malibu), Charlotte Rae (mais si Madame Garett dans Arnold et Willy !) et tout de même dans le rôle des trois pétasses à un arrêt de bus : Rose McGowan, Traci Lords (célèbre actrice de porno US des années 90) et Shannen Doherty.


J’ai adoré ce film à l’époque car c’était un OVNI complètement taré, mais où je retrouvais en substance toute ma « culture » de l’époque. Et puis ça avait beau être flippant, décalé et « noir », ça n’était pas non plus un film pessimiste ou négatif. En plus, il y avait de l’amour, du désir, du sexe, de la romance, de l’amitié, et toute une bande de jeunes qui cherchaient à trouver leurs propres codes ou valeurs, et à profiter de leurs vertes et insouciantes années. C’est aussi un film qui d’un plan à l’autre, passe du rire aux larmes, de la débilité superficielle à l’angoisse adolescente, et parfois au suicide, à la drogue, au sexe en tant que récréation amoureuse, et puis en tant que marchandise ou punition. Quand je le regarde aujourd’hui, je l’aime toujours autant, car il est toujours aussi chelou, toujours aussi incroyablement fucked-up. Et à présent que le décalage temporel le laisse ainsi comme une œuvre en « suspend », elle n’en prend que plus d’importance et de beauté. Ce film a indéniablement marqué cette fin de millénaire pour moi.


L'avis de Mérovingien02 :
DU CUL ! DU CUL ! DU CUL !
Alors c'est l'histoire d'un groupe de jeunes qui baisent. Beaucoup. Tout le temps. Ha non. Quand ils ont rien de mieux à foutre, ils se shootent à l'ecstasy et se font saigner. Et puis comme le monde se barre en couille, de drôles d'extraterrestres qu'on jurerait sortis tout droit d'un épisode de Power Rangers viennent dire bonjour et exploser la cage thoracique des adolescents. Nous sommes nulle part (le Nowhere du titre), sans point d'ancrage à la réalité, sans destination.
Après Totally F***ed Up et Doom Generation, le réalisateur gay branchos de Mysterious skin boucle sa trilogie de la Jeunesse Apocalyptique. Dans un déluge de trash et d'esthétique léchée underground. Le générique donne le coup d'envoi. Musique planante, lumière blanche. On se croirait au Paradis. Sauf que non, la caméra effectue une descente pour dévoiler en vérité une douche dans laquelle un mec se masturbe frénétiquement pendant que les noms des acteurs flottent un peu partout, comme s'il échappait déjà à toute gravité pour valser sans aucun repère ni logique. Bienvenue dans le néant de cette jeunesse dépravée. Une jeunesse infernale qui semblent condamnée par ses propres pulsions et sa propre identité. Le héros s'appelle Dark Smith, un autre personnage Lucifer...


Le décor immaculé de la douche, si beau et si lyrique sera vite explosé dans notre rétine par les imagines fantasmatiques de Dark. Des rêves érotiques dans des lumières fluo agressives. Le montage s'accélère pour renforcer l'excitation de la masturbation... Mais l'éjaculation n'aura pas lieu. Nowhere est un film sur l'insatisfaction, la frustration. Tout comme le héros aimerait tomber amoureux d'une black qui l'enverra paître.


Autour de Dark gravite une multitude de figures anecdotiques motivées par la seule idée de baiser et de s'éclater. Ils vivent tous dans un monde qu'ils ne comprennent pas. Si cette narration déstructurée empêche l'attachement et révèle une certaine vacuité globale du film, elle permet de renforcer l'aspect provoc’ du métrage en jouant clairement sur un refus des bonnes valeurs. Dès le départ, le personnage principal se sèchera avec une serviette aux couleurs du drapeau américain, d'ailleurs issue de la fin de Doom Generation. Tout un symbole. Si Gregg Araki commet l'erreur de ne jamais chercher à justifier les actes de ses figures interchangeables, il place ses pantins après la démonstration. Ses personnages ne viennent pas avant le message, c'est le message qui guide les personnages. En substance, Nowhere rassemble les thèmes chers du réalisateur. Le sexe, l'amour et la mort. Le sexe ? Il est là, cru, bestial. La sexualité des personnages est totalement libérée et Araki se donne un plaisir à détourner certains clichés. La sexualité des héros n'est pas clairement définie, le motard viril aime se faire fesser et le tombeur romantique est un pervers ultra violent. Le sexe peut-il être lié à l'amour ? L'exploration de ses fantasmes n'est-elle pas simplement un moyen de se sentir vivant dans un monde complètement déconnecté ? Le sexe est en permanence lié à la mort dans le film. Entre un peroxydé qui se fait arracher les piercings des tétons, un couple libéré où l'homme fait saigner sa meuf par un cunnilingus barbare ou encore la fille violée qui finit par se suicider, on se dit que le sexe n'est qu'une manière de se libérer de nos pires pulsions et de tourner le dos aux valeurs intégristes qui régissent le pays.


Il suffira de voir l'image pervertie du héros d'Alerte à Malibu (Jaason Simmons dans son propre rôle), beau mec bien sous tous rapport qui se révèle être une brute épaisse. Les personnages du film ont au moins le mérite d'aller au bout de leur délires. Ce sont des extraterrestres, au sens propre (voir le dénouement décapant) qui ne se sentent même pas capables de croire en Dieu. Quand Montgomery disparaît, la croix qu'il porte à son cou est le seul élément à lui qui reste. Et quand deux des jeunes se sentent mal face à leur pêché, ils ne trouvent de réconfort que devant un poste de télévision où un taré leur vend Dieu comme une marchandise avec un Paradis idiot semblable à l'image que s'en font les petits beaufs texans. Dans un monde sans Dieu, la violence a le droit de cité. Qu’elle soit sexuelle ou bien gratuite (le démontage de gueule à la canette). Quelle solution reste-t-il pour survivre ? La vraie foi de ces jeunes, c'est la drogue. À la place de l'hostie, on prend de l'ecstasy pour communier. La drogue libère et permet de se bâtir son propre monde, au moins pour quelques heures. Nowhere est un film surréaliste qui ne prend finalement pied dans aucune réalité (ce qui grippe finalement pas mal la thèse défendue par Araki sur le monde extérieur. Dommage). Les décors balancent entre esthétique métal, kitch (la salle de bain des filles au début) ou encore goth. Un hallucinogène. Araki décrit lui-même son film comme un Beverly Hills sous acide. Creux, mais psychédélique. Il est d'ailleurs à noter que le casting comporte bon nombre d'acteurs alors peu (pas) connus à l'époque qui sont depuis devenu des stars de teens movies idiots : Ryan Philippe, Denise Richards, Heather Graham... Surprenant.


Au milieu de cette surenchère de trips nihilistes au possible, que reste-t-il à Dark pour continuer à vivre ? Peut être l'Espoir ? Entre trois orgasmes et deux giclées de sang, Dark ne verra-t-il pas le mot Espoir apparaître ? Et si l'Espoir, c'était l'amour ? L'amour réciproque avoué dans la seule séquence calme du film, celle du lit à la fin (qui sera vite salopée par un peu de gore trash) marque-t-il une forme de rédemption et d'apaisement ? Le dénouement ultime, et le cri à la fin du générique auraient plutôt tendance à enfoncer le clou du No Hope. L'amour serait-il le nulle part du titre ? Ne nous évoque-t-on pas l'Apocalypse à plusieurs reprises ? La prise de pouvoir des extraterrestres marque-t-elle au contraire la prise de pouvoir des marginaux ?
Quoiqu'il en soit, Nowhere est un drôle d'objet souvent bancal mais relativement attachant, sa courte durée (à peine 1 heure 15) évitant heureusement l'indigestion. Quelle solution y a-t-il à un monde à la dérive ? D'avantage de dérives encore ? Ou bien fuir ? « I'm outta here ! », comme dirait le cafard géant de la fin.
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